Jump to content
Zone of Games Forum

Search the Community

Showing results for tags 'о кино'.



More search options

  • Search By Tags

    Type tags separated by commas.
  • Search By Author

Content Type


Forums

  • Игры года
  • «Русский» форум
    • Русификаторы
    • Вскрытие игровых ресурсов
    • The Bullfinch Team
    • Like a Dragon
    • Designer Team
    • REDteam
    • Mechanics VoiceOver
    • FaceOff
    • Failing Forward
    • GamesVoice
    • Prometheus Project
    • Tolma4 Team
    • Tales&Stories Team
    • ElikaStudio
    • ENPY Studio
  • Игровой форум
    • Игры
    • Игры года: народные голосования
  • Общий форум
    • Фильмы
    • Сериалы
    • Аниме
    • Software & Hardware
    • Музыка
    • Опросник
    • Барахолка
    • Флейм
  • Информационный форум
    • Translations' releases & updates
    • Articles
    • Gaming news
    • News from Russia
    • Technews
    • Cinews
    • Screenshots
    • Cosplay
    • Discounts
    • Streams
    • Contests
    • Fun
    • Blogs
    • ZoG news
  • Технический форум
    • О нашем портале
    • Архивный раздел
  • Футбольный тотализатор's Добро пожаловать
  • Tolma4 Team's Локальный форум
  • Футбольный тотализатор's РФПЛ сезон 17/18
  • Футбольный тотализатор's ЧМ 2018
  • CoD-M: Турниры Call of Duty Mobile's Турниры по Call of Duty Mobile

Found 27 results

  1. Крепкий осенний блокбастер, который подойдет как прожжённым фанатам КВМ, так и «обычным» людям, которые пройдут посмотреть приятный фильм про азиатского парня, лихо надирающего задницы злодейским злодеям. Двадцать пятый фильм киновселенной Marvel и первый сольник героя азиатского происхождения получился вполне себе крепким боевиком-сказкой без сильной привязки к основной вселенной, что даёт повод заинтересовать человека, который за этой самой киновселенной не следит. А может, конечно, это банальное заигрывание с китайской аудиторией, которая, при должной подаче, приносит очень неплохой доход. Хотя скорее всего, истина лежит где-то посередине. Сюжет «Шан-Чи» стартует после эпопеи с камнями бесконечности. Главный герой — ничем не примечательный парнишка по имени Шон, который работает парковщиком в Сан-Франциско и живёт непримечательной жизнью обычного человека. Он может пойти после работы с друзьями в бар или завалиться в караоке на всю ночь — прямо как мы с вами. Но не все так просто, ибо наш простак — на самом деле не простак, а невероятный боец рукопашного боя с настоящим именем Шан-Чи и сын великого тирана и захватчика Мандарина. С самого детства из него (довольно жестоко) готовили первоклассного убийцу и наследника тех самых «десяти колец», которые в фильме, для удобства, превратились в десять браслетов. На этом и строится основной конфликт истории — проблемы отцов и детей, а также желание парня просто пожить спокойной жизнью без заданий отца и сопутствующих убийств. Конечно, история несколько сложнее: есть мини-арки родителей главного героя, его сестры и подруги. Расскажут даже про организацию «Десяти колец», как она устраивала перевороты, и вспомнят про некоторых забытых персонажей вроде Мерзости и Тревора Слеттери (Помните «актёра» из Железного Человека? Это он). Бывший Мандарин выполняет функцию Кано из «Мортал Комбат», веселя зрителя практически каждым появлением в кадре - скорее всего, благодаря сценаристу Дэйву Каллахему, работавшему над обоими проектами. Сложно сказать, сыграл ли свою роль почти двухлетний перерыв между доковидной и постковидной эпохи фильмов, но по ощущениям знаменитый юмор Marvel поднабрал в качестве. Что нельзя сказать о сюжете, драматическая составляющая которого кажется слишком вторичной и наполнена полным набором клише в духе семейной франшизы Вина Дизеля. Несмотря на то, что некоторое время уделено сестре и подруге главного героя в сюжете, сами персонажи вышли довольно скучными, а та самая подруга — ещё и раздражающей. И готовьтесь увидеть миллион флешбеков на четверть хронометража, постоянно перебивающих основной сюжет. Визуал, конечно же, на уровне — спецэффектов ближе к середине фильма много и, в большинстве случаев, они радуют глаз. Местный «тайный мир», который закрыт от глаз обычного человека, выглядит очень ярко и сказочно, что идёт на пользу атмосфере. Также порадовали драки: фильм не страдает переизбытком монтажных склеек, и бои сами по себе, на фоне того же «Мортал Комбат» или «Чёрной вдовы», выглядят достойно. В фильме про бойца на эти сцены сделан сильный акцент — сцена в автобусе напоминает изобретательный экшн в духе ранних фильмов Джеки Чана. Что не может не радовать. Кстати, «киношная» история персонажа Шан-Чи не так и сильно отличается от версии из комиксов. Впервые появившись на страницах комиксов издательства Marvel в 1973 году на фоне взлёта популярности боевых искусств, Шан-Чи быстро обрёл практически культовый статус. В комиксах присутствует тот же злобный бессмертный отец Фу Манчу (без привязки к Мандарину и кольцам) и его сын, который, не зная правды, слепо следует по поручениям отца и убивает неугодных его взглядам людей. Спустя некоторое время издательство, потеряв права на отца Шан-чи, старалась лишний раз не упоминать его оригинальное имя, в дальнейшем превратив его в совсем другого персонажа. Сам Шан-чи за полвека поучаствовал во множестве историй — и личных, и второстепенных, влияющих на глобальные события, где он всегда стоял на стороне добра. К текущему времени он обзавёлся умением бесконечно множить себя и управлять энергией ци, что позволяет ему превосходить человеческие возможности. Также к его заслугам можно отнести обучение ближнему бою многих известных героев вселенной, в том числе Человека-паука и Капитана Америка. А вот история десяти колец несколько раз кардинально менялась. Чаще всего они имели определённые способности — по одной на кольцо. Изначально предполагалось, что в кольцах запечатаны души великих воинов, но с течением времени у них появлялся и пропадал довольно широких спектр сил вплоть до самосознания и захватывания разума владельца. «Шан-Чи и легенда Десяти колец» — крепкий осенний блокбастер, который подойдет как прожжённым фанатам КВМ, так и «обычным» людям, которые пройдут посмотреть приятный фильм про азиатского парня, лихо надирающего задницы злодейским злодеям.
  2. В одной маленькой латиноамериканской стране случился военный поворот. Местных диктаторов-олигархов, друживших с США, сменила военная хунта с антиамериканскими намерениями. Поговаривают, что беглые нацисты построили там оружие массового поражения. Власти не готовы ввести войска, но отправляют лазутчиков на территорию врага. Тот самый «Отряд самоубийц». Совсем недавно я уже писал о том, каким провалом закончился релиз фильма «Отряд самоубийц» Дэвида Эйра. Правда, провал был творческим, но не финансовым. Так что продолжения не заставили себя ждать. Сначала были малобюджетные «Хищные птицы», которые можно смело игнорировать. А теперь вышло полноценное продолжение «Отряд самоубийц: Миссия навылет» от режиссёра-постановщика Джеймса Ганна. В одной маленькой латиноамериканской стране случился военный поворот. Местных диктаторов-олигархов, друживших с США, сменила военная хунта с антиамериканскими намерениями. Поговаривают, что беглые нацисты построили там оружие массового поражения. Власти не готовы ввести войска, но отправляют лазутчиков на территорию врага. Тот самый «Отряд самоубийц». Правда, его состав немного удивит. Тяжело не проспойлерить единственный сюрприз фильма. С другой стороны, в трейлерах и так показали, что в отряд вошли Рик Флаг (Юэль Киннаман), Харли Куинн (Марго Робби), Кровавый спорт (Идрис Эльба), Миротворец (Джон Сина), Крысолов 2 (Даниэла Мелшиор), Человек-в-горошек (Дэвид Дастамалчян) и Король Акула (Сильвестр Сталлоне, в русском дубляже Элджей). И они ценой своей жизни должны спасти Америку и вернуть демократию в милую банановую республику Корто Мальтезе. Визуально кино получилось действительно неплохим Да, в этот раз картину решили снимать с самого начала с прицелом на безумный трэш и угар, который обещали трейлеры к первому фильму. Для этого Warner Bros пригласила Джеймса Ганна. Если кто-то подзабыл, всё это произошло на фоне скандального увольнения режиссёра из Marvel, где он работал над третьей частью «Стражей галактики» — все из-за оскорбительных шуток в Твиттере пятилетней давности. Забавно, но Кевин Файги в итоге отстоял постановщика перед боссами «Диснея» и восстановил его в должности, но в промежутке вынужденной безработицы Ганн успел согласиться на съёмку фильма во вселенной DC. Аманда Уоллер в исполнении Виолы Дэвис превратилась из беспринципной чиновницы в какого-то клоуна Джеймс Ганн интересен тем, что это выпускник студии Troma Entertainment Ллойда Кауфмана. Да-да, той самой инди-студии, выпускавшей отборный микробюджетный треш с конца 70-х гг. Именно из-под их крыла вышли такие знаковые ленты, как «Атака куриных зомби», «Сержант Кабукимен», «Нацисты-сёрфингисты должны умереть», а также сериалы «Атомная школа» и «Токсичный мститель». Последний даже удостоился собственной видеоигры. Будучи участником этого творческого объединения, Джеймс Ганн успел побыть сценаристом и со-режиссёром пародийной экранизации Уильяма Шекспира «Тромео и Джульетта». Но на какое-то время он был больше известен, как сценарист. Именно по его текстам были сняты такие фильмы, как «Скуби Ду» Раджи Госнелла и «Рассвет мертвецов» Зака Снайдера. Миротворец в исполнении Джона Сины не просто гомерически смешной, но и вполне занятная сатира на американскую внешнюю политику, несущую мир и демократию с помощью армии Режиссёрским дебютом для него стал независимый фильм ужасов «Слизень», являющийся пародийным переосмыслением комедийного ужастика 1986 года «Ночь ужасов» Фреда Деккера. Именно на съёмках этого фильма он познакомился с Майклом Рукером (звезда скандального триллера «Генри: Портрет серийного убийцы» ради которого в США был введён рейтинг NC-17 — только для взрослых, но не порнография), который станет его постоянным актёром. Далее был ревизионистский фильм о супергероях «Супер» и попадание в Marvel. Первые «Стражи галактики» добавили франшизе свежести, а «Стражи галактики 2» банально являются лучшим фильмом во всей MCU. Между делом, он спродюсировал и написал сценарий для весьма неглупого фильма «Эксперимент: Офис». При создании образа Харли Куинн Джеймс Ганн вдохновлялся игрой Lollipop Chainsaw, для которой когда-то написал сценарий. К слову, это не единственный опыт Ганна в игровой индустрии. Так же он сыграл злодея в эксклюзиве Xbox LocoCycle, где между миссиями показывали FMV-ролики в духе фильмов Troma (Ллойд Кауфман там тоже появлялся) Можно также вспомнить, что 20 лет назад он был автором сценария к пародийной комедии «Особенные», которая пародировала тогда только вышедших «Людей X». В общем, идеальный кандидат для съёмок комедийного фильма о супергероях. Тем более студия после целого ряда коммерческих и творческих неудач решила дать Джеймса Ганну полный карт-бланш. Получилось крайне странно. Если честно, я не могу сказать, что этот фильм лучше любого другого фильма в расширенной вселенной DC и тем более не лучший в карьере Джеймса Ганна. Вроде бы он не стесняется удивлять зрителя, не боится быть неполиткорректным, легко меняет настроение, заряжен капелькой безумия, но на выходе не остаётся впечатления, что посмотрел нечто цельное. Трогательные сцены перемешиваются с откровенно плоским юмором, одни персонажи карикатурны и тупее пробки, в то время как другие слишком реалистичны. Из-за этого контакт между ними выглядит неестественным. Фильму не удалось соединить химические элементы, которые превратили вторых «Стражей галактики» в трогательный фильм, в котором параллельно происходит много весёлого. Пом Клементьеф, ставшую известную по роли в «Стражах галактики», так же можно увидеть в небольшом камео Но при этом в ленте есть все типичные приёмы Джеймса Ганна. И весьма специфическая работа с кадром, и жестковатый чёрный юмор, ну и конечно же целая россыпь камео из его приятелей. Нашлось место Натану Филлиону, Майклу Рукеру, Шону Ганну, Тайке Вайтити и, конечно, самому Ллойду Кауфману. Некоторые имеют небольшие, но полноценные роли, а кто-то появляется в кадре всего на пару секунд. Великий Ллойд Кауфман — основатель студии Troma, в кадре Интересно, что несмотря на бескомпромиссность, авторы сказали, что в итоге решили не выставлять США в совсем уж плохом свете и не налегать на эту тему. Так сказать, снизили градус политичности. Хотя единственный интересный конфликт фильма происходит между патриотом Риком Флагом и патриотом Миротворцем, которые по-разному трактуют понятие «мир и любовь к Родине». Но именно в их конфликте лежит одна из самых дурацких и нелогичных сцен фильма, когда отряд врывается в деревушку повстанцев и находит там Флага. Честно говоря, то, как себя ведут мятежники в этом эпизоде, не имеет под собой логики даже внутри самого фильма. Лозунг 2021 года, не меньше Картина вышла в модный ныне гибридный прокат, и это сказалось на финансовых показателях скорее негативно. Сборы оказались низкими даже по меркам пандемии. Неудачу связывают как с пиратством, порождённым гибридным прокатом (не забываем, что HBO Max доступен только в США и еще горстке стран, а качественная копия фильма при этом качается в любой точке мира), так и с негативными отзывами публики на предыдущие фильмы серии. Также причиной называют неудачное название. «The Suicide Squad» слабо отличается от «Suicide Squad», и многие случайные зрители даже не поняли, что в прокат вышел новый фильм, а не очередной повторный прокат старого хита. Но это на английском языке — на иных территориях названия и вовсе идентичны. Что интересно, из-за этого во многих странах фильм вышел с дополнительным подзаголовком. В России — «Миссия навылет», в Канаде — просто «Миссия», в Хорватии — «Новое задание», в Финляндии и Италии — «Самоубийственное задание», в Литве — «Мобилизация». Киновселенная DC продолжает удивлять странными решениями. «Отряд самоубийц» получился фильмом крайне неоднозначным. Я всецело приветствую то, что Джеймсу Ганну дали снять своё собственное авторское кино, но я не понимаю, почему этого нельзя было сделать раньше с предыдущими постановщиками. Также я не могу сказать, что лично мне «Отряд самоубийц: Миссия навылет» пришёлся по вкусу.
  3. Продолжаем рассказывать про киновселенную DC. Первая часть: После оглушительного успеха трилогии о Бэтмене Кристофера Нолана, а также невиданных доселе успехов в построении комикс-вселенной на киноэкранах у студии Marvel боссы DC Comics и Warner Bros. Pictures решили, что пора и им присоединиться к банкету. Продюсерами и своего рода кураторами DC Movie Universe назначили Кристофера Нолана и Зака Снайдера. По изначальному замыслу новая серия фильмов должна была быть вписана в ту же вселенную, что и фильмы о Тёмном рыцаре с Кристианом Бэйлом в заглавной роли. Первый фильм новой серии «Человек из стали» даже успели немного прорекламировать как кино о Супермене в том же мире, что и «Тёмный рыцарь». Но уже в ходе написания сценария и препродакшна Нолан и Снайдер при участии сценариста Дэвида С. Гойера поняли, что эта идея не сработает, и решили начать всё с нуля. Это привело к одному из самых амбициозных голливудских провалов. Но он, как ни удивительно, начался с одного из лучших фильмов по супергеройским комиксам в истории жанра. Супермен, Бэтмен и все-все-все — Часть 2: Мрачная эпоха легендарных героев Режиссёр Зак Снайдер многим известен своим графическим стилем, образным и плоским, словно античные фрески, как и любимые им комиксы. В каком-то смысле его авторский почерк даже можно назвать гиперреализмом. Собственно, и сам постановщик говорит, что разницы между современными американскими комиксами и теми же древними мифами не видит. И то, и другое — архетипичные истории о борьбе добра и зла, морально-этические басни, в которых действуют не люди, а Герои. Собственно, вся короткая фильмография Снайдера (не будем учитывать музыкальные видеоклипы и рекламные ролики, которые он снимал в 90-х) включает в себя современные мифы, с соответствующим уровнем визуальной экспрессии. «Рассвет мертвецов» — стандартная история о людях в замкнутом пространстве в мире, который перевернулся с ног на голову и в котором мёртвые стали править планетой. «300» — античный героический эпос, который вызывал самые полярные трактовки у зрителей. «Хранители» — ревизионистская история о супергероях, которые служат не Добру, а Злу. «Запрещённый приём» — многоуровневый музыкальный боевик о современных амазонках, чья война с миром мужчин по большей части происходит в области разума. Наконец, «Человек из стали» — фильм, в котором режиссёр смог прикоснуться к пантеону новых американских богов. В этот раз было решено соотнести мужчину со стальным телом с Иисусом Христом (прежде был абстрактный Бог-пророк, сочетавший в себе черты разных мифических личностей, пусть и с упором на иудео-христианство). И вот зритель видит Отца в исполнении Рассела Кроу в эффектнейшем прологе на Криптоне. Затем в кадр попадет его 33-летний сын Кларк Кент / Кал-Эл. Его нетрадиционное рождение имеет две стороны. Кал-Эл — первый криптонец за многие поколения, рождённый естественным путём, порочным зачатием истинной любви вместо ставшей на утопическом Криптоне привычной системы искусственного оплодотворения. Кларк Кент же — наоборот: он появился в семье Кентов, которая не могла завести детей. Настоящее непорочное рождение. Земля в версии Снайдера — одна из заброшенных 18 тысячелетий назад колоний Криптона. Люди — потомки тех колонистов с далёких планет. Всё ещё первобытные в плане технологий, но пока не утратившие свободу выбора, которой криптонцы лишились, построив свою утопию. Впервые даётся объяснение символа S на груди Супермена: на криптонском это означает «Надежда». Не менее интересен диалог Кларка Кента со священником о том, стоит ли отдавать свою жизнь за спасение землян. Сама же история охватывает события сразу двух фильмов о Супермене Ричарда Доннера: первого, в котором рассказывалось о его появлении и последующем взрослении, и второго, где он вступал в противостояние с мятежным генералом Зодом. И хотя последние 40 минут фильма Снайдера слишком хаотичны из-за обильного экшена (недурно снятого, но не всегда уместного), зритель понимает, что Спаситель уже среди нас. И что он принёс Надежду. Сборы оказались высокие; продолжение, как и старт киновселенной, стали неминуемы. Полтора года прошло после знакомства человечества с Суперменом (Генри Кавилл). Для многих он стал живым олицетворением Бога на Земле, доказательством того, что мы не одни во вселенной, что где-то там, среди звёзд есть нечто выше нашего понимания. Для других он принёс только чужую войну. Многим памятна его битва с криптонцами во главе с генералом Зодом, почти разрушившая как Метрополис, так и всю Землю. Один из противников Супермена — миллиардер Брюс Уэйн (Бен Аффлек) и его альтер эго Бэтмен. Он своими глазами увидел Апокалипсис, который был принесён «людьми с небес». Но Уэйн опасается не столько Супермена, сколько тех сил, которыми он обладает. Ведь сегодня он защитник рода людского, а завтра всё может повернуться в обратную сторону. В прямом продолжении «Человека из стали» религиозный мотив остаётся важным. Кларк Кент воспринимается человечеством как мессия. Но общественное мнение разделяется: должен он жить, опираясь исключительно на свою мораль, или же должен подчиниться законам государства. Выходя из-под юрисдикции законов человеческих, он сам, благодаря своей силе, становится законом, а значит, и властью. Именно диктатуре Бога над собой и противостоит мститель из Готэма. Ему кажется, что этот самопровозглашенный Спаситель собирается лишить его самого важного — свободы воли. Когда-то Прометей украл огонь и подарил его людям — глиняным фигурам без собственной воли. Прометей был наказан, но боги не осмелились лишить людей дара, который им преподнёс взбунтовавшийся титан. Как утверждает один из персонажей фильма Лекс Лютор (Джесси Айзенберг): «Древнейшая ложь Америки: власть не бывает преступной». У этого вундеркинда с печатью человека, укравшего «Фейсбук», есть свои планы. Его отец — выходец из тоталитарной ГДР, но сам отпрыск в глаза не видел ничего подобного. Диктат отца и незащищённость перед ним становятся комплексом на всю оставшуюся жизнь. Боги не спасли его, и теперь он бросает вызов этим вершителям человеческих судеб. Если Бог добрый, то он не может быть всемогущим, а если он всемогущ, то маловероятно, что он добр. Перевёрнутая картина ада — вот символ его жизни. Ангелы выползают из подземелий. Демоны падают с небес. Снятие с креста Надо сказать, что и другой персонаж, вынесенный в заглавие, творит собственный закон. Летучая мышь Готэма — это не просто уличный мститель, которого мучают кошмары об убитых на его глазах родителях. Он человек, который самолично выносит приговоры, включая смертные. В борьбе с преступностью он не знает пощады. Он убивает, пытает, клеймит своих противников. Но в своей жестокости он начинает терять человечность. Забывать о том, почему он начал свой путь. Пожалуй, Снайдер смог удачно превратить комикс-основу в настоящий античный эпос. По своему духу это получился бескомпромиссный во многих моментах фильм, чётко следующий курсом героизации и сакрализации всех основных персонажей вселенной DC. Для этого он пользуется богатейшим культурным наследием человечества, от цитаты из «Иди и смотри» Элема Климова до икон и христианской живописи эпохи Возрождения. Всё действие у него подвластно античным канонам сюжетосложения. Метафора в каждой фразе и в каждом действии. Логика символов превыше логики бытия. Герои видят не просто сны, а предзнаменования. Христианская мифология при этом не менее важна, чем иная другая. Ещё в предыдущем фильме появились наработки из Нового завета, но в «Бэтмене против Супермена» постановщик добавил мотивы из истории о святом мученике Георгии, который после собственной смерти защитил принцессу, убив Змия. Кстати, одним из любимых фильмов Снайдера является «Экскалибур» Джона Бурмена. Снайдер не раз заявлял, что мечтает снимать нечто похожее. Это была экранизация средневекового проторомана «Смерть Артура» Томаса Мэлори. Но многие, кто видел фильм Бурмена, отметят кинематографическую схожесть данной картины с творчеством Снайдера. Там были и эпичный стиль повествования, и пафосные диалоги, и странное, лишённое стандартной драматургической логики сюжетное строение, и режиссёрская тяга к слоу-мо, а также кровь, насилие, секс и подлинные страсти. Но главное, после просмотра фильма Бурмена оставалось ощущение, что прикоснулся к чему-то легендарному. По авторской прихоти именно этот фильм смотрят в кинотеатре Уэйны перед своей смертью. Правда, тяжело не согласиться с отдельными упрёками в адрес данной картины Снайдера. Несмотря на общий нетривиальный для Голливуда авторский стиль, есть в ней существенные изъяны. Например, неуместные отсылки к предстоящим сиквелам, которые, кажется, и вовсе сняты каким-то режиссёром второй группы. К сожалению, после выхода режиссёрской версии и расширения вселенной эти сцены не стали понятнее или лучше. Более того, режиссёрская версия «Бэтмена против Супермена» так же страдала от плохого монтажа и несостыковки сцен друг с другом (подозреваю, что часть сцен не удалось восстановить даже в таком расширенном трёхчасовом варианте). Хотя кассовые сборы были вполне неплохими, отзывы публики были сконцентрированы вокруг неудачных моментов фильма. Более того, массовому зрителю не понравился авторский стиль Снайдера с превращением героев комиксов в персонажей древних эпосов, мифов и легенд. Тут-то студия Warner Bros. и нанесла свой коварный продюсерский удар, в спешном порядке перемонтировав уже готовый к выходу фильм «Отряд самоубийц» Дэвида Эйра. По сюжету в одной очень секретной тюрьме держат самых опасных преступников на свете. Наёмный убийца Дэдшот (Уилл Смит) всегда стреляет только в цель. Психопатка Харли Квинн (Марго Робби) страдает стокгольмским синдромом, отчаянно полюбив своего насильника — садиста и просто безумца Джокера (Джаред Лето). Австралийский преступник Капитан Бумеранг (Джай Кортни) грабит банки при помощи бумеранга (логично). Мексиканский гангстер Эль Дьябло (Джей Эрнандес) горит от страсти так, что способен подпалить всё вокруг. Убийца Крок (Адевале Акинойе-Агбаже) убивает людей. Всю эту разношёрстную компанию власти США решают объединить в сверхсекретный «Отряд Икс» для защиты национальной безопасности. Появление Супермена явно негативно повлияло на рассудок членов госаппарата Соединённых Штатов — иного объяснения объединению отъявленных мерзавцев под звёздно-полосатым флагом не предусмотрено. Для пущего эффекта в компанию ввели индейца, который высоко лазает. Присматривают же за ними бравый офицер спецназа Рик Флэг (Юэль Киннаман), его девушка Джун Мун (Кара Делевинь) и японка с очень неожиданным псевдонимом Катана (Карен Фукухара), обладающая волшебной катаной. Но поскольку надсмотрщиков меньше, чем злодеев, к ним заодно прикрепили отряд спецназовцев под управлением лейтенанта Эдвардса (Скотт Иствуд). Если кто-то считает, что таких мер безопасности недостаточно, то также в преступников вживили бомбы, которые взорвутся при попытке побега или просто неподчинения. Стоит повториться, с логическим мышлением в американском правительстве очень плохо. Это заключение подтверждается позже, когда находящаяся под его колпаком древняя ведьма Чародейка выходит из-под контроля, даже не напрягаясь. Её-то и приходится останавливать нашему отряду самоубийц. Уже по попытке описать сюжет ясно, насколько фильм невнятен, запутан и при этом пуст. Это настоящий кинокаламбур. Всё в нём двоится, троится, множится, но никогда не становится цельным. Персонажей вводят под устаревшую поп-музыку 70-х с флэшбеками а-ля творчество Гая Ричи, а заканчивают фильм пафосной битвой с древним божеством, которое вновь хочет вернуть паству в свой культ. Последнее, может быть, даже напомнит эпический стиль Снайдера, в момент съёмок ещё бывшего куратором DC Movie Universe. Но после кислого приёма широким зрителем «Бэтмена против Супермена: На заре справедливости» его этой должности лишили. На его место поставили человека, прежде занимавшегося комиксами, и многие проблемы фильма явно произрастают из этого продюсерского решения. Студия Warner Bros. крайне непоследовательна. Боссы мэйджора решили, что сменить коней на переправе — отличная мысль. Ещё в мае 2016 года «Отряд самоубийц» Эйра был суровым боевиком про жестоких отщепенцев, которые перед лицом истинного Зла решают совершить благое дело. Но уже на первых тестовых показах «Бэтмена против Супермена» в январе того же года поползли слухи, что затея близка к провалу. Не считая фанатов, большинство зрителей оказалось не особо заинтересовано в экранизации комиксов в мрачном, но, главное, необычном антураже. Как известно, после этого из фильма Снайдера волевым решением вырезали более 40 минут. Но «Отряду самоубийц» не повезло ещё больше. Сначала стали появляться трейлеры, в которых фильм резко сменил стилистику: они монтировались под Bohemian Rhapsody группы Queen, а все герои отвязно веселились в кадре. Но как стало известно со слов одного из инсайдеров, в фильме на тот момент ничего этого не было. Да и каким образом Эйр, доселе снимавший только суровые боевики («Патруль», «Короли улиц», «Ярость», «Саботаж»), мог снять нечто комедийное, никто не догадывался. В итоге в июне 2016 года стало известно, что всех актёров собрали вновь для того, чтобы переснять/доснять некоторые сцены, в которых будет больше действия и юмора. Для понимания абсурдности ситуации напомню, что фильм вышел в прокат 1 августа 2016 года. По этим же слухам режиссёр Эйр даже со злости уходил, хлопнув дверью, но в итоге возвращался, чуть остыв. В титрах указан монтажёр Джон Гилрой, но тайный доброжелатель сообщает, что фильм монтировал Майкл Троник из того самого рекламного агентства, которое сделало все эти трейлеры, нарезавшие кадры из фильма под музыку The Rolling Stones и AC/DC. И как раз монтаж стал слабейшим звеном этой картины. Настолько невнятного нагромождения кадров с ходу и не вспомнить, а уж во многомиллионных летних блокбастерах и подавно. Всё-таки тут важны простота и усвояемость материала, а не его вываливание на зрителя без чувства такта и стиля. И даже при том что отдельные кадры сами по себе были неплохи, в стройную цепочку они никак не складывались. Слишком бросалось в глаза, что всё это — обрезки из какого-то другого фильма. Причём ближе к финалу картина окончательно лишалась какого-либо смысла, и, что самое странное, заканчивались экшен-сцены. Последние 40 минут фильма по большей части посвящены болтовне, в то время как первая половина наполнена винегретом из перестрелок. Очень странное решение для боевика. К сожалению, это было только началом конца. Снайдер, который продумал у себя в голове потенциально интересную вселенную, где не разменивался на никому не нужные фильмы-предыстории, а сразу бросал своих героев в пекло, столкнулся с миром большого бизнеса. Студия хотела не получить планомерный прирост поклонников, а с ходу стать конкурентом кинематографической вселенной Marvel. Эксперименты с переосмыслением персонажей комиксов как современных героев мифов тут были лишними. Disney зарабатывал слишком большие деньги здесь и сейчас. Этот подход студии не помог, а сами фильмы стали на редкость безликими, совсем как фильмы MCU. В итоге о них нечего рассказать, настолько они все стали никакие. Их даже плохими назвать нельзя. И первым в очереди оказался фильм «Чудо-женщина» Пэтти Дженкинс. Картина рассказывает предысторию жизни амазонки-воительницы Дианы, принцессы Темискирской, своего рода дочери самого бога грома Зевса. Годами она жила в Амазонии, скрытой от глаз человечества, — обществе, где живут только женщины. Но однажды к ним заносит пилота американских ВВС Стива Тревора (Крис Пайн). Диана интересуется им и сбегает вместе с ним из Темискиры. Так она оказывается в обществе 1918 года. На дворе Первая мировая война. Да, это история про попаданца. Интересно, что Дженкинс не снимала фильмы 14 лет, несмотря на то что её дебютная картина 2003 года «Монстр» была положительно встречена критиками и зрителями, а Шарлиз Терон за главную роль в этом фильме даже получила такие престижные премии, как «Оскар» и «Серебряный медведь». Но Дженкинс не сидела сложа руки, просто все эти годы она потратила на съёмку телесериалов. Студия же и вовсе продвигала этот фильм как один из первых фильмов про женщину-супергероя, да ещё срежиссированный женщиной (первое, конечно, крайне спорно, учитывая, что давным-давно успели снять и «Женщину-кошку», и «Электру», и «Ультрафиолет», и «Эон Флакс», и что ещё только не). Но это не уберегло картину от абсурдной критики из соцсетей. Некоторые активисты и активистки заявили, что у героини Гадот не может быть бритых подмышек и что это всё потакание патриархальным ценностям. Амазонки не такие. Всего через полгода вышла «Лига справедливости», записанная на имя Зака Снайдера, но финальный монтаж и досъёмки организовывал Джосс Уидон. Если не знать истории создания этого фильма, то может показаться, что это обычный супергеройский боевик, мало чем отличающийся от каких-нибудь «Мстителей». Правда, почему-то странно смонтированный, а в некоторых сценах цветокоррекция не совпадает с другими сценами фильма. Но это не важно. Мало ли, вдруг оператор-постановщик был с цветовой слепотой. Однако ещё летом 2017 года случилась инсайдерская утечка, что Снайдера сняли со съёмок, а ему на смену назначили другого режиссёра, который должен был превратить фильм в качественный аттракцион. Вскоре студия подтвердила смену постановщика, но сказала, что Снайдер успел всё доснять, а отстранили его из-за самоубийства его дочери Отем, а не из-за творческого конфликта со студией. Те самые вырезанные усы В это, конечно, мало кто поверил. Тем более что вскоре случилась ещё одна утечка. На пересъёмки вызвали Генри Кавилла, который в тот момент уже активно снимался в очередной части «Миссия невыполнима». Если вы помните, в том фильме он носил шикарные усы милиционера. В итоге удаление усов с помощью компьютерной графики в «Лиге справедливости» обошлось Warner Bros. в кругленькую сумму, называли цифру в два миллиона долларов только на эту операцию. Такие утечки, на самом деле, случаются крайне редко, ведь в Голливуде студии обычно рьяно охраняют секреты, а многие блокбастеры активно переснимаются и перемонтируются с оглядкой на тест-показы и маркетинговые исследования. Потому данный случай был во многом беспрецедентным, что способствовало появлению фанатского сообщества, которое стало активно призывать студию выпустить «версию Зака Снайдера». Но это уже немного другая история. Эта сцена стала предметом скандала, так как выяснилось, что её придумал Джосс Уидон на пересъёмках фильма, но ни Галь Гадот, ни Эзра Миллер не хотели падать друг на друга ради шутки с сексуальным подтекстом. В итоге в сцене снялась дублёрша Гадот После неудачи с «Лигой справедливости» боссы DC и Warner Bros. заявили своим инвесторам, что на самом деле этот провал был прогнозируемым и что они ничего не потеряли (ну да, конечно). Взяв небольшую паузу, они вернулись к выстраиванию вселенной. Правда, почти сразу стало ясно, что больше в ней нет ни намёка на изначальные снайдеровские идеи и стиль или хотя бы на предыдущие фильмы. Следующим на очереди был «Аквамен» Джеймса Вана (создатель «Пилы», «Астрала»). История об атланте Артуре — короле Атлантиды — мало чем запоминалась, кроме стильных костюмов Эмбер Хёрд и необычайно красивого подводного мира. Разве что люди-крабы выглядели забавно да неожиданным было появление Дольфа Лундгрена в роли короля Нерея. Через три месяца, в марте 2019 года, последовал «Шазам!». Постановщиком картины выступил Дэвид Сандберг — протеже Джеймса Вана, снявший фильм «Проклятие Аннабель: Зарождение зла» в рамках его киновселенной «Заклятие». «Шазам!» — детская рождественская история о сироте Билли Бэтсоне, отчаянно пытающемся найти свою мать, которую потерял на ярмарке, когда ему было всего лишь пять лет. В какой-то момент он попадает в приёмную семью Васкесов. Там он знакомится с кучей сводных братьев и сестёр, каждый из которых так же является приёмным. Но новая семья ему всё равно не мила, и он, в очередной раз сбежав из дома, попадает в логово Чародея, который дарует ему свой титул защитника мира от семи смертных грехов и нарекает его Шазамом. На самом деле, у слова «Шазам» по лору комиксов есть расшифровка. Да и в самом фильме Чародей её произносит: «S — мудрость царя Соломона, H — сила Геракла, A — выносливость Атланта, Z — способности Зевса, A — отвага Ахилла, M — скорость Меркурия». Но в русском дубляже это объяснение потерялось при переводе. Интересно, что в действительности этого героя в комиксах зовут Капитан Марвел, но если бы DC выпустила фильм под таким названием, то случилась бы путаница с героиней из параллельной киновселенной. Сам же фильм оказался хоть и немного дурковатым, и откровенно несерьёзным, но всё же лёгким и добрым. Не известно, какую роль отводили «Шазаму!» изначально, но в итоге его явно переработали в фильм про детей и для детей. В этом нет ничего плохого. Тем более что в современном кинематографе наблюдается явная нехватка детских кинолент. Другое дело, что взрослому зрителю тут ловить по большей части нечего, разве что можно улыбнуться от парочки шуток на тему политкорректности. Следующим в очереди у DC был фильм американки китайского происхождения, до этого работавшей журналисткой, Кэти Янь «Хищные птицы: Потрясающая история Харли Квинн». Пожалуй, это один из самых странных сиквелов, которые я видел. Фильм является прямым продолжением «Отряда самоубийц», в нём есть отсылки к отдельным персонажам и событиям фильма Эйра, но всё сделано так, что лучше бы их не было. А ещё в фильме постоянно фигурирует Джокер, но его ни разу не показывают, и даже не слышно его голоса. Просто все персонажи почти два часа упоминают фразы, которые сказал Джокер, но сам лично он их не произносит, что со стороны зрителя выглядит невероятно глупо. Я понимаю, что, скорее всего, Джаред Лето отказался сняться в фильме, но ведь можно было переписать сценарий так, чтобы его отсутствие в кадре не бросалось в глаза. Сцена, пародирующая знаменитый музыкальный номер Мэрилин Монро из фильма «Джентльмены предпочитают блондинок», наверное, лучший эпизод фильма В остальном фильм тоже сложно назвать удачным. Избитые приёмы в духе фильмов Гая Ричи к 2020 году уже набили оскомину. Не меньшую, чем одни те же популярные песни 70-х — 80-х, которые кочуют из фильма в фильм (у Warner Music огромная музыкальная библиотека, но компания год за годом насилует одни и те же хиты). Бюджет проекта по слухам и вовсе оказался смешным для большого боевика по комиксам — жалкие 80 миллионов долларов, и это видно на экране. Единственное, чем данный фильм запомнился мне, так это тем, что это был один из последних походов в кино перед тем, как всех закрыли по домам в эпоху коронавируса. И пандемия неслабо повлияла на «Чудо-женщину: 1984», чья премьера была назначена на 5 июня 2020 года. В итоге фильм сначала задержали до осени 2020 года, а потом и вовсе выпустили 16 декабря 2020 года, одновременно с премиальным релизом в стриминговом сервисе HBO Max. Последнее стало предметом дискуссии, но студия смогла договориться с режиссёром фильма Пэтти Дженкинс и исполнительницей заглавной роли Галь Гадот о выплате им денежной компенсации, которая покроет потери от сорвавшегося процента с кассовых сборов. На самом деле, сейчас уже все забыли, но первоначально фильм должен был выйти в декабре 2019 года, однако его перенесли на, как казалось создателям, более благоприятную дату (летом крупные фильмы обычно собирают больше). Как же они ошибались. Впрочем, им не впервой, судя по результатам их детища. Зато фильм породил как минимум один популярный мем На этот раз действие фильма переносится в 80-е в их максимально карикатурной медийной форме. Диана Принс пытается изучить мир, в котором оказалась, параллельно в образе Чудо-женщины помогая простым жителям США. В исследовательском институте к её сотруднице Барбаре (Кристен Уиг) попадает для анализа странный камень. Поначалу она говорит, что это всего лишь фальшивый алмаз (или нечто в этом роде), но вскоре выясняется, что это Камень желаний, который исполнит всё, что пожелает его обладатель. Диана получает Стива Тревора, Барбара становится супергероиней, а ушлый обанкротившийся бизнесмен Макс Лорд (Педро Паскаль) сам становится Исполнителем желаний. И он начинает обещать людям исполнить их самую заветную мечту в обмен на что-то, что принадлежит им. Не стоит и говорить, что довольно быстро это приводит к непоправимой катастрофе всепланетного масштаба. Несмотря на откровенно слабо реализованные визуальные эффекты (некоторые уже стали объектами мемов), фильм получился не так плох, как о нём говорили. На самом деле, на уровне истории и сценария «Чудо-женщина: 1984» лучше первого фильма о принцессе Темискиры. Тяжело не проникнуться её героиней в тот момент, когда она отказывается от своего желания, но благодаря этому находит в самой себе силу реализовать свою истинную заветную мечту. Да и финал по-своему сильный. И даже обидно, что фильму не хватает постановочного лоска. Надо сказать, что пандемия не только принесла проблемы в прокате кинопремьер, но и дала возможность резко нарастить аудиторию стриминговым сервисам. Именно так, благодаря резкому успеху HBO Max, студия дала зелёный свет «„Лиге справедливости“ Зака Снайдера» — ультимативной режиссёрской версии фильма, о которой так давно просили фанаты. Для этого Снайдеру не просто дали возможность смонтировать фильм из готовых материалов, но и провели новый рендер визуальных эффектов, включая те сцены, к которым они никогда сделаны не были. Помимо этого была доснята одна сцена, где появлялся Джокер в исполнении Джареда Лето, который ещё совсем недавно нелепо отсутствовал в фильме про Харли Квинн. Удивительно, но несмотря на четырёхчасовой хронометраж, фильм смотрится на редкость увлекательно. И в нём нет ощущения, что какая-то сцена лишняя или, наоборот, чего-то не хватает, как было в той же трёхчасовой версии «Бэтмена против Супермена: На заре справедливости». От фильма веет дыханием настоящего эпического кино. Неспешный темп придаёт картине вес, а персонажам — глубину, которой им явно недоставало в более энергично смонтированных фильмах до этого. Более того, после данного фильма становится понятно, что на самом деле никакие предыстории этим персонажам были и не нужны. Наоборот, замысел Снайдера работает именно в таком формате: сначала большой фильм обо всех героях вместе и затем уже истории на стороне, а не наоборот. К сожалению, студия похоронила этот проект и недавно анонсировала список фильмов, которые считаются каноном в новой версии DC Movie Universe, и фильмов, которые считаются альтернативным взглядом на мир. И «„Лига справедливости“ Зака Снайдера» попала во вторую категорию вместе с «Джокером» Тодда Филлипса. Зато внезапно каноном новой вселенной признали два первых фильма о Бэтмене с Майклом Китоном, снятые 30 лет назад Тимом Бёртоном. И так же абсурдно два сиквела за авторством Джоэла Шумахера в новый канон взяты не были. История экранизаций комиксов DC на этом не останавливается. Совсем скоро на серебряные экраны планеты выйдет перезапуск-сиквел-ремейк «Отряда самоубийц». На этот раз режиссёром стал Джеймс Ганн — автор лучшего фильма Marvel: «Стражи галактики 2», и студия дала ему полную творческую свободу. Странно, что студия додумалась до этого только после провалов, переделанных продюсерами до неузнаваемости фильмов Снайдера и Эйра, проблем из-за неверия в авторское видение. Также готовится к выходу новый «Бэтмен» с Робертом Паттинсоном в заглавной роли и Мэттом Ривзом в режиссёрском кресле. Первая часть:
  4. Биография Наташи была окутана тайной в течение всех этих десяти лет — может, нам расскажут жуткие подробности ее детства, девичества, процесса подготовки, тренировки, как она вырвалась? Может, про какую-нибудь знаковую операцию, которая сделала ее столь знаменитой? Как она разделилась с семьей? Как поругалась с ней? Расслабьтесь, ничего подобного тут не будет. Знаете, пандемия здорово повлияла не столько на предложение, сколько на спрос на большие картины. Несмотря на то что я почти каждый день смотрю по серии какого-нибудь сериала, хочется чего-то большего. Чтоб на пару часов да с выучкой, помноженной на большой бюджет, — голливудский блокбастер, мы соскучились. И каково же было мое удивление, когда «Черная вдова» не оправдала ни одного из этих банальных ожиданий. «Черная вдова» — плохое кино. Оно простое, ненатуральное, насквозь фальшивое. Складывается впечатление, что изначально продюсеры Marvel задумались над тем, чтобы сделать о каждом из второстепенных Мстителей по сериалу, но с идеями о героине Скарлетт Йоханссон зашли в тупик. После чего собрали все, что могли придумать, в один клубок и зачем-то сделали из него полный метр. Итак, вспоминаем «Противостояние». Мстители распадаются, Наташа вынуждена бежать из США и, что называется «залечь на дно». Но не все так просто — без покровительства коллег за нее берутся старые знакомые по «советскому прошлому». И тут сразу начинаются странности с историей: Наташа уверена, что проблема со взращиванием ей подобных давно решена, ведь она самолично убила Главного Гада много лет назад. Однако нет — он не просто жив, но еще и здоров. И Наташа об этом, представьте себе, даже не догадывалась. Чудеса, да и только. Сюжетных дыр так много, что в определенный момент за историей становится просто неинтересно следить. Тем более что она вообще ничем не удивляет, кроме, с натяжкой, способа, которым группа «хороших» героев пробирается на базу «плохишей». О концовке и сценах после титров без спойлеров говорить невозможно, но ни в какое сравнение с сольниками других Мстителей ни первая, ни последние не идут. Хотя за намек на завязку одного из сериалов спасибо. Что же герои? Биография Наташи была окутана тайной в течение всех этих десяти лет — может, нам расскажут жуткие подробности ее детства, девичества, процесса подготовки, тренировки, как она вырвалась? Может, про какую-нибудь знаковую операцию, которая сделала ее столь знаменитой? Как она разделилась с семьей? Как поругалась с ней? Расслабьтесь, ничего подобного тут не будет. Более-менее раскрыта только Елена Белова — еще одна «жертва» «Красной комнаты», которая переживает за фильм самый широкий спектр эмоций. Ее предыстория не имеет ничего общего с комиксами, но искусственное повышение накала из истории детства дало актрисе Флоренс Пью шанс сыграть хоть что-то вразумительное в паре напряженных сцен. С остальными героями все совсем грустно. Красный страж в исполнении Дэвида Харбора получился ну настолько карикатурным, что местами за его юмор становится неловко. А еще он настоящее зеркало Советов как государства: был создан как антипод Капитана Америки («наш ответ Западу») и постоянно себя с ним сравнивает, что выглядит не всегда уместно. Вдобавок он растолстел и постоянно бухает, ведь все русские это делают! Про Мелину Востокову — исторически одну из лучших в прошлом шпионок программы — сказать особо нечего, поскольку ей уделили совсем немного внимания, как и знаменитому Таскмастеру: раскрытие в конце его истинной личности вызывает лишь недоумение. Киборг, умеющий копировать любую способность супергероя, теоретически может стать мощной частью киновселенной Marvel, но пока на его счету полторы средненькие экшен-сцены. Теперь самое странное. В процессе просмотра у меня разок промелькнула мысль о том, что фильм напичкан идеями феминизма, но задумался я об этом уже по дороге домой. Тут у нас туповатый госсекретарь Росс, вечно бухающий и, по сути, бесполезный Красный Страж, а также Злодейский Злодей против Вдовы старой, Вдовы новой, умнейшей Мелины и армии притесняемых девчонок, которые «ни в чем не виноваты». Уважаемые продюсеры Marvel, вам не кажется, что это немного перебор? А еще у меня есть вопросы к тому, зачем фильм «Черная вдова» вообще был нужен. Наташа тут просто доделала старое дело, которое никак не относится к общей сюжетной линии: ее персонаж не изменился ни на йоту и как был разыскиваемым преступником, так им и остался. Если сюжет стоит на месте, то, может, экшен классный? Конечно, нет — вы во «Мстителях» хоть одну запоминающуюся экшен-сцену с Наташей помните? Тут все точно так же. Разве что юмор местами тащит (Соловьеву большой привет), но от такого фильма ждешь несколько другого. Сделать из Вдовы полноценного персонажа так и не удалось. Наверное, ее сольник стоило выпустить раньше на несколько лет, ведь мы и так прекрасно знаем, что с ней будет в дальнейшем. Возможно, тогда фильм смотрелся бы уместнее, да и собрал бы больше на волне хайпа от «Мстителей». А сегодня «Черную вдову» можно посмотреть разве что дома и только самым большим фанатам киновселенной и жопы Скарлетт Йоханссон, которую оператор — отдадим ему должное — показывает очень часто.
  5. Совсем недавно произошёл на самом деле беспрецедентный случай. Вышла не просто режиссёрская версия фильма режиссёра-визионера Зака Снайдера «Лига справедливости». Вышла полноценная авторская версия, которую смонтировали из рабочих материалов и заново отрендерили все визуальные эффекты, а на суд публике был выставлен четырёхчасовой эпос. После чего мне захотелось углубиться в киноисторию этих популярных героев, ставших важной частью молодой американской культуры. В первой части поговорим об истоках, а во второй части статьи попытаюсь проанализировать киновселенную, запущенную Снайдером, но в данный момент умирающую в агонии. Совсем недавно произошёл на самом деле беспрецедентный случай. Вышла не просто режиссёрская версия фильма режиссёра-визионера Зака Снайдера «Лига справедливости». Вышла полноценная авторская версия, которую смонтировали из рабочих материалов и заново отрендерили все визуальные эффекты, а на суд публике был выставлен четырёхчасовой эпос. После чего мне захотелось углубиться в киноисторию этих популярных героев, ставших важной частью молодой американской культуры. В первой части поговорим об истоках, а во второй части статьи попытаюсь проанализировать киновселенную, запущенную Снайдером, но в данный момент умирающую в агонии. Супермен, Бэтмен и все, все, все — Часть 1: На заре кинокомикса Оба персонажа являются следствием Великой Депрессии и экономического кризиса, поразившего весь мир, в особенности США. В 1938 году Джером Сигел и Джо Шустер придумали Кал-Эла, сына Джор-Эла, последнего выжившего на планете Криптон, отправленного на Землю, где он должен был стать морально-этическим ориентиром для молодого человечества. Там его усыновила фермерская чета Кент. Повзрослев, он решил помочь не только близким, но и всему роду человеческому. Так началась его карьера журналиста в газете «Дэйли Плэнет». Он боролся с проблемами общества — нищетой, несправедливостью, коррупцией не только словом, но и делом. Так появился Супермен или Человек из Стали. Хотя сам себя Кларк Кент так не называл. Интересной видится параллель, что его назвали Суперменом, что созвучно с ницшеанским Ubermensch. При этом, в отличии сверхчеловека, описанного Ницше, который преступит моральные и этические нормы общества, тем самым став Богом, Кал-Эл является его полной противоположностью. Он становится Богом среди людей, избрав в качестве ориентиров идеалы, которые пока для человечества являются неосуществимыми. И тут важным становилось его появление в эпоху Депрессии, когда отчаявшиеся люди нуждались в спасителе. В итоге Супермен, с одной стороны, олицетворял образ нового Иисуса Христа, посланного с небес спасти человечество, а с другой — активно поддерживал умеренно левый «Новый курс» президента Франклина Рузвельта. И если второе со временем отпало, то сопоставления божественного толка сохранились и в последующих выпусках комиксов, и, конечно, в экранизациях. Примерно тогда же, в 1939 году, Боб Кейн придумал миллионера Брюса Уэйна, который по ночам переодевается в костюм летучей мыши, чтобы наводить страх на преступный мир вымышленного города Готэм. Многое в его биографии совпадало с образом Супермена: сирота, тяжесть родительского наследия, борьба за справедливость. Но отличия перевешивали. Должность Тёмного рыцаря правосудия была обусловлена местью. Он скрывает свою личность за маской, в то время как Супермен и есть Кал-Эл. И даже альтер-эго Кал-Эла — Кларк Кент — носит исключительно конспирационный характер, но его работа в газете такая же полезная для общества, как и то, что делает Человек из Стали. Брюс Уэйн — истинная личность Бэтмена — не такой. Его жизнь это бесконечные застолья и кутёж. Унаследованные миллионы тратятся влёгкую. Да, авторы комиксов придумали ему и дорогостоящее оборудование для поимки врагов, и благотворительный фонд. Но будем честны: Бэтмен — никто без денег, которые он даже не заработал. Но именно Бэтмену было суждено предстать на киноэкранах мира первым. Речь идёт о кинотеатральном мини-сериале «Бэтмен», вышедшем в 1943 году. Такие циклы показывались в былые времена вместе с трейлерами и новостной кинохроникой. Малобюджетное, наивное зрелище, но по-своему небезынтересное. Многие полагают, что реализм и мрачный взгляд на популярного комикс-героя — заслуга Фрэнка Миллера и Тима Бёртона, а также примкнувшего к застолью Кристофера Нолана, который довёл эту идею до абсурда. Но нет, ещё в 1943 году в мини-сериале за авторством весьма плодовитого режиссёра фильмов категории "Б" Ламберта Хилльера был введён реалистичный взгляд на Человека-Летучую мышь. Правда, получился «Бэтмен» времён военной истерии: мрачная музыка Ли Залера, чёрно-белое изображение, позаимствованное из малобюджетных «чёрных фильмов», и обильный пропагандистский контент. — Что, если она спросит: «Почему вы не в армии»? — Скажу ей, что не взяли по состоянию здоровья. Сюжет крутится вокруг американца японского происхождения доктора Дака, который хочет помочь своей исторической родине, передав им оружие невиданной мощности. Учитывая, что для этого он активно использует радий, становится понятно, что речь идёт о ядерном оружии. Всё действие происходит на опустевших улицах Маленького Токио в Готэме, ведь почти все его жители находятся в лагерях Неси (концлагеря, выстроенные в США для американцев японского происхождения). И тут на сцену выходит миллионер Брюс Уэйн в образе Бэтмена. Он защитит дядюшку Сэма от «пятой колонны». Пожалуй, главная проблема этого местами слишком серьёзного, а местами чересчур простодушного фильма в том, что мужчину и подростка нарядили в чересчур глупые костюмы. Ему даже можно простить кондовую антияпонскую пропаганду (интересно, как она соотносится с новыми толерантными правилами Голливуда?), так как мини-сериал справляется со своей главной обязанностью — развлекать. Причем, отдельные диалоговые шутки, кажется, впоследствии цитировались теми, кто вырос на данном произведении. Подлинной же страстью сценаристов опуса можно назвать их тягу к убийству Бэтмена. Первые 14 эпизодов из 15 заканчиваются смертью Человека-летучей мыши. Каждый раз они хоронят бедного мистера Уэйна всё изощрённей. И всё ради того, чтобы в начале следующей серии (к слову, их средняя длина 15 минут) воскресить борца с преступностью и величайшего детектива на Земле. Продюсеры почуяли настоящую золотую жилу. Вскоре они выпустили киновариант «Супермена». Прошло всего лишь 5 лет, а пропаганда вся сгинула. Да и Супермен, как персонаж, оказался повеселее и не лишённым чувства юмора. Правда, абсурдизм сериала доведён до абсолюта. Почти все 15-минутные серии строятся по следующему принципу: Лоис Лейн подставляет Кларка Кента, чтобы первой успеть написать о сенсации для «Дэйли Плэнет», попадает в неприятности за секунду до конца серии, чтобы в начале следующей её спас неожиданно возникший Супермен. И, конечно же, статью в газету напишет Кларк Кент, которого на месте не было. Впрочем, этот ход с клиффхэнгером впоследствии был использован в продолжениях обоих киносериалов. Для начала, в 1949 году был выпущен «Бэтмен и Робин». Не знаю, что случилось с режиссёром Спенсером Гордоном Беннетом, но такое впечатление, что он потерял чувство юмора, с которым был снят мини-сериал про Супермена — ни одной шутки в излишне серьёзном фильме о криминальном авторитете Маге и двух борцах с преступностью. В итоге смотрится всё как малоинтересный гангстерский фильм с погонями, перестрелками, драками и капелькой параноидальной пропаганды. А глупые костюмы придают сериалу непреднамеренный пародийный эффект. Забавный факт: одного из приспешников главного преступника зовут Нолан. Это имя ещё отзовётся в будущем. Последовавший далее «Супермен против Атомного человека» также был снят спустя рукава. Главная проблема: держать интригу сценаристы явно не способны. И пока Супермен и его друзья гадают, кто такой Атомный человек (о, этот костюм!), авторы чуть ли не с ходу показывают смеющегося Лекса Лютора, который надул всех этих сверхлюдей. А учитывая шаблонную структуру каждой серии с обязательным, предсказуемым клиффхэнгером, то сегодня данный киносериал интересен только поклонникам старого и забытого кино. В 1951 году вышел первый полнометражный фильм «Супермен против Человека-крота», но он ничем выгодно не отличался от минисериалов. Но вскоре всё изменится. — Это мог быть любой из них, но который? Или которые?! — Эта история с акулой довольно подозрительна. — То есть, там, где рыба, там и пингвин? — Я понял, мы тогда спустились низко. Миска. Женщина-кошка! — А та акула водила нас за нос. — Это Джокер! — Всё это одна большая загадка… Этот диалог из фильма «Бэтмен» Лесли Х. Мартинсона 1966 года говорит о многом. Будучи киноэпизодом вышедшего в том году успешного телесериала, сделавшего Бэтмена вновь популярным (к тому времени, была даже идея «убить» этого супергероя), а актёра Адама Уэста, исполнившего заглавную роль, навсегда привязал к образу. Отвязная комедия, авторы которой весело провели время, а зрители получили непритязательное произведение. Конечно, стоит сделать скидку на возраст фильма, иначе можно начать придираться к отдельным примитивно решённым сценам. Но диалоги, написанные в духе абсурдного примитивизма, веселят и сегодня. — Что весит 170 граммов, сидит на дереве и очень опасно? — Воробей с пулемётом! После этого на какое-то время мир супергероев из комиксов перебрался на телеэкраны в виде телесериалов, которые я оставлю за скобками. Пока в 1978 году известный режиссёр Ричард Доннер (на тот момент автор «Предзнаменования», известного у нас под надмозговой транскрипцией «Омен») не решился на, казалось бы, безуспешный эксперимент. И у него получилось. По сути, именно Доннер привел комиксы на большой экран всерьёз и надолго. Если не обращать внимания на немного устаревшие визуальные эффекты, то это настоящее эпическое кино, чей 2,5 часовой формат, сочетающий в себе и мифологию, и экшн, и комедию заставляет проникнуться местным пафосом. Ведь даже экранные негодяи не могут устоять перед Человеком из Стали (культовая роль Кристофера Рива) и помогают ему спасать род людской. Безусловно, Доннер уцепился за божественное происхождение в мифологии о Супермене. — Кажется, он в тебя влюблён? — Кто? Кларк Кент? — Нет, Супермен. — Не думаю. Он влюблён в человечество. Продолжение этого успешнейшего хита снималось одновременно с первым фильмом самим Ричардом Доннером, но съёмки в какой-то момент приостановили. Продюсеры, просмотрев то, что успели отснять, сбросили Доннера с поезда истории и утвердили нового режиссёра — Ричарда Лестера. После пересняли половину фильма. Хотя мягкий, залитый светом операторский стиль Джеффри Ансуорта, знакомый по первому фильму, резко контрастирует со сценами, снятыми Робертом Пэйнтером, у которого превалирует контрастный чёрный. И собственно, сам фильм оказался таким же контрастным душем. Доннер продолжал эпическую историю Кал-Эла, Лестер откровенно хохмил, превращая фильм в весёлую комедию. Не буду проводить очевидные параллели с сегодняшним днём. В 2006 году режиссёрский вариант Ричарда Доннера вышел на видео с посвящением Кристоферу Риву, «благодаря которому мир поверил в то, что человек может летать». Вообще у цикла проявилось нечто вроде «проклятия». Актёры, игравшие в нём, часто попадали в жизненные неурядицы. Загадочная смерть исполнителя роли Супермена в первом полнометражном фильме Джорджа Ривза, инвалидность Кристофера Рива, биполярное расстройство у Марго Киддер (Лоис Лейн), психологический кризис Марлона Брандо (Джор-Эл), совпавший с потерей сына. Тем сильнее звучит вырезанный из театральной версии монолог Брандо, который можно услышать в версии Ричарда Доннера. К слову, рекомендую посмотреть неонуар «Смерть Супермена» / Hollywoodland, посвящённой частично этому проклятию. Давным-давно, когда ты был ещё мал, я погиб, чтобы дать тебе шанс на жизнь, Кал-Эл. Сегодня пророчество свершится. Ты увидишь мой мир твоими глазами. Я увижу твой мир своими глазами. Отец становится сыном. Сын становится отцом. Прощай навеки. Запомни меня, сын мой. Несмотря на конфликт с Доннером, продюсеры сняли ещё три фильма в серии. Два прямых сиквела и один спин-офф. Третью часть поставил уже работавший над вторым фильмом Ричард Лестер. Кстати, британец Ричард Лестер — автор многих эксцентрических комедий. Одна из них — «Сноровка... и как её приобрести», даже удостоилась «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля. Хотя массовому зрителю он известен по двум комедиям с участием группы The Beatles: «Вечер трудного дня» и «На помощь!». Вот и «Супермен 3» в его версии превратился в нечто, наполненное обильным визуально-трюковым юмором. По-честному, его режиссёрские мотивы можно было оценить ещё во второй серии, где сцена разрушения Нью-Йорка генералом Зодом и его напарниками Урсой и Ноном также изобиловала slapstick-шутками. К несчастью, «Супермен 3» страдает от двух серьёзных родовых болезней. Первая — рейгановский неоконсерватизм. По сюжету Кларк Кент отправляется на встречу выпускников в Смоллвилль, где в деревенской идиллии встречает свою школьную любовь. Всё это сдобрено ностальгическими мотивами о счастливых 50-х гг., типичными для голливудского кинематографа после того, как «новое авторского» 70-х гг. вышло из тренда. Вторая проблема ещё хуже — афроамериканский комик Ричард Прайор (он тоже пострадал от мифического «проклятия»). Его ужимки, шутки, натужное комикование вызывают не улыбку, а чувство стыда. В 1984 году продюсеры Александр и Илья Салкинд выпустили малобюджетное ответвление — «Супергёрл». Итог: бессмысленный спин-офф к похождениям Супермена. Совершенно не вписывающийся ни в логику фильмов (а в фильме присутствуют небольшие камео из основной серии), ни комиксов, да и сам по себе малоосмысленный. Молодёжный формат губит тот факт, что у героини есть сверхспособности, но они ни на что не влияют в местной супергейройской версии «Волшебника страны Оз». Складывается впечатление, что выдуманная кузина Кал-Эла — персонаж, придуманный без понимания образа, выдуманного Сигелом и Шустером. Настолько он противоречит образу Человека из Стали. Зато премия «Золотая малина» не смогла обойти вниманием этот художественный провал. За роль ведьмы Селины номинацию получила Фэй Данауэй. По иронии судьбы она — самое интересное и продуманное, что есть в фильме. Так что даже позорная премия вышла незаслуженной. Четвёртый фильм «Супермен 4: В поисках мира» и вовсе надолго похоронил франшизу. В нём Супермен оказался на американских горках идеологических трендов. Ведь сначала была вполне себе общечеловеческая дилогия Доннера/Лестера, затем впадение в неоконсерватизм, и под конец, после появления среди создателей израильского дуэта Менахема Голана и Йорама Глобуса, Супермен стал врагом бездушного капитала, экономического кризиса и гонки вооружений (чего стоит язвительная пародия на самого старого президента в истории США — Рональда Рейгана!). Теперь он за справедливый мир, соединившийся в интернационале. Неудивительно, что оппозиционный поворот популярного супергероя вновь был номинирован на пару премий «Золотая малина». Фильм явно не вписывался в идеологическую конъюнктуру. Правда, на мой вкус четвёртая серия —неплохое, по-хорошему наивное развлекательное кино, явно незаслуживающее такого негатива. Но стоило Супермену уйти в тень, как на авансцену вернулся Бэтмен. К середине 80-х гг. в комиксах уже были перезапущены все основные персонажи, которые повзрослели и помрачнели. Вдохновившись графическими историями Фрэнка Миллера, американский визионер Тим Бёртон создал своего «Бэтмена», который и по сей день пользуется популярностью. Эта мрачная фантазия с обильными кинематографическими цитатами и запоминающимся образом Джокера в исполнении Джека Николсона стала настоящим хитом. Бэтмен перестал быть героем американского романа и вышел на мировой рынок. Но куда удачней оказалось продолжение «Бэтмен возвращается». Отточив визуальный стиль на первой ленте, во второй Бёртон создал психопатический портрет Брюса Уэйна/Бэтмена, чьё сознание расщеплено, и для финальной победы добра над злом он должен собрать себя воедино. Для этого нужно победить трех собственных альтер-эго: Макса Шрека — крупного промышленника, ведущего двойную игру, Освальда «Пингвина» Кобблпота — сироту, охваченного чувством мести, и Селину Кайл/Женщина-Кошка (коронный выход Мишель Пфайффер) — женщину, не знающую, кто она: хрупкая секретарша или страстная Кошка, чья тяга к латексу напоминает тягу некоторых личностей к БДСМ-развлечениям. И всё это в фирменных мрачных готических тонах бёртоновского кинематографа. В итоге, «Бэтмен возвращается» по праву считается одной из лучших экранизаций комиксов в истории кинематографа. Жизнь — сука. Так что я тоже стала ею. К сожалению, успех продлить не удалось. Тим Бёртон отошёл от режиссуры серии, а два фильма Джоэла Шумахера сегодня никто хорошими словами не наградит. Если первый из них — «Бэтмен навсегда», запоминался как просто очередной, пусть и неплохой, голливудский летний блокбастер, то участь второго фильма — «Бэтмен и Робин» — навсегда завязана на сексуальной ориентации режиссёра. Фильм называли гей-оперой даже те люди, которые и не подозревали о нетрадиционных взглядах Шумахера на отношения между людьми — так сильно бросался в глаза местный концепт. И это был тот случай, когда эстетика работала не на пользу, а во вред. Ведь кроме эпатажной визуальной квир-крикливости фильм не мог предложить ничего интересного. Разве что глуповатую роль Арнольда Шварценеггера. Интересно, что дальше продюсеры попытались выпустить спинофф о запомнившейся всем по второму фильму Женщине-кошке. Студийные боссы даже пытались подписать на роль Селины Кайл саму Мишель Пфайффер, но переговоры зашли в тупик и было решено сделать фильм, с одной стороны, в той же вселенной, но всё-таки о другой Женщине-кошке. Роль досталась весьма востребованной на тот момент Холли Берри, только получившей свой «Оскар». В режиссёрское кресло сел французский автор компьютерных спецэффектов с псевдонимом Питоф (по паспорту Жан-Кристоф Комар). Он прославился как один из пионеров компьютерной CG-графики в кино, работая над такими лентами, как «Астерикс и Обеликс против Цезаря», «Чужой: Воскрешение», «Пришельцы», «Город потерянных детей». На тот момент он успел снять «Видок», который вошёл в историю кинематографа как первый фильм снятый с первого до последнего кадра на цифровую камеру. К сожалению для студии, «Женщина-кошка» не выстрелила. Сам фильм был не хуже или лучше других лент — ему просто не повезло. Интересно, что сегодня об этом фильме забыли, хотя периодически тот или иной фильм называют первым супергеройским фильмом с женщиной или афроамериканцем в главной роли, хотя «Женщина-кошка», совместившая оба тренда, вышла 17 лет назад. После этого на какое-то время мир открестился от Бэтмена, чтобы забыть шок, которым одарил предыдущий фильм. Зато внезапно, вновь всплыл из небытия Супермен. Брайан Сингер, прославившийся на тот момент режиссурой двух серий «Людей Икс», был поставлен возглавить многострадальный проект. Фильм пытались снять ещё в 90-х гг. под названием «Смерть Супермена». На главную роль приглашался Николас Кейдж, над сценарием работал Кевин Смит, а в режиссёрском кресле посидели клипмейкеры Бретт Рэттнер и МакДжи. Итоговый результат фильма Сингера вызвал смешанную реакцию. Поклонники увидели очень странное продолжение первого фильма Ричарда Доннера. Зрителю сообщают, что прошло примерно 5 лет после событий первой картины, но вот на деле прошло лет 30, никто не постарел, кто-то помолодел, а у кого-то случилась амнезия, а вокруг все обзавелись современными гаджетами. Да и в офисе «Дэйли Плэнет» сменили интерьер с модернистского на некое ардеко. Зато Кевин Спейси и Паркер Поузи в ролях Лекса Лютора и его подельницы достойны просмотра. Эксперимент по прямому сиквелу с другими актёрами провалился. Продолжений снято не было. — Мы ещё увидимся? — Я всегда рядом. Зато после череды отменённых фильмов о Бэтмене, наконец, вышел перезапуск «Бэтмен: Начало». Из-за долго гулявших слухов о продолжениях и приквелах фильма Тима Бёртона многие даже приняли этот фильм как предысторию картины 1989 года. Ведь и заканчивалась она намёком на Джокера в продолжении. Но тогда только набиравший фанатов Кристофер Нолан пересоздал Бэтмена заново. Британский актёр Кристиан Бейл сыграл становление Брюса Уэйна, который после смерти родителей проходит долгое обучение в странствиях по Востоку. Самосовершенствование — залог успеха в деле мести. Но каким бы ни был успех Уэйна, никто не мог предугадать то, как фильм выстрелит в среде посетителей мультиплексов. Это была бомба. «Тёмный рыцарь» отказался от комиксоидных условностей, окончательно уйдя в реализм и политические аллюзии — последнее для Кристофера Нолана очень нетипично. Так, в «Тёмном рыцаре» не получится отрицать мотив противостояния Бэтмена и государства, точнее его права на монополию правосудия. Но режиссёр вставляет в фильм третью сторону — анархиста Джокера (запоминающийся образ Хита Леджера), для которого разрушение стабильного миропорядка движимо понятными только ему идеалами, а не тягой к деньгам или власти. Да и вообще все его действия пусть хаотичны, но направлены против криминала и государства одновременно. Весь фильм он сталкивает мафию и власти для того, чтобы они уничтожили друг друга. Даже, будем честны, дурацкая сцена с паромами об этом. Причем в итоге ведь важно не то, что Бэтмен посягнул на монополию, а то, что он и полиция встают на одну сторону. При этом Тёмный рыцарь, в отличии от полиции, прибегает к запрещённым приёмам. Похищает гражданина чужого государства, пытает Джокера, устраивает полномасштабную слежку за жителями города. Этакая «тёмная сторона» правосудия, которая остаётся за рамками закона. Многие углядели в этом политику Джорджа Буша-младшего после 11 сентября. При этом третий фильм показывает, что без жёстких, антиконституционных мер по достижению безопасности всё развалится. Восемь лет прошло после событий предыдущего фильма, в котором Бэтмен ушёл из поля зрения, а в городе стали действовать некие полицейские порядки, при которых у преступников нет шансов на помилование. Корпорация Брюса Уэйна на грани разорения, а сам Уэйн, в очередной раз сыгранный Кристианом Бейлом, превратился в хромого инвалида, ведущего затворнический образ жизни. И вроде всё, с криминальным миром покончено, пока в городе не объявляется странный террорист в маске. Тогда Бэтмен должен вернуться, чтобы в городе снова всё наладилось. И противостояние добра со злом превратилось в настоящую реакционную борьбу против революции. — Надвигается буря, мистер Уэйн. Советую вам и вашим друзьям задраить люки, ведь когда она обрушится, вы будете удивляться, как вы могли жить так роскошно, не делясь ничем с остальными людьми. Больше всего поразила в этом плане условная сторона «Зла». Перед нами комиксоидный Усама бин Ладен и Владимир Ленин в одном лице, управляющей анархо-коммунистической версией «Аль Каиды», которая обещает справедливость, избавление от экономического неравенства, освобождение политических заключенных, оказавшихся в тюрьмах в годы бэтменовского беззакония (интересно, что только в «Супермене 4» злодей Лекс Лютор воспользовался тем, что Супермен при его поимке не зачитал ему прав!), новый революционный порядок, в конце концов. Его идеи — какая-то дикая смесь фундаменталистского ислама с вышеупомянутыми анархизмом и марксизмом. Его приспешники одеты, как смесь талибов с латиноамериканскими герильеро. А сами отряды Бейна состоят, в основном, из жителей бедных рабочих и портовых кварталов Готэма. Захватывают они вполне себе реальный Манхэттен. И одна из ключевых фраз сторонников добра и света в борьбе против них: «Мы должны защитить западную цивилизацию!» Интересно, оказывается, Бейн посягал не просто на Готэм, но и на весь культурный Запад. Сам Кристофер Нолан отрицал политическое вложение в фильм. Вполне возможно. Но на уровне продюсеров и сценаристов эта откровенная республиканско-консервативная идеология в фильм всё-таки была заложена. В этом плане удачнее, как политическое высказывание, выглядит ещё один спинофф о жителе Готэма — «Джокер» Тодда Филипса. При этом, в отличие от всевозможных фестивальных хитов, «Джокер» не пытается педалировать повестку, а в лучших традициях кино прошлого помещает всё на задний план. Зритель сам способен во всём разобраться и домыслить нужное. При этом Джокер в данной интерпретации не является злодеем. Артур Флек в исполнении Хоакина Феникса — простой работяга. Его работа, мягко говоря, мало кому нужна. Его ни в грош не ставят окружающие. Да и сам Готэм, явно срисованный с Нью-Йорка 80-х, медленно погружается в пучину криминального рая и социального дна. Политики из числа миллионеров показушно пытаются доказать, что они исправят всё, ведь у них есть власть и деньги, но волна негодования снизу вскипает, и не спасётся никто. Народный гнев вознесёт на вершину любого, кто посмеет сделать первый шаг и попытается защитить себя перед теми, кто возомнил себя всесильным. Тяжело каждый день подниматься по лестнице, потому испытываешь истинное облегчение, когда решаешь наконец спуститься с неё. Да, это может напугать. Ведь справедливость уличного бунта и даже революции — совсем не то, что хочется увидеть у себя за окном. С другой стороны, чем отчаяннее ситуация, тем сильнее выхлоп. Нет ничего удивительного в том, что «Джокер» стал одним из самых обсуждаемых фильмов в России, даже несмотря на то, что по факту перед нами психологическая драма. Более того, картина Тодда Филлипса, бросившего съёмку скабрёзных комедий, умудрилась заработать в российском прокате 1 миллиард рублей. А в мире и вовсе был взят рубеж в 1 млрд долларов. Крайне неожиданно для драматического по содержанию фильма. На этом, пожалуй, закончу первую часть истории комиксов DC на киноэкранах. Сознательно обхожу стороной анимационные ленты и телесериалы. Это всё-таки немного другая вселенная. В продолжении будет рассказ о DC Movie Universe, куратором которой сделали Зака Снайдера, но после первой же кассовой неудачи попытались всё переиграть, подстроившись под рынок.
  6. Выбор номинантов по итогам 2020 года лично меня удивил со знаком «минус». Посмотрев все восемь фильмов, представленных в номинации на лучший фильм года, я был поражён тем, что впервые в список номинантов не попало ни одного по-настоящему хорошего фильма. Даже просто сносных набралось от силы парочка. Премия Американской киноакадемии, названная в простонародье «Оскар», издавна привлекает внимание всех любителей кинематографа. Да, это всего лишь местечковая премия за достижения в американском кинопроизводстве и прокате, но так вышло, что локальную премию одной страны благодаря силе Американской империи хотят увидеть даже жители России. Выбор номинантов по итогам 2020 года лично меня удивил со знаком «минус». Посмотрев все восемь фильмов, представленных в номинации на лучший фильм года, я был поражён тем, что впервые в список номинантов не попало ни одного по-настоящему хорошего фильма. Даже просто сносных набралось от силы парочка. Но это не повод не рассказать о каждом из них, расставив их от худшего к лучшему. «Земля кочевников» / Nomadland реж. Хлоя Чжао Фрэн работает на фабрике по производству гипсокартона. В связи с изменившимися экономическими реалиями завод корпорации U.S. Gypsum в городке Эмпайр закрывают. Это приводит к тому, что весь моногород начинает умирать, а героиня вынуждена продать свои дом и пожитки, чтобы начать жизнь бездомного кочевника. В своём фургоне она колесит по Америке в поисках случайных и сезонных заработков. Например, работы упаковщиком посылок в компании Amazon на период рождественских праздников, когда количество заказов временно увеличивается. По мнению букмекеров и специалистов, это главный фаворит премии. Картина китаянки Хлои Чжао уже успела победить на Венецианском кинофестивале, «Золотом глобусе», BAFTA, а также целом ворохе премий разных гильдий, изданий и ассоциаций кинокритиков. Лично я проникнуться этой лентой, снятой по мотивам документальной книги «Земля кочевников: Выжить в Америке XXI века» журналистки Джессики Брудер, не смог. Сам фильм, снятый в перерывах между съёмками большого диснеевского блокбастера «Вечные» Чжао в киновселенной «Марвел», также пытается воспроизвести документальную, в каком-то смысле неореалистичную интонацию публицистического романа. Практически все роли сыграли обычные люди, которые, как и главная героиня, после кризиса 2008 года стали бездомными, живут где повезёт и работают на сезонных работах в разных участках США. Всё это, конечно, очень плохо, и в данном плане фильм действительно показывает, что капитализм сам по себе не несёт ничего хорошего простым людям. А современные США — это страна с колоссальным разрывом между богатыми и бедными (рейтинг Джини у США хуже, чем у России, даже по данным ЦРУ), и с каждым годом ситуация становится только хуже. Но это всё не оправдывает того, что картина невероятно скучная и занудная, наполненная самыми банальными диалогами и бытовыми мудростями из всех, что можно было придумать. А единственные профессиональные актёры Фрэнсис Макдорманд и Дэвид Стрэтэйрн и вовсе выделяются на общем фоне, как пришельцы с другой планеты, что только рушит веру в показанное. «Минари» / «Водный сельдерей» / Minari реж. Ли Айзек Чун Молодая семья корейских эмигрантов после нескольких лет работы гастарбайтерами в Калифорнии наконец покупает свою собственную ферму в южной глубинке. На дворе 80-е, расцвет неоконсерватизма и ностальгии по старым добрым 50-м. Отец семейства мечтает о том, что совсем скоро ферма начнёт приносить доход и он станет настоящим американским бизнесменом, ведь кроме него никто не выращивает корейские овощи. Параллельно с этим у него начинаются конфликты с женой, которая не понимает, зачем они бросили низкооплачиваемую, но стабильную работу в Калифорнии ради жизни в глуши и с мутными перспективами заработать когда-нибудь в будущем. Эта простая и мало чем примечательная история выделяется разве что тем, что большую часть фильма персонажи говорят на корейском. Другой особенностью я бы назвал то, что вся история показывается с субъективной точки зрения мальчика, который смотрит на своих родителей откуда-то снизу, не очень понимая их проблем. Параллельно он знакомится с американской глубинкой, населённой белыми суеверными, очень религиозными и очень бедными, но по-своему добрыми людьми. Другим его детским потрясением становится знакомство со своей бабушкой — весьма консервативной кореянкой, придерживающейся традиций и обычаев, чуждых для выросшего внутри американской культуры человека. Но при просмотре «Минари» фильма я постоянно вспоминал фильм актёра Пола Дано «Дикая жизнь», в котором тоже проблемы между супругами были показаны с точки зрения их ребёнка. Только с той поправкой, что тот фильм был гораздо живее. «Звук метала» / Sound of Metal реж. Дариус Мардер Ударник метал-дуэта Blackgammon Рубен после очередного концерта понимает, что налажал. Он подозревает, что стал терять слух. В попытках исправить ситуацию он со своей напарницей и возлюбленной Лу обращается ко врачам. Те подтверждают его догадки и говорят, что есть возможность вернуть слух с помощью имплантов. Но импланты стоят очень дорого, а страховка музыканта из андеграунд-группы такую операцию не покроет. Врачи советуют Рубену перестать слушать громкую музыку и давать концерты, чтобы хотя бы не дать слуху деградировать дальше. Но желание установить импланты любой ценой вынуждает героя давать новые концерты, чтобы заработать денег на операцию. Так он полностью лишается слуха. «Звук метала» поначалу способен заинтересовать. Первые сцены с потерей звука во время концертов действительно интересно сняты. Но довольно быстро герой попадает в религиозную общину для глухих, и кино из сложного превращается в дидактическое о тяжёлой жизни инвалидов по слуху в современном мире в целом и в Америке в частности. Немного спасает ситуацию финал, где звук метала становится нестерпим, и Рубен находит покой в тишине. Но этого мало. «Иуда и Чёрный мессия» / Judas and the Black Messiah реж. Шака Кинг США, 60-е годы. Страна охвачена протестами борцов за свои права. Среди них особенно выделяется группа защитников прав афроамериканцев «Чёрные пантеры». Радикальная коммунистическая партия марксистов-ленинистов-маоистов активно вооружает жителей чёрных кварталов, строит бесплатные больницы, открывает школы с бесплатным обучением и организует столовые для детей и малоимущих. Но её цель — уничтожение капиталистического общества и социалистическая революция. Для этого лидер чикагской ячейки «Чёрных пантер» Фред Хэмптон начинает собирать «Радужную коалицию», в которую входят все недовольные властью оппозиционные организации: от чернокожих мусульман до белых работяг с флагами Конфедерации. Однако именно из-за этого он попадает под прицел агентов ФБР, которые хотят защитить традиционную Америку со свободным рынком. Они вербуют «крысу» в «Чёрных пантерах», которая будет сливать им всю информацию о том, что происходит внутри движения. Информатором становится 17-летний Билл О’Нил, который проштрафился подделкой документов и неудачной попыткой ограбления. Чтобы с него сняли срок, он соглашается быть «крысой». Но вскоре О’Нил начинает проникаться идеями коммунизма и всеобщего равенства вне зависимости от цвета кожи. Или же он просто умело вживается в роль, которую играет для властей как истинный патриот? В отличие от «Звука метала», этот фильм, наоборот, набирает обороты ближе к финалу, в то время как большая часть первой половины выстроена по принципу очередной биографической ленты о жизни замечательных людей из прошлого. Минимум противоречивости, максимум легендаризации. И хотя Хэмптон часто упоминает Мао и Че в своих речах, глаз регулярно цепляется за то, что современные кинематографисты постарались максимально снизить градус его политических речей, уводя их в сторону более актуального и довольно аполитичного современного движения Black Lives Matter. Но отдельные финальные сцены и неплохие актёрские работы Дэниэла Калуи, Лакита Стэнфилда и Джесси Племонса немного вытягивают картину. «Отец» / The Father реж. Флориан Зеллер История Энтони лишена логики и пространственно-временной последовательности. Он путает лица, имена, события, места и даже время суток. Может показаться, что это какая-то голливудская фантасмагория, но всё куда прозаичнее: у Энтони глубокая и явно прогрессирующая форма старческого маразма. Собственно, фильм пытается отобразить мир человека, который с трудом вспоминает, что с ним произошло пять минут назад, но по странному стечению обстоятельств помнит события или шутки 50-летней давности. Для режиссёра Флориана Зеллера это дебютная кинокартина. Но сам по себе Зеллер не является новичком в мире искусства. Его пьеса «Отец», написанная в 2012 году, успела завоевать немало театральных премий, а постановки на основе его драматургии появлялись не только в родной для него Франции, но и в Великобритании, США, Сингапуре и других странах. Более того, его пьеса уже дважды переносилась на экран: в 2012 году на французском телевидении вышел одноимённый фильм Кристофа Шарье, а в 2015 году вышел фильм Филиппа Ле Гуая «Флорида», имевший относительный успех во французском кинопрокате. Пять лет спустя сам драматург решил представить своё видение собственной трагикомической пьесы. «Манк» / Mank реж. Дэвид Финчер Многие знают выдающийся фильм Орсона Уэллса «Гражданин Кейн», но мало кто знает, из чего выросла эта лента и кто автор её сценария. Герман Манкевич — сценарист, сделавший себе имя на закате эпохи немого кино, когда сумел подняться до должности главы сценарного отдела студии «Парамаунт». Когда началась эпоха звукового кино, Манкевич разослал десятки писем и телеграмм всем хоть сколько-нибудь талантливым прозаикам, драматургам и сценаристам, чтобы они стекались в Голливуд, а лучше, конкретно в студию «Парамаунт». Звук действительно дал шанс новому поколению авторов, но для самого Манкевича это стало началом конца. Выяснилось, что умение писать сценарии для немых картин — не то же самое, что умение писать сценарии для звуковых лент. Постепенно Манкевич всё больше погружался в алкоголь и азартные игры, всё чаще конфликтовал с продюсерами и всё реже получал место для своего имени в титрах. Пока ему не подвернулась возможность написать сценарий для совсем молодого нью-йоркского режиссёра радиопьес Орсона Уэллса. Всем известно, что Уэллс и Манкевич получили премию «Оскар» за лучший сценарий к фильму «Гражданин Кейн», но годами ходили слухи о том, кто же на самом деле автор этого текста. Собственно, одна из наиболее популярных сплетен, канонизированная критикессой Полин Кейл, заключалась в том, что весь сценарий фильма написан Манкевичем, а роль Уэллса в его написании ничтожна. Именно на основе этой давней голливудской сплетни и поставлен новый фильм Дэвида Финчера. К сожалению, сейчас, после множества киноведческих изысканий, эта теория о том, что дерзкий молодой ньюйоркец присвоил себе чужую работу, с трудом выдерживает критику. Имеющиеся рукописи оригинального сценария Манкевича «Американец» и режиссёрского сценария, а также сам фильм показывают, что это была равноценная работа двух авторов. Пусть и поссорившихся друг с другом. Фильм Финчера может заинтересовать только тем, что режиссёр пытается стилизовать рассказываемую историю под «Гражданина Кейна» Уэллса. Часто используются похожие монтажные, операторские и режиссёрские приёмы, которыми запомнилась знаменитая кинолента 1941 года. Но лучше всего удалось стилизовать звук. Работа звукорежиссёра, который создал эффект монозвука с диалогами, будто записанными на допотопную технику, а не на современные лишённые искажений микрофоны, заслуживает отдельной похвалы. Что интересно, в официальном дубляже на русский язык тоже пошли на стилизацию. Только не под голливудское кино 30-х — 40-х годов. Вместо этого режиссёр дубляжа создал иллюзию старого советского дубляжа с определённой манерой игры актёров озвучания и характерным «плоским» звуком. В общем, фильм можно пересмотреть только для того, чтобы услышать два варианта озвучки. «Девушка, подающая надежды» / Promising Young Woman реж. Эмиральд Феннел В обычное время Кэсси — скучающая работница заурядной кофейни, живущая с родителями. Но каждую пятницу она надевает самые вызывающие наряды и отправляется в поход по барам и ночным клубам. Только вот она вовсе не кутит и не прожигает свою жизнь. Она притворяется мертвецки пьяной, чтобы проучивать мужчин, которые захотят воспользоваться её состоянием. Это её своеобразная месть мужчинам за случай, который произошёл с её пьяной подругой в медицинском колледже. После случайной встречи со своим бывшим однокурсником она решается перевести свою месть со случайных посетителей баров на тех, кто испортил ей студенческие годы. Неплохая, но всё равно средняя лента, которая удивляет своим наличием в списке номинантов. Ведь по факту это обычная коммерческая голливудская комедия с элементами триллера и лёгким чёрным юмором. Она даже снята как типичные комедии о жизни в благополучной субурбии. Единственное, что немного выделяет фильм на общем фоне, — сценарий с попыткой обыграть тему домогательств. Но из-за откровенно примитивной и заигрывающей с обывателем режиссуры и достоинства необычного сюжетного хода ближе к концу разрушаются слишком уж прямолинейным решением в финальной сцене. «Суд над чикагской семёркой» / The Trial of the Chicago 7 реж. Аарон Соркин В августе 1968 года в Чикаго проходит съезд Демократической партии США, на котором должны утвердить кандидата в президенты страны на ближайших выборах. Молодёжные организации со всей Америки стекаются в город, чтобы высказать своё «фи» властям. Им не так уж важно, демократы или республиканцы, им важно быть в центре внимания под прицелами телекамер, чтобы их голос услышали все. Но вместо мирного протеста всё заканчивается кровавой бойней с полицией и Национальной гвардией. Год спустя семь человек назначаются властями штата зачинщиками беспорядков, которые хотели свергнуть конституционный строй страны. Суд над ними привлекает внимание всей американской общественности. Фильм является типичным представителем жанра судебной драмы. Голливуд после появления звука в кино стал падок на этот жанр; чего только стоит такая классика, как «Убить пересмешника». Но фильм признанного мастера хлёсткого сценария Аарона Соркина всё же не дотягивает до высот даже предыдущей работы кинодела «Игра Молли», названной в отечественном прокате «Большой игрой». «Суду над чикагской семёркой» всё же местами не хватает дерзости. Фильм часто тонет в простых истинах. Да и хронометраж получился тяжеловесным. Но в лучшие моменты этот фильм расцветает и становится лучшим из всех номинантов. Однако если вы решили, что все проблемы «Оскара» 2021 года из-за пандемии или повестки, не занимайтесь самообманом. Это далеко не так. Да, пандемия привела к тому, что ряд больших фильмов, чьи продюсеры рассчитывали на высокие кассовые сборы, оказались перенесены на нынешний год, но это почти никак не повлияло на релиз подавляющего большинства фильмов, которые спокойно выходили в ограниченный кинопрокат и на стриминговых сервисах. И далее я представлю список из восьми фильмов, которые по всем правилам могли претендовать на главную премию Американской киноакадемии, но были проигнорированными по разным причинам. И нельзя сказать, что академики не знали об их существовании, так как часть из них получила номинации в менее престижных категориях. Ах да, текущая социальная и политическая повестка в этих фильмах тоже имеется. Только они сняты гораздо интереснее с точки зрения искусства кино. Альтернативная номинация на лучший фильм, если бы мир был чуть более справедлив «Грейхаунд» / Greyhound реж. Аарон Шнайдер Военное кино — редкий гость на современных экранах. Если не брать в расчёт новаторский «Дюнкерк» Кристофера Нолана, то сколько-нибудь заметных картин и не вспомнить. Тем интереснее продюсерский проект Тома Хэнкса «Грейхаунд» о капитане грузового корабля и заодно руководителе конвоя в годы Второй Мировой войны, когда каждое плавание через Атлантику могло стать последним, так как все торговые и грузовые маршруты контролировались немецкими подводными лодками. Картина Аарона Шнайдера может показаться немного старомодной, в ней нет ничего, кроме солдат, пытающихся выжить, а значит, победить в борьбе с врагом, но именно этот минимализм и подкупает. «Ещё по одной» / «Выпьем» / Druk реж. Томас Винтерберг Несколько школьных преподавателей, теряющих тягу к жизни и собственной работе, натыкаются на некое исследование, что 0,5 промилле алкоголя в крови улучшают социальные и профессиональные навыки, повышают тонус и уверенность в себе. Величайшие политики прошлого, такие как Уинстон Черчилль, пили алкоголь в рабочее время и добивались успеха. Конечно же, небольшие дозы действительно помогают героям раскрепоститься, но за 0,5 промилле следует желание повысить дозировку, и это уже ведёт к совсем иному отношению. Не зря после упоминаний величия Черчилля и того, как он получил Нобелевскую премию по литературе, в фильме начинается монтажная нарезка с пьяными Борисом Ельциным и Борисом Джонсоном. Но несмотря на все разрушения, которые алкоголь приносит героям, в финале всё равно остаётся ощущение, что оно того стоило. Лучшая реклама посещения бара в пятницу вечером из всех, что можно придумать. Абсурдно, что фильм получил номинацию за лучшую режиссёрскую работу, но не получил номинацию на премию за лучший фильм года. Объяснить это можно только нежеланием отдавать второй год подряд главный приз неанглоязычному фильму. «Ма Рейни: Мать блюза» / «Блэк Боттом Ма Рейни» / Ma Rainey’s Black Bottom реж. Джордж С. Вольф Экранизация одноимённой пьесы о записи пластинки известной певицы блюза Ма Рейни и её хита Black Bottom. Если что, в пьесе и фильме история записи полностью выдуманная, а как песня записывалась на самом деле, нам почти не известно. Блэк Боттом (ссылка: https://www.youtube.com/watch?v=OFTIfk6U3vo) — это придуманный афроамериканцами танец, который отсылал к району Блэк Боттом в Детройте. Это было мрачное гетто, где афроамериканцы жили в тотальной нищете, и танец иллюстрировал то, как им приходилось там выживать на самом дне, а движения имитировали то, как ведёт себя корова, наступившая в грязь. Но также этот танец стал сверхпопулярным в эпоху расцвета джаза, и белая молодёжь активно танцевала его, не особо заботясь об истоках и значении. Конечно, в первую очередь фильм запоминается отличными актёрскими работами Чедвика Боузмана (будем надеяться, он получит посмертный «Оскар») и Виолы Дэвис. Но не они одни хороши в этой жаркой ленте, где воздух накаляется с каждой минутой, а персонажи в своих театрализованных монологах чуть ли не срываются на чтение рэпа, даром что всё в антураже «ревущих 20-х». «Никогда, редко, иногда, всегда» / Never Rarely Sometimes Always реж. Элиза Хиттман История двух девушек, отправляющихся в Нью-Йорк, чтобы по-быстрому сделать аборт одной из них. В их родном штате девушки, не достигшие 18-летия, не могут сделать этого без согласия родителей, а в более либеральном Нью-Йорке разрешение не требуется. Но то, что им казалось простой операцией на пару часов, «сгоняем на автобусе днём, вернёмся в родную Филадельфию вечером», оказывается испытанием, в котором две девушки три дня ночуют на улицах и вокзалах крупнейшего города США. А само название отсылает к анкетированию, которое проходит каждая девушка, собирающаяся прервать беременность. Им задают вопросы личного толка о том, принуждали ли их к сексу и совершал ли партнёр над ними физическое или психологическое насилие, но вместо подробного ответа нужно отвечать только «Никогда, редко, иногда, всегда». Сама Элиза Хиттман весьма талантливая постановщица, за чьим творчеством точно стоит следить. Её предыдущие картины заслуживают не меньшего внимания. «Ассистентка» / The Assistant реж. Китти Грин Девушка устраивается на работу ассистенткой известного и влиятельного продюсера в крупной голливудской студии. Ради карьерного роста (5—10 лет работы помощницей — и дорастёт до полноценного продюсера) она вынуждена терпеть всевозможные лишения. Она вынуждена приходить на работу раньше всех, ещё до рассвета, уходить последней ближе к полуночи, дожидаясь ухода своего босса, она занимается не только своими прямыми обязанностями в виде налаживания коммуникаций с актёрами, агентами, съёмочной группой, распечатки документов, написания корпоративных писем, но и уборкой кабинета, мытьём посуды, покупкой всем в офисе обедов. Однажды она отвозит в гостиничный номер новую ассистентку, которая не занимается никакой работой, но получает зарплату и уединяется с боссом. Вскоре героиня начинает замечать, что многие молодые актрисы оказываются в такой же ситуации перед получением своей первой большой роли в большом кино. Как понятно из короткого синопсиса, эта картина явно вдохновлена движением #MeToo. Но фильм молодой дебютантки Китти Грин удивляет своим подходом. Минималистичный режиссёрский стиль почти без диалогов, а те, что есть, нарочито реалистичны. Да и сам босс-продюсер в кадре так и не появляется за все полтора часа хронометража, оставаясь некой угрожающей силой, которая может сделать человека звездой и может уничтожить карьеру на взлёте. Да и сам фильм не стремится превратиться в обличающую пафосом агитку (можно вспомнить прошлогодний «Скандал» с Николь Кидман и Шарлиз Терон), сохраняя максимально отстранённое отношение к своей героине. «Эмма.» / Emma. реж. Отем де Уайлд Экранизация классического юмористического романа Джейн Остен. Заглавная героиня не верит в то, что когда-нибудь выйдет замуж, считая, что у неё есть и свобода, и состояние, и положение в обществе, а значит, брак ни даст ни первого, ни второго, ни третьего. Но это не останавливает её от попыток устроить личную жизнь всех окружающих. Удивительно, что в современную эпоху победивших постмодернизма и постиронии с деконструкцией жанров и переосмыслением классики выходит вполне аутентичная экранизация георгианского романа, бережно относящаяся как к букве, так и к духу первоисточника. Это всё та же ироничная история о мире, где все живут следуя сложным ритуальным правилам, а говорят используя весьма специфичную манеру ведения диалогов, не позволяя себе вольностей в речи. Но тем удивительнее, что именно следуя первоисточнику, дебютантка в большом кино и клипмейкер Отем де Уайлд смогла нащупать актуальность произведения для современности, где всё так же приходится совершать социальные ритуалы и придерживаться современной этики, сдерживая свои истинные чувства. Интересно, что одной из наиболее известных экранизаций этого романа является лента «Бестолковые» с Алисией Сильверстоун в главной роли. В той экранизации с первоисточником как раз обошлись весьма вольно, перенеся действие в американскую школу середины 90-х. «Дьявол всегда здесь» / The Devil All the Time реж. Антонио Кампос Большой роман в форме кинополотна, охватывающего судьбы нескольких жителей американской глубинки за 20 лет, от окончания Второй Мировой войны в 1945-м до начала Вьетнамской кампании в 1965 году. Может показаться, что жизни персонажей слабо связаны друг с другом, но как говорит рассказчик (его озвучил автор романа-первоисточника Доналд Рэй Поллок): «В этом городке все были друг другу кровными родственниками. Кто-то из-за похоти, кто-то по нужде, а кто-то просто по незнанию». Мрачное и жёсткое путешествие в самые мрачные уголки Америки того периода, который принято называть «золотой эпохой», временем всеобщего процветания, «великими сытыми 50-ми». Даже истовая вера в Бога не способна спасти обитателей этих мест от дьявола. И каждый несёт свой крест сам. «Душа» / Soul реж. Пит Доктер, сорежиссёр анимации Кемп Пауэрс Студия «Пиксар» пользуется большой популярностью среди критиков, специалистов и любителей кино, хотя у массового зрителя её ленты далеко не всегда находят отклик. Но в последние несколько лет из-под пера сотрудников студии не выходило ничего толкового, лишь бесконечные и необязательные сиквелы и спин-оффы. А редкие оригинальные проекты не вызывали особого интереса. «Душа» же стала большой неожиданностью. Могу смело сказать, что это один из лучших мультфильмов в истории студии «Пиксар». Извиняюсь за тавтологию, но душевная история о том, что такое душа. Напоследок хочу добавить, что давно уже разочаровался в данной премии, которая утратила чуйку на истинные тренды в современном киноискусстве, потерявшись в попытках как угодить массовому зрителю, так и удовлетворить амбиции больших студийных боссов.
  7. Абсолютно никакой фильм Саймона Маккуойда мог бы стать полным провалом, если бы не одно «но» — пандемия. Комбат-батяня, батяня-комбат, Ты сердце не прятал за спины ребят. Летят самолеты, и танки горят, Так бьёт, йо, комбат, йо, комбат! — песня группы «Любэ» Видеоигры с давних пор попали под прицел кинопродюсеров. Ещё в 80-х кинопродюсеры поняли, что игровая индустрия имеет большой потенциал, и стали пытаться заработать на этой популярности. Первым шагом принято считать ленту «Трон» Стивена Лисбергера, вышедшую в 1982 году. Лента не была основана на какой-то конкретной игре, но видеоигра была в центре её сюжета. В общем, неудивительно, учитывая, насколько абстрактными были ранние образчики данного медиума. Затем были картины «Джойстики», «Военные игры», «Плащ и кинжал» и другие, которые точно так же клали компьютерные игры в основу истории, хотя и не базировались на чём-то конкретном. Но было видно, что эта тема вызывает интерес у подростковой аудитории и имеет потенциал в кассовых сборах. Покупка лицензий на узнаваемый видеоигровой бренд была вопросом времени. «Мортал Комбат»: Раньше было лучше? Удивительно, но при таких успехах американцев на рынке фильмов, в той или иной степени посвящённых видеоиграм или вольно основанных на них, первая ласточка новой эры прилетела из Японии. К тому моменту некогда великий японский кинематограф впал в глубочайший кризис, кинорынок захватили вторичные боевики и малобюджетные анимационные фильмы. И кинокартина «Ниндзя из будущего» (в оригинале Mirai Ninja) ничем от подобных фильмов не отличалась. В качестве основы была взята игра Mirai Ninja от студии Namcot. Сам фильм, правда, до кинотеатров не добрался и вышел сразу на ТВ. На Западе же он вышел сразу на VHS под названием «Киберниндзя». Первым же большим голливудским фильмом стали «Супербратья Марио». Да, голливудские продюсеры зашли с козырей, сняв экранизацию одной из самых продаваемых игр в истории. Фильм получился крепким, высокобюджетным голливудским блокбастером с известными актёрами (Боб Хоскинс, Джон Легуизамо, Деннис Хоппер) и неплохими спецэффектами, но имел мало общего с событиями игр. Это была мрачная сатира на современность, которую гротескно отобразили через параллельный мир внутри канализации, где люди-грибы и люди-динозавры пытались сосуществовать, мечтая выйти на поверхность, где правили люди-люди. В общем, чёрная комедия с натуралистичными и жутковатыми эффектами плохо вязалась с яркой и красочной игрой для детей на консолях от Nintendo. Поклонники не поняли, как в эту антиутопию угодили весельчаки сантехники братья Марио, при этом их раздражали неуместные отсылки к играм то тут, то там. Так что сборы вышли кислыми, пусть с годами фильм и нашёл свою аудиторию. Интересный факт. А вы знали, что изначально у Принцессы Пич было раздвоение личности? В Японии она была Принцессой Персиком, а в английской локализации стала Принцессой Поганкой (Toadstool), что и сделало её грибом в киноверсии. Только в середине 90-х Nintendo привела лор вселенной к единому знаменателю, устранив ряд расхождений между японской и американской версиями игры. Дальше Голливуд выдал три экранизации бойцовских игр. Сначала вышли «Двойники-драконы» известного клипмейкера Джеймса Юкича по серии игр Double Dragon. Малобюджетный боевик в духе гонконгских фильмов с участием Джеки Чана пытался привлечь публику именами Марка Дакаскоса и Роберта Патрика, но не смог окупить даже свой невысокий бюджет в 7 млн $. Куда интереснее два следующих фильма. К началу 90-х в игровой индустрии уже сформировался ряд устоявшихся франшиз и даже оформилось несколько противостояний. Одним из наиболее ярких было противостояние Street Fighter и Mortal Kombat. Разработчики обеих игр активно пытались захватить рынок аркадных автоматов и стать главным файтингом на рынке. И это противостояние распространилось и на кино. Ростер фильма и затравка на сиквел Студия Capcom не хотела лишиться творческого контроля над адаптацией, потому сама выступила в роли продюсерской компании и спонсора фильма «Уличный боец». Бюджет фильма составил внушительные для Японии 4 миллиарда иен (примерно 35 миллионов долларов по курсу на 1994 год, что сравнимо с такими фильмами тех лет, как «Смертельное оружие 3» или «Хищник 2»). Почти всю сумму вложила сама Capcom. Главная роль Гила досталась суперзвезде Жан-Клоду Ван Дамму. За своё участие Ван Дамм забрал себе изрядный кусок бюджета — 8 млн $. Так что на остальные роли пришлось взять актёров подешевле. Из каста выделялись только австралийская певица Кайли Миноуг и Рауль Хулиа, который тогда только набрал популярность после главной роли в кассовых хитах «Семейка Аддамс» и «Семейные ценности Аддамсов». К сожалению, Хулиа так и не увидел «Уличного бойца»: актёр умер от рака, не дожив до премьеры картины, где сыграл последнюю роль в своей карьере. Забавный факт: злодей М. Байсон со внешностью карикатурного нациста получился из-за опечатки локализаторов. При переводе игры на английский язык они перепутали строчки и назвали персонажа М. Байсоном вместо Веги. Вегой же стал темнокожий боксёр-тяжеловес, явно срисованный с популярного тогда Майка Тайсона. В японской версии он назван, как и положено, Майком Байсоном Должность режиссёра-сценариста Capcom отдала Стивену де Соузе — одному из самых востребованных голливудских сценаристов того времени. Именно он написал сценарии к таким фильмам, как «Крепкий орешек», «Бегущий человек», «Коммандо», «Судья Дредд», «48 часов», а также телесериалу «Рыцарь дорог». Правда, режиссёрского опыта у него почти не было: единственный полнометражный фильм де Соуза снял в молодости, в далёком 1971 году, после чего переключился на написание сценариев. Также на его счету было два телефильма (один в рамках антологии «Байки из склепа»). В итоге его амбициозная идея сделать первый фильм большой франшизы, который не будет фильмом про драки в гонконгском духе, а будет нормальным боевиком со связным сюжетом, без отсылок к играм ради отсылок и с реалистичной мрачной интонацией, потерпела крах. Фильм действительно не был фильмом про боевые искусства, он был умеренно мрачным (более того, первоначально фильм получил рейтинг R, и монтажёры от Capcom обрезали его до уровня PG-13), у героев не было магических способностей типа хадукенов и тому подобного, но ещё фильм был просто проходным. А отсутствие отсылок, скорее, оттолкнуло поклонников игры. Capcom заработала не только на фильме, но и на выпуске игры по фильму, основанному на игре На сборы фильма это никак не повлияло, если честно. Он заработал в прокате 99 млн $, а общие сборы с учётом выхода на видеокассетах и продажи прав на ТВ принесли Capcom 15,5 миллиардов иен, окупив затраты многократно. Долгое время шёл препродакшн сиквела, к которому де Соуза весь фильм старательно оставлял клиффхэнгеры. Продюсером продолжения выступал сам Жан-Клод Ван Дамм, но проект потонул в производственном аду. В 2009 году вышла лента хорошего польского оператора и среднего режиссёра-постановщика Анджея Бартковяка «Уличный боец: Легенда о Чун-Ли». Публика и критика приняли её чуть лучше, чем фильм с Ван Даммом, но лента не смогла даже отбить свой небольшой бюджет в 18 млн $. Правда, Capcom и не собиралась покорять киноолимп с этой лентой. «Легенда о Чун-Ли» проходила в финансовой смете как очень дорогая реклама выходившей в том же месяце реанимации серии Street Fighter IV. И, наверное, в таком виде это был успех, ведь Street Fighter IV в итоге стала одной из самых продаваемых игр издателя. Пол У. С. Андерсон славится тем, что умеет делать красивую картинку. Правда, ему не всегда удаётся наполнить форму содержанием Студия Midway, владевшая правами на Mortal Kombat, таких амбиций в кинематографе, как Capcom, не имела, потому просто продала права на свою франшизу студии New Line Cinema. Данная студия не являлась голливудским мэйджором, но была известна тем, что регулярно выпускала малобюджетные фильмы, которые многократно окупались в прокате. Именно на её счету такие франшизы, как «Техасская резня бензопилой», «Кошмар на улице Вязов», «Черепашки-ниндзя» и ещё десятки комедий, фильмов ужасов и боевиков второго эшелона. Режиссёром фильма стал англичанин Пол У. С. Андерсон — большой поклонник видеоигр, но на тот момент он даже не думал, что так быстро окажется в Лос-Анджелесе. Годом ранее он на своей родине снял независимый молодёжный боевик «Шоппинг» с Джудом Лоу; для обоих этот фильм стал дебютом в большом кино. Многие актёры, сыгравшие в этом фильме, стали восприниматься поклонниками как каноничные. И Эд Бун с товарищами пользуются этим. Например, Кэри-Хироюки Тагава вернулся к роли Шанг Цунга в недавнем Mortal Kombat 11. Более того, в ноябре 2020 года было выпущено DLC Klassic MK Movie Skin Pack, которое добавляло Соне Блейд, Джонни Кейджу и Райдену внешность и озвучку Бриджит Уилсон, Линдена Эшби и Кристофера Ламберта соответственно Главной сложностью для Андерсона стал не возросший бюджет, хотя 18 млн $ были не такой большой суммой в масштабах Голливуда, а то, что прежде он не имел дела ни с боевыми сценами, ни со спецэффектами. Тем более с компьютерной графикой. Его пригласили снимать данную ленту только потому, что продюсеры посчитали, что «Шоппинг» был снят визуально стильно, несмотря на совсем небольшой бюджет и полное отсутствие спецэффектов. Так что большую часть времени Андерсон учился снимать с использованием хромакея прямо во время съёмок. Параллельно учился у Робина Шоу (каскадёр и исполнитель роли Лю Канга), как создавать хореографию схваток и как их снимать. Пожалуй, это были самые дорогие режиссёрские курсы, какие только можно представить. Странно, что NetherRealm не выпустила дополнение со внешностью Лю Канга из фильма 1995 года, обойдя вниманием Робина Шоу. Ведь в отличие от остальных, у него есть опыт работы в игровой озвучке (Sleeping Dogs) Сам фильм теоретически был основан на сюжете первой части игры Mortal Kombat. Да, многие не знают, но в Mortal Kombat был сюжет. И оригинальная трилогия совсем недавно получила полноценный ремейк. Игра 2011 года — это ремейк первых трёх частей, даже сохранивший деление на три главы с финальным боссом в конце каждой из них. Правда, в фильме 1995 года очень много элементов было взято из второй части. Например, турнир частично проходил во Внешнем мире, который появился только в сиквеле игры. То же самое касается ряда персонажей с их коронными ударами. Скорпиона озвучил сам Эд Бун — один из создателей Mortal Kombat Надо сказать, то, что люди увидели в итоге, имело мало отношения к тому, что было снято изначально. В более современных интервью Андерсон признаёт, что изрядную часть фильма пришлось переснять после тестовых показов. Так вышло, что в фильме под названием «Смертельная битва», посвящённом боевым единоборствам, было мало драк. Так что после тестовых показов всех актёров собрали снова, и Андерсон снял несколько боевых сцен, которые вставили в фильм вместо очередных диалогов. В результате не удивляйтесь тому, что в картине много поединков без каких-либо подводок к ним. Фильм ждал большой успех в прокате. Даже больше, чем у вышедшего годом ранее «Уличного бойца». 125 млн $ при бюджете 18 млн $ — это огромные деньги. Поклонники игры и просто подростки тоже были рады. Это была первая экранизация видеоигры, получившая одобрение фанатов. Мало кто знает, но знаменитая композиция Techno Syndrome (Mortal Kombat) группы The Immortals изначально вышла на рекламном музыкальном альбоме, приуроченном к релизу очередной части игры. Помимо этой техно-композиции там были евродэнс и хип-хоп-треки, посвящённые отдельным бойцам. Но только после попадания в саундтрек фильма песня стала хитом. Лично я разделить эту радость не могу. Не буду врать, в детстве данный фильм как минимум вызывал интерес. Прекрасно помню, как хотел найти видеокассету с ним, и в итоге родители купили кассету с фильмом «Смертельная схватка», который оказался малобюджетным боевиком, не имевшим никакого отношения к MK. Более того, я до сих пор не знаю, что это был за фильм, так как в кинобазах под этим названием фигурирует совершенно другая кинолента, а не то, что я тогда случайно посмотрел. Но годы спустя, пересмотрев первый фильм Андерсона, я был сильно разочарован. Визуально эффектные кадры тут вставлены просто так, ради красоты, чтобы пустить пыль в глаза зрителю, который за не самыми искусно снятыми драками не заметит в фильме отсутствие хоть какого-то смысла. Даже в гонконгских фильмах про боевые искусства смысл чаще всего был! Сандра Хесс, заменившая Бриджит Уилсон в роли Сони Блейд, мне кажется более удачно попавшей в образ Кассовый успех поспособствовал производству сиквела. Правда, почти все актёры и авторы оригинала, включая французскую звезду Кристофера Ламберта и режиссёра Пола У. С. Андерсона, отказались от участия в съёмках. Так в режиссёрское кресло сел оператор первого фильма Джон Леонетти, а должность оператора досталась по наследству его старшему брату Мэттью Леонетти (и никакого кумовства). Фильм резко перескакивал к пересказу сюжета третьей части игры Mortal Kombat, в которой Император Внешнего мира Шао Кан начинал слияние миров. Земля быстро терпела поражение в неравной схватке со сверхъестественными силами жителей Внешнего мира, герои разделялись, чтобы в финале осознать, что только командная игра поможет им вернуть всё к прежнему статус-кво. Шао Кан почему-то стал обычным человеком, хотя и в играх, и в сцене перед финальными титрами в первом фильме он явно был представителем иной расы Бюджет фильма заметно вырос, и это видно на экране. Визуальных эффектов стало больше, а также стало гораздо больше всевозможных чудищ из игры, декорации стали поинтереснее, но основная ставка в этот раз была сделана не на случайного зрителя, а на хардкорного поклонника видеоигр. Больше никаких объяснений лора и попыток зацепить стороннюю аудиторию. Это был фильм исключительно для тех, кто в теме. Часть персонажей даже не представляли по именам, понимая, что игроки сами знают, как их зовут. К несчастью создателей, такой подход сыграл против них. Сборы просели, не окупив бюджет, а критики разгромили фильм. На стоп-кадрах всё же можно заметить низкий бюджет картины, в которую попытались запихнуть слишком много персонажей из игры Лично я считаю это большой несправедливостью. Да, более мрачная цветокоррекция не очень смотрелась на VHS, который сам по себе затемнял любой фильм, но сейчас при просмотре фильма на Blu-ray я считаю, что он ничем не хуже оригинала. А боевые сцены сняты куда изобретательнее. Я даже поймал себя на мысли, что некоторые актёры, заменившие актёров из первого фильма, мне видятся гораздо более удачно вписавшимися в свои образы. Конечно, сиквел, как и оригинал, страдает от недостатка осмысленности истории, но всеобщей ненависти точно не заслуживает. Планировалась и третья серия, так как хоть фильм слабо проявил себя в прокате, он наверняка заработал за счёт видео и продажи прав на ТВ. Собственно, у Шоу был контракт на съёмки в трилогии, но третья часть потонула в производственном аду. Mortal Kombat: Rebirth — короткометражный фильм, который режиссёр Кевин Танчароэн представил боссам студии в качестве питчингового проекта. После него он был утверждён в качестве постановщика перезапуска киноверсии франшизы Но это не значит, что продюсеры и студия Midway перестали пытаться вернуть Mortal Kombat на киноэкраны. Все последние 20 лет ходили слухи, что серию хотят продолжить в том или ином виде. Это не считая мультсериала и целых двух телесериалов, каждый из которых так и не был доведён до ума. Была даже попытка выпустить максимально реалистичный фильм с минимумом магии в духе модных тогда лент Кристофера Нолана о Бэтмене, в итоге, собственно, закончившаяся веб-сериалом «Mortal Kombat: Наследие», который выступал в роли приквела к предстоящему фильму, и отменой съёмок. В 2015 году появилась новость, что Джеймс Ван будет продюсером нового фильма. В 2016 году было анонсировано, что режиссёром станет Саймон Маккуойд — режиссёр рекламных роликов, для которого это будет дебютом в кино. Казалось, что фильм не за горами, но как выяснилось позднее, на написание сценария ушло три года. Хотя сегодня в это трудно поверить. Пролог перезапуска 2021 года — единственное, что ему можно занести в плюс Всё начинается в прошлом, в Средневековой Японии. Ассасины из китайского клана Лин Куэй шерстят японские острова и убивают ниндзя, являющихся членами клана Сирай Рю. В финальной схватке Хасаси Хандзо погибает от руки главы клана Лин Куэй Би Ханя. Убийства происходят, потому что древнее пророчество предсказало, что после 10 подряд поражений в турнире Мортал Комбат защитить Царство Земли от порабощения Внешним миром сможет только потомок клана Сирай Рю. Би Хань считает, что убил всех, но он ошибается. Кунг Лао досталась одна из немногих смешных чёрноюморных вставок с фаталити Годы спустя в современных США в боях по правилам MMA принимает участие Коул Янг. Ему снятся сны, в которых фигурирует Скорпион, а на его груди странное родимое пятно в форме дракона. Вскоре он узнает, что это не родинка, а метка избранного бойца, который должен принять участие в Мортал Комбате, чтобы отстоять честь Земли. Так он встречает Джакса, Соню Блейд и Кано. Вчетвером они отправляются на поиски Райдена и его храма, чтобы подготовиться к турниру. Там их уже ждут натренированные Лю Канг и Кунг Лао. В это время злой чародей Шанг Цунг убивает всех избранных, чтобы до турнира никто не дожил. Редкий красивый кадр из нового фильма Если этот синопсис, вкратце пересказывающий завязку фильма и его первые 25—30 минут, покажется вам очень увлекательным, то я буду сильно удивлён. Трудно поверить, но новым авторам удалось сочинить историю ещё более бессмысленную и малоинтересную, чем в фильмах 25-летней давности. А агрессивный неймдроппинг персонажей из игр больше похож на неумелый фансервис. Вспоминая «Смертельную битву 2: Уничтожение», где наоборот считали, что поклонники игры и так узнают любимых персонажей по их внешности, понимаешь, что оба решения плохи. Но новое решение ещё хуже, так как из двух часов примерно полтора сценаристы тратят на то, чтобы объяснить случайному зрителю правила вселенной и кто есть кто. Выглядит как неудачная пилотная серия сериала, который могут и не снять. Официальный трейлер Хотя смешнее и глупее то, как авторы зачем-то попытались логично объяснить, как происходит турнир (у них не получилось, и — СПОЙЛЕР!!! — в фильме не показали сам турнир), каким образом отбираются бойцы для турнира (если честно, я не понял ничего, кроме того что на турнире, ставка в котором Земля, наш мир защищают случайные персонажи, которые могут вообще ничего не уметь по жизни), почему люди могут использовать магию типа файерболов из рук, возможности выдержать удар кувалдой по лицу или замораживать предметы. Последнее сценаристы назвали арканой. Дескать, она есть только у тех, кто носит метку дракона. Но поскольку метка тут, как распутница, переходит от одного к другому, получается, что вообще у любого человека есть аркана. И тогда не очень понятно, почему кто-то может раскрыть её, а кто-то — нет. Главным героем стал абсолютно безликий Коул Янг. Настолько безликий, что даже неудачный косплей игровых персонажей смотрится на его фоне выигрышно. Но я не удивлюсь, если в ближайшее время NetherRealm анонсирует его в качество нового бойца в MK11. Ну или как минимум выкатит пачку скинов по мотивам фильма Вообще, поражаешься не тому, что это малобюджетный фильм о боевых единоборствах, а тому, что он снят максимально пресно и безыскусно. Ни увлекательных боёв, ни интересных режиссёрских решений. Даже красивых кадров, которые хочется сохранить, не так уж много. А неумелое желание объяснить всё и при этом подмахнуть фанатам выглядит жалко. Порадовать могут только сальные шуточки Кано да парочка смачных кровавых добиваний с расчленёнкой. Но и им не хватает того заряда чёрного юмора, который есть в оригинальных играх. Честно говоря, мне тяжело представить фаната, избалованного отличной игровой трилогией от NetherRealm, где сочетаются интересная неглупая история о древнем пророчестве, хлёсткие диалоги в духе боевиков категории «Б», эпический пафос античных легенд и, возможно, лучшая режиссура кат-сцен в игровой индустрии, поднимающая кинематографичность на недоступный для Quantic Dream и Naughty Dog уровень, который предпочтёт этот фильм той же Mortal Kombat 11. Абсолютно никакой фильм Саймона Маккуойда мог бы стать полным провалом, если бы не одно «но». Пандемия серьёзно ударила по мировому прокату и особенно по Голливуду. На данный момент не так уж много новых голливудских фильмов в прокате. Так что «Мортал Комбат» (опять наши локализаторы выдумали нелепый англицизм вместо нормального перевода «Смертельная битва») имеет хорошую кассу при минимальной конкуренции. Правда, отзывы всё же варьируются от «понравилось» до «дрянь полная». Не могу сказать, что фильм меня выбешивал или раздражал. Нет, он просто невероятно пустой. Глупый, бессмысленный, некрасивый, безыскусный, скучный.
  8. «Майор Гром» открывается почти великими титрами уровня бондианы под кавер песни «Перемен» Виктора Цоя. Для меня это особый триггер, потому что у меня на родине «Перемен» — протестная песня, за которую сажают в тюрьму. Слышать её в минских кинотеатрах сюрреалистично. Но речь даже не о песне и уж точно не о событиях в моей стране, а о сильной установке, которую даёт кино. О смелом шаге, который в итоге оказывается в пустоту. «Майор Гром» открывается почти великими титрами уровня бондианы под кавер песни «Перемен» Виктора Цоя. Для меня это особый триггер, потому что у меня на родине «Перемен» — протестная песня, за которую сажают в тюрьму. Слышать её в минских кинотеатрах сюрреалистично. Но речь даже не о песне и уж точно не о событиях в моей стране, а о сильной установке, которую даёт кино. О смелом шаге, который в итоге оказывается в пустоту. «Майор Гром» — кинокомикс, очевидно вдохновлённый DC. Только в нём сместили акценты, причём ещё больше, чем в комиксе-первоисточнике. Несмотря на десятки текстовых упоминаний Питера на декорациях и реквизите, все персонажи упорно называют его условно и метафорично — «Город», и город этот по концепту максимально прогнивший и продажный, с улицами, которые «продолжения сточных канав». Визуально и постановочно же изображён стереотипный романтичный Питер времён «Бандитского Петербурга» или «Улиц разбитых фонарей», правда, с небольшими провалами в смешную альтернативную реальность, где полицейский участок выглядит как американский, этакий шумный опенспейс, а детдом больше похож на дорогой элитный колледж, причём тоже не столько российский, сколько какой-нибудь британский. Не то чтобы придираться к этому адекватно, когда имеешь дело с комиксом; с другой стороны, нужно учитывать культурный контекст, в котором выросла целевая аудитория. Мы спокойно воспринимаем любую чушь, снятую в голливудском кино, потому что большинство из нас не выросло в Штатах и не видит контраст между реальностью и выдумкой. А вот здесь, в «Майоре Громе», контраст виден, и на него в любом случае обращаешь внимание. Альтернативность эта одновременно уютная и какая-то хитрая. «Майор Гром» показывает свою Россию почти нуарной: никому нельзя верить, хороших людей мало, и только полиция стоит на страже порядка и защищает народ от бандитов и, кажется, от самого народа. Потому что когда разгневанный народ, которому надоели продажные судьи, лживые банкиры и циничные криминальные авторитеты, переходит от пассивного смирения к радикальным действиям, на него сразу грозят натравить армию, а отбой дают прикольные пацаны-борцухи, которые по сценарию положительные персонажи и одновременно тоже криминальные элементы, машины воруют и всё такое. Но фильм буквально через отношение к ним майора Грома, который должен быть моральным компасом истории, говорит, что нет, они, может, и воруют, зато свои, хорошие, всегда на помощь придут. И вот мораль, что все воруют, но на некоторых можно закрыть глаза, потому что в душе они хорошие, — это какая-то гнилая мораль. С майором вообще непросто. Он как будто сам не знает, как жить в тех обстоятельствах, в которые его помещают сценаристы. Он обаятельный и смешной, но почему он работает в полиции, он сказать не может. Чтобы служить закону? Вроде бы нет. Чтобы восстанавливать справедливость? Возможно, но тоже есть вопросы. Зачем он противостоит Чумному Доктору, он сам внятно не может объяснить, прибегая к единственному аргументу: потому что Чумной Доктор убивает людей. А убивает Чумной Доктор по той же причине — чтобы сценаристам было удобно объяснить, почему он злодей. Потому без убийств получается именно что Бэтмен, про которого тут даже шутка есть. Народный мститель с большим количеством бабла. В экранизации он проходит много удивительных метаморфоз: из карикатуры на Павла Дурова времён «Вконтакте», с которого и был изначально списан, он превращается сначала в Бэтмена, потом в Джокера, потом в Тайлера Дёрдена, а в конце — в непонятного маньяка из какого-то случайного депрессивного аниме. Если закрыть глаза на вставные убийства и ненужные, раздражающие истерики героя, то Чумной Доктор говорит правильные вещи. Более того, народный мститель — вполне себе актуальный социальный запрос. В то время как запрос на положительный образ полицейского в России — есть такое мнение — сейчас исходит разве что от самой полиции. Отсюда реальный когнитивный диссонанс. Вот зачем Чумной Доктор убивает целую семью на свалке? Это вообще никак не объясняется, кроме как «Ну, сошёл с ума». И сходит он стремительно, за несколько дней съезжая с катушек больше, чем за всю взрослую жизнь, за которую успел создать крупную айтишную компанию. Притом постановочно «Майор Гром» сделан хорошо, а местами — здорово. Он бывает смешным и прикольным. Эпизод, где Гром ходит вышибать двери и допрашивать всех, прекрасный. Клиповый, конечно, и очень в духе Гая Ричи, но ничего страшного. Драки отличные, саундтрек — тоже. Но, блин, мы давно переросли времена «Дозоров», когда достаточно было радоваться форме, а на содержание можно было закрыть глаза. В конце фильма нам вскользь говорят, что перемены будут, судебную систему пересмотрят, а майор Гром начнёт доверять не только начальнику, который его пельменями кормит, но и ещё паре человек. Однако это явно полумеры, и это не отвечает той установке, которую дают что песня в начальных титрах, что очевидный запрос общества даже внутри фильма. Если весь город превратился в театр военных действий из-за обращения одного психопата, то наверняка проблемы гораздо сложнее, чем отсутствие реформ в некоторых институтах. Здесь кто-то наверняка проведёт параллели с «Джокером», но проблема в том, что тот фильм не думает в итоге принизить собственного героя, а герой пытается изменить мир — пусть неправильными методами. «Джокер» оставляет звенящую тишину и призывает в том числе быть добрее к окружающим. В «Майоре Громе» сам майор Гром вообще ничего не пытается изменить — он принимает мир таким, какой он вокруг. Гром поест шаверму на открыточных питерских крышах — и пойдёт дальше драться, чтобы драться.
  9. Она обязательно займет свое место в истории супергеройского кино. Четыре года назад я сетовал на трагичную судьбу «Лиги справедливости». Фильм определил направление киновселенной DC на годы вперед, но не в том смысле, что закладывался изначально. «Лига» оказалась монстром Франкенштейна, слепленным из разных кусочков. Так и все последующие картины по комиксам DC представляют собой отдельные фильмы разной степени качества, живущие сами в себе. Авторы вроде бы помнят, что есть некая «общая вселенная», но держится она исключительно на соплях и неловких отсылках. Некоторые («Джокер» или грядущий «Бэтмен») и вовсе изолировались в своих собственных мирах, где история развивается совсем иначе. Иронично, что не менее (если не более) значимой выходит и режиссерская версия. «Лига справедливости Зака Снайдера» или окончательно похоронит исходное видение киновселенной DC, или же вдохнет в нее новую жизнь. Возвращение Сам факт выхода обновленной «Лиги справедливости» многие считают чудом, хотя на самом деле в этом не так уж много удивительного. Очевидно, что никто не стал бы выпускать в кинотеатрах четырехчасовой фильм. Так же, как никто не стал бы вливать десятки миллионов долларов в доработку фильма, чтобы выпустить его на дисках. Ультимативная версия «Бэтмена против Супермена» была сделана изначально и порезана для театрального релиза. А вот по «Лиге» у Снайдера был черновой монтаж, превращение которого в полноценный фильм требовало ресурсов. Здесь выстрелили одновременно два фактора. Первый — активное фанатское движение #ReleaseTheSnyderCut, годами просившее Warner Bros. выпустить фильм, задуманный Снайдером изначально. Многие называют данное событие «победой общества над корпоративной машиной», но ничего не случилось бы без запуска HBO Max. Новому сервису нужен был крупный эксклюзив, а тут целая толпа, которая умоляет позволить ей бросить в сервис деньги. Решение напрашивалось. Причем, как говорят, принято оно было на уровне AT&T. Бог знает, какие страсти творились в стенах WB — она-то, по слухам, была против видения Снайдера еще во времена исходных съемок. Хотелось бы однажды посмотреть документальное кино обо всех злоключениях на производстве «Лиги» — вот уж точно получится захватывающий триллер. Чем же обернулась режиссерская версия? Действительно ли это совсем другое кино, или все тот же цирк, только вдвое длиннее? Тут все зависит от того, где для вас черта, за которой фильм становится другим. Лейтмотив тот же, что показал Джосс Уидон: человечество скорбит по Супермену, Брюс спешно собирает команду людей с особыми способностями, а инопланетяне планируют воспользоваться моментом и поработить Землю. И герои, и злодеи гоняются за Материнскими кубами, так как они-то и являются инструментом апокалипсиса. Но все дело в контексте и деталях. Вряд ли «Властелин колец» останется тем же фильмом, если вырезать из него половину сцен, даже если сохранить основную линию с погоней за кольцом. Обновленная «Лига справедливости» предлагает несколько иную тональность, медленный темп и куда более глубокий взгляд на персонажей. Хоть она и чуть светлее «Бэтмена против Супермена», подает Снайдер ее практически так же — это супергеройский slowburner. Будучи свободным от любых ограничений, Снайдер разгулялся на полноценные четыре часа — это дольше, чем самая полная версия «Хранителей»! Версия 2017 года была вынуждена мчаться галопом по Европам, а всех персонажей очерчивали парочкой фраз. Теперь же каждому герою досталось куда больше экранного времени. Снайдер выстраивал экспозицию неспешно, размеренно знакомя с каждым членом будущей Лиги. Ко времени, когда Уидон уже отправлял героев на финальный бой, Снайдер не добрался даже до первой схватки со Степным Волком. Степной Волк получил, пожалуй, больше всего изменений. Ему целиком переработали дизайн, а также сменили мотивацию. Из простого завоевателя он превратился в «полководца в опале». Он некогда впал в немилость у Дарксайда и теперь пытается заслужить его прощение, дарую один мир за другим. А Земля по определенным причинам особенно ценна. Дарксайд, как вы наверняка уже знаете, тоже заглянул в новую «Лигу». Но роль у него примерно как у Таноса в первых «Мстителях» — нам явно дают понять, что главный злодей пока лишь дергает за ниточки за кулисами. Гораздо лучше раскрыт Киборг. Понятно, почему Рэй Фишер так активно негодует: то, на что актер подписывался, Уидон почти целиком выкинул. Теперь же его линия смотрится куда более органичной, как и весь фильм в целом. События развиваются последовательно, резких переходов гораздо меньше. Дополнительный хронометраж пошел на пользу и Аквамену с Флэшем, что логично. Появилось ощущение, что кино полноценно вводит этих персонажей во вселенную. Характер Бэтмена претерпел, как оказалось, значительные изменения — многие сцены с Беном Аффлеком были пересняты. Бэтмен больше походит на лидера, меньше рефлексирует, но при этом в нем стало больше надежды, что отлично вписывается в арку героя после «Бэтмена против Супермена». Лишь Диана осталась почти той же, только теперь ее чуть больше. Что прекрасно. По режиссерской «Лиге справедливости» видно, как Снайдер пытается выстраивать мифологию мира по ходу дела. Каждый новый фильм, которым он занимался в рамках DC, одновременно рассказывал свою историю и добавлял кусочки в общую, более масштабную картину (как было с тем же кошмаром Брюса). Раз студия не захотела сначала делать сольные картины, а потом собирать команду, это был единственный способ показать, что перед нами — частичка чего-то большего. Да, ряд сцен здесь нужен вовсе не «Лиге», а ее потенциальным продолжениям или сольникам. В отличие от подхода Marvel, Снайдер видел именно сериал о «Лиге» центральным стержнем, от которого бы отпочковывались сольники и были больше «спин-оффами» по отношению к основному сюжету Снайдера. У него было четкое видение финала истории, начатой еще «Человеком из стали». Видение, которое, с одной стороны, гарантировало финал каждому из персонажей, а с другой — мешало студии плодить картины про каждого из них в неограниченном количестве. Судя по утекшему плану, герои успели бы получить максимум по паре сольников. Я понимаю, чем это пугало Warner Bros. Что остается для меня загадкой — зачем было переснимать готовый материал, когда можно было легко вырезать намеки на будущие фильмы, не тронув основную линию. После просмотра режиссерской версии у меня огромное количество вопросов «зачем?». Зачем было переделывать вступление? Придумывать тягу парадемонов к страху? Добавлять лишнюю сюжетную линию про семью в беде, тогда как в исходном материале отлично объяснено, почему окрестности города необитаемы? Переделывать практически все сцены с Суперменом? Прикручивать дополнительные диалоги Барри, которые сделали из забавного «себе на уме» персонажа какого-то дурачка? Подобные вопросы возникают снова и снова. Четыре года назад мог получиться куда более удобоваримый и цельный фильм, если бы время, впустую потраченное на пересъемки, пустили на полировку имевшегося материала. Если уж так хотелось уместиться в два часа и не связывать себе руки планами Снайдера на Дарксайда и мрачное будущее, этого можно было добиться, используя готовые сцены. Практически каждый момент, который был переделан, в исходном виде логичней как по отдельности, так и в рамках повествования. Экшен же лучше сбалансирован, более изобретателен и куда ярче показывает командную работу. Я не понимаю, как можно было отказаться от фантастического кадра со всей командой, пробивающейся к злодею, явно вдохновленной сценой из вступления «Эры Альтрона». Режиссерская «Лига справедливости» смакует кадры, словно хочет быть ожившей картиной, а не фильмом. Снайдер вновь показывает, что он в первую очередь визионер. Он любит красивый кадр, он любит наслаждаться им в замедленной съемке, и, куда уж без этого, религиозные отсылки он тоже любит. Как бы вы ни относились к его творчеству, по «Лиге» прекрасно видно, что это авторское кино. В этом плане оно чем-то напоминает «Однажды в Голливуде». Режиссер смог себе позволить наснимать собственные фетиши за неприлично большие деньги для себя и своих фанатов. Справедливости ради, несколько добавленных Уидоном сцен тоже были неплохи. Более того, я честно думал, что эпизод, в котором Диана видела избитого Брюса, с болью вылезавшего из своего костюма, был снят самим Снайдером. Он удачно отзеркаливал идею богов среди людей, центральную для Снайдера. Также спор Брюса и Дианы о воскрешении Супермена добавлял команде динамики. Ну и момент, когда Аквамен случайно садился на лассо, был единственной по-настоящему удачной шуткой от Уидона. Эти хорошие эпизоды демонстрируют принципиальную разницу между режиссерами. Уидон — профессионал, и он знает, как делать кино. Его попросили довести фильм до релиза — он это сделал. Без вдохновения, не прочувствовав эту работу. У него абсолютно не было видения. Ни того, какой «Лига» должна быть как самостоятельное произведение, ни того, как она вписывалась бы в более масштабный план. Возможно, четыре часа — это перебор. Полчасика от обновленной «Лиги» можно было бы отрезать. Можно было бы, но я, как и любой другой поклонник творчества Снайдера, этого абсолютно не хотел бы. Надо понимать, что режиссерская версия вышла в первую очередь для его фанатов, которые годами активно его поддерживали. В ней есть все, за что любят фильмы Снайдера: замах на эпос, густая атмосфера, прекрасные кадры, наполненные образами, и очень много «слоу мо». Так же, как в ней есть практически все, за что другие терпеть не могут работы Снайдера. Некоторые шутят, что в ход пустили весь отснятый материал, чтобы не пропадать добру, и думаю, отчасти это правда. Все мы прекрасно понимаем, что вероятность продолжения этой истории стремится к нулю. Снайдер хотел показать настолько много от своих задумок, насколько это возможно. Он даже доснял несколько минут ради того, чтобы мы могли заглянуть в ту параллельную вселенную, где в 2021 году выходит уже «Лига справедливости 3». Он хотел, чтобы мы надышались этим миром. Жаль, перед смертью не надышишься. После четырех часов остается легкий привкус горечи, потому что продолжение истории, скорее всего, останется лишь в текстовых набросках. Но мне хочется верить, что сейчас судьба киновселенной DC еще на перепутье. Какие бы ни были терки между боссами Warner Bros. и Снайдером, AT&T решать, что будет дальше. Разумеется, корпорация в первую очередь смотрит на финансовые перспективы. А пока что факты таковы: HBO Max в день выхода обновленной «Лиги» из-за наплыва людей еле работал, в России фильм поставил абсолютный рекорд по просмотрам на «Кинопоиск HD», и по всему миру динамика схожая, а зрительские оценки очень высоки. #RestoreTheSnyderVerse имеет шансы сбыться, пусть и не самые большие. Годы спустя вокруг «Бэтмена против Супермена» все еще ведутся споры. Пожалуй, нет более обсуждаемого супергеройского кино. Такими и являются выдающиеся произведения. Они не обязаны нравиться всем, но они должны бросать вызов, провоцировать на дискуссии. Я уверен, что так же и «Лига справедливости Зака Снайдера» будет на слуху еще долго. Она обязательно займет свое место в истории супергеройского кино.
  10. А вы помните рыжую полувампиршу (дампиршу) Рейн Кровавую? Она ещё рубила нацистов, реднеков, готов, металлистов и просто всякую нежить на шиш-кебаб до того, как это стало модно. На днях неожиданно выяснилось, что студия Terminal Reality до сих пор жива: оная напомнила о себе выпуском ремастированной дилогии BloodRayne: Terminal Cut. А вы помните рыжую полувампиршу (дампиршу) Рейн Кровавую? Она ещё рубила нацистов, реднеков, готов, металлистов и просто всякую нежить на шиш-кебаб до того, как это стало модно. На днях неожиданно выяснилось, что студия Terminal Reality до сих пор жива: оная напомнила о себе выпуском ремастированной дилогии BloodRayne: Terminal Cut. Хотя были новости, что студия закрылась из-за банкротства ещё в 2013 году после выхода никчёмного horror-FPS The Walking Dead: Survival Instinct. Она не пьёт… вино Справедливости ради, ещё в 2018 году Terminal Reality напомнила о себе после продолжительной паузы, предъявив иск к компании Microsoft об использовании её патентов рендеринга теней и освещения на движке Infernal. Именно на нём крутятся дилогия BloodRayne, игроизация кинобоевика Æon Flux, неплохой шутер от третьего лица Ghostbusters: The Video Game, вышеупомянутый The Walking Dead: Survival Instinct, а также печально известная Kinect Star Wars, через которую редмондский софтверный гигант, вполне вероятно, получил доступ к патентам. В иске утверждается, что в таких играх, как Halo 5: Guardians, Gears of War 4, Sea of Thieves и даже PUBG, используются алгоритмы работы с тенями и освещением, впервые представленные ещё в самой первой части BloodRayne 2002 года выхода. На данный момент судебный процесс не завершён, и юристы утверждают, что такие процессы могут длиться до 10 лет. «Один народ, одна страна, один Вождь» Но всё это к делу не относится. Интересно, что изначально дампир — полувампир, рождённый от связи между вампиром и человеком, — впервые появился в предыдущей игре студии Nocturne. Это был типичный survival horror из 90-х, с явными реверансами в сторону как произведений Говарда Филлипса Лавкрафта, так и игр типа Alone in the Dark и Resident Evil. Светлана Лупеску, появлявшаяся в этой игре, уже имела стильные клинки и образ красотки в коже и латексе, но была вынуждена питаться человеческой кровью. Затем студия выпустила первую часть специфической трилогии под названием Blair Witch Volume I: Rustin Parr, где вселенная «Ведьмы из Блэр» скрещивалась со вселенной игры Nocturne, и Светлана так же получила упоминание в этой игре. Следующей игрой студии был заявлен сиквел Nocturne 2, в котором дампирша из Румынии должна была стать главной героиней, но в последний момент разработчики отменили сиквел, а на его базе создали BloodRayne. Скриншоты из Nocturne 2 со Светланой Лупеску в главной роли Правда, в BloodRayne сохранилось немало отсылок и цитат, явно связывавших игру с Nocturne. Например, в самом начале игры в одном из диалогов упоминалась сестра Рейн, явно подразумевая Светлану. Один из нацистских офицеров, за которыми охотилось Сообщество Бримстоун, был второстепенным персонажем в Nocturne. Череп Белиара подозрительно напоминал вампирский артефакт, дающий могущество его владельцу, из всё того же хоррора 1999 года. Да что там, вся третья глава BloodRayne проходила в том же немецком замке графа Войку, где разворачивались событий первой главы Nocturne. Даже странные паразиты даемиты впервые появлялись ещё в Blair Witch Volume I: Rustin Parr. На самом деле, для 2002 года графика вполне симпатичная. Вдобавок в переиздании игра использует оригинальные текстуры, не проводя процедуру сжатия цветового пространства перед рендерингом Сама BloodRayne повествует о юной девушке Рейн 18 лет от роду, которая отчаянно ищет своего отца внутри вампирских гетто. На неё выходит Сообщество Бримстоун, тайно борющееся против всевозможных мистических сил, о которых простые люди даже не догадываются. Так Рейн оказывается на болотах Луизианы на своём первом задании, где ведьма вуду Мари Лаво призывает древних паразитов массара. Вскоре выясняется, что она как-то связана с секретным нацистским подразделением по борьбе с привидениями GGG (Gegengeist Gruppe). Оттуда Рейн держит путь в Аргентину на секретную нацистскую базу, где проводятся эксперименты над пленными евреями. И надо сказать, эксперименты за гранью добра и зла. Локализаторы тоже повеселились И вся эта история подавалась с какой-то отвязной ничем не прикрытой постмодернистской иронией и игрой в жанровые клише. Так, у всех женщин грудь имела минимальный обхват 90 см, а их костюмы имели глубочайшие декольте, которые подчёркивались специально написанной физической моделью колышущихся молочных желёз. Нацисты говорили с карикатурным немецким акцентом и, конечно же, занимались поисками Шамбалы. Деревенщина из Луизианы тоже полностью соответствовали шаблонам так называемой «южной готики». Сама же Рейн постоянно сыпала остротами в духе какого-нибудь героя последнего боевика. А если вспомнить о том, что изначально Terminal Reality сотрудничала с 3D Realms, то можно сказать, что Рейн была женской вариацией Дюка Нюкема. У первой части после обработки CG-кат-сцен нейросетью появился лёгкий рассинхрон с озвучкой С точки зрения игрового процесса BloodRayne при этом не хватала звёзд с неба. Это была простейшая бродилка-стрелялка-рубиловка. Каждый из трёх составных элементов игры не представлял собой ничего особенного. По уровням можно было скакать козой-дерезой, запрыгивая на высоковольтные линии электропередачи и крыши домов, но эти умения никак не вознаграждались. Найти какие-то секреты за исследование уровней было почти невозможно. Игрок просто находил ещё одну пустую комнату-коробку с голыми серыми стенами и скучающим фрицем. В переиздании первой игры немного улучшили рендеринг тумана и теней Боевая же часть сочетала в себе элементы шутера от третьего лица со слэшером. Но ни тот, ни другой стили игры не были доведены до ума. С одной стороны, в игре была камера, явно созданная для игры с помощью клавиатуры и мыши, поскольку была жёстко привязана к затылку героини, как в какой-нибудь Max Payne, но изначально игра вышла только на консолях. В игре был обширнейший арсенал огнестрельного оружия, с помощью которого Рейн могла безнаказанно уничтожать толпы врагов, даже не подпуская их к себе, но целиться было не нужно, всем управлял бездушный автоприцел. Батори Менгеле — прямая отсылка к сексплуатационному фильму «Ильза, волчица СС». К слову, в одном из сиквелов Ильза стала смотрительницей ГУЛАГа Чуть получше обстояла ситуация с изящными клинками девушки, ставшими её визитной карточкой. Да, все комбо сводились к тому, чтобы яростно щёлкать левой кнопкой мыши, попутно комбинируя разные направления движения и прыжки вокруг врагов. Но в спинномозговой тупости процесса был определённый кайф. Было просто весело резать немецких солдат как сервелат на новогоднем столе. Что интересно, в игре не было аптечек, потому вражеские солдаты также выступали в качестве объектов для ужина. Древние вампиры в мире BloodRayne давно потеряли остатки человеческого облика Но немного разнообразия добавляли вампирские спецспособности Рейн. С помощью замедления времени можно было хоть всю игру пройти в режиме «слоу-мо», в котором Рейн двигалась чуточку быстрее врагов. В режиме Кровавой Ярости героиня разгонялась до невиданных скоростей и начинала раздавать такие тумаки, что толпа из 10—15 вражин быстро превращалась в фарш. Вампирское зрение позволяло разглядеть цель на карте, а также подсвечивало врагов, если они по какой-то причине становились неразличимы с окружающим пейзажем. А ближе к финалу Рейн получала возможность использовать свой левый глаз в качестве оптики для снайперского прицела. И не спрашивайте, как это у неё выходило. От Кровавой Ярости у игрока начинает двоиться в глазах Вообще, если оглянуться на прошлое с высоты современности, BloodRayne — это скорее ностальгический артефакт минувших дней. Первая виртуальная девушка, сделавшая фотосессию для журнала Playboy. Видеоигра, о которой писали все, из-за её нрава дикой розы. Десяток комиксов и даже манга по мотивам. Хит, послуживший материалом для экранизации от немецкого режиссёра Уве Болла. И одновременно с этим игра, в которой почти во всех версиях была удалена свастика (исключением является NTSC-релиз версии для PlayStation 2 и GameCube, но по какой-то причине Xbox-версия тоже получила цензуру даже в США), чтобы выйти в Германии, но там игра до сих пор запрещена для продажи. В общем, игра, если честно, была так себе. Но это никак не помешало ей стать культурным феноменом благодаря шарму бесстыжего эксплотейшна категории Z, вокруг которого сложилась армия поклонников. Так что сиквел был только вопросом времени. А ещё в игре были боевые нацистские мехи! Надо сказать, к 2004 году в игровой индустрии уже произошла революция, называвшаяся Prince of Persia: The Sands of Time, которая представила миру множество механик, впоследствии ставших стандартом и образцом для подражания. Причём не обязательно было полностью копировать игру. Например, многие студии заимствовали то, как работала камера от третьего лица, которая адаптировалась под окружение и ситуацию, находя баланс между кинематографичностью и эргономичностью. Кого-то заинтересовала механика перемотки времени. Кому-то пришлась по душе отзывчивая в управлении, но при этом жутко эффектная акробатика — праотец паркура из Assassin’s Creed. Боевая система, построенная на простых комбинациях двух кнопок, контратаках и перекатах, тоже нашла своих почитателей. Почти полное отсутствие интерфейса опять-таки вызывало интерес. И это мы оставляем за скобками историю и её подачу. Трассировка лучей!!! Параллельно с этим разгонялось шестое поколение консолей. Если оригинальная BloodRayne была детищем самого начала нулевых, и разработчикам приходилось придумывать идеи на ходу, почти не имея ориентиров в прошлом, то к моменту выхода сиквела уже были всевозможные Devil May Cry 2, Max Payne 2 и даже неудачная Tomb Raider: The Angel of Darkness. И это не вспоминая о прорывных играх других жанров, будь то Tom Clancy’s Splinter Cell или The Elder Scrolls III: Morrowind. Обстановка была совсем иной, и ставки для сиквела класса AAA повышались до доселе невиданных высот. Ведьмачье зрение сильно прокачалось после первой игры, став гораздо более полезным BloodRayne 2 на первый взгляд отлично справляется с этим вызовом. Игра выглядит дороже, богаче, больше, длиннее, толще. В глаза сразу бросается то, что авторы следили за всеми трендами. Но первое, за что цепляется невооружённый глаз, — потрясная для консольной игры 2004 года графика. Относительно чёткие текстуры, модели с неплохим количеством полигонов, зеркальные поверхности, повсеместная разрушаемость декораций. Что ещё нужно для игры за full price? Пререндеренные ролики увеличены при помощи нейросетей. Во второй части ролики выглядят хорошо и без нареканий, а вот в первой части исходники, кажется, были записаны в чересстрочном формате, из-за чего апскейлер выдал артефакты деинтерлейса При этом в геймплее сразу бросаются в глаза заимствования — как из Prince of Persia, так и из Devil May Cry. Камера стала более свободной от затылка Рейн, комбинации стали требовать двух кнопок, а не одной, а система Ярости, в которой Рейн превращалась в берсерка, стала ближе к аналогу Дьявольского Курка из DMC, неожиданно в игре появился акробатический платформинг. К сожалению, все благие намерения вылетели в трубу. Тяжело поверить, что у обеих игр был один и тот же творческий директор. Демонстрация новых игровых возможностей Во-первых, графическая красота была достигнута за счёт того, что уровни стали компактнее и линейнее. Больше никаких полей и пустых бараков 100х50 метров. Только небольшие пятачки для боев 10х10 метров да узкие коридоры, по которым Рейн бежит от одной микроарены к другой. Во-вторых, параллельно с нацистами-зомби и артефактами древних шайтанов игра растеряла весь шарм пустякового трэша на вечерок. После переноса действия в наши киберпанковые будни, населённые толпой готов, панков и металлистов, Рейн ещё обрела какую-то высокоморальную цель внутри клубка интриг, сочинённых сценаристами. Причём для игроков, которые не читали комиксов, мир второй BloodRayne и вовсе может показаться невнятной историей по мотивам, никак не связанной с оригиналом. В общем, пафоса стало столько, будто это не сиквел симулятора рубиловки немцев, а творение Naughty Dog. Не удивляйтесь разрешению скриншотов. В качестве антиалиасинга игра использовала SSAA, но в какой-то момент в драйверах что от Nvidia, что от ATI пропала поддержка такого метода сглаживания, и, видимо, разработчики переиздания решили задействовать DSR/VSR. В итоге я запустил игру на своём Full-HD-мониторе в 4K через DSR со включённым 4хSSAA. И игра запустилась в полноценном 8K Сюжет перелетает на 70 лет в будущее после событий оригинала. Всё это время Рейн охотилась на своих братьев и сестёр — отпрысков патриарха семейства Кейгана, чьей дочерью сама является. Но в последние дни в городе стало неспокойно. Кажется, вся нежить планеты стекается в одно место во имя неизвестной цели. Конечно же, планируются захват мира и уничтожение всего человечества (по законам Голливуда все 7 миллиардов живут в одном американском мегаполисе), даром что вампиры умрут без еды, но лучше голодная смерть, чем сосуществование с людишками. Верно? На смену возможности подобрать любой валяющийся без дела автомат Рейн выдали пистолеты «Карпатские драконы», которые используют кровь владельца в качестве боеприпасов. Идея интересная, но слишком слабый урон и вечная нехватка крови сделали их бесполезными В общем, может, с точки зрения режиссуры сюжет выглядит более кинематографичным, но по факту смысла в истории Рейн, противостоящей нацистским безумным учёным, было больше. С геймплеем та же история. На первый взгляд он соответствует всем новым трендам 2004 года, как я уже написал выше, однако тут слишком много «но». Взять ту же акробатику. Когда я увидел трейлер игры на телеканале «Муз-ТВ» 16 лет назад, то как поклонник персидского престолонаследника загорелся желанием найти и опробовать BloodRayne. Ведь внешне это было очень похоже на Prince of Persia. В реальности же разработчики почему-то решили, что для банального перепрыгивания с балки на балку нужно нажать одновременно три (!!!) кнопки. С геймпада ситуация не сильно лучше, как выяснилось при игре в Terminal Cut. Левым стиком вправо-влево регулируем направление Рейн, но чтобы прыгнуть, нужно повернуть стик вверх, что по логике игры означает «вперёд», и затем нажать кнопку прыжка. То есть логика трёх кнопок на месте, только две из них — это разные направления оси левого стика, что лишь сильнее всё запутывает. CG-ролики были созданы оскароносной студией Blur. Вы можете знать её по спецэффектам к фильмам «Аватар» и «Человек из стали» С боевой системой всё ещё хуже. Став внешне гораздо более зрелищной и эффектной, на самом деле игра превратилась в осторожное выманивание врагов по одному с постоянно включённым замедлением времени. Ведь по какой-то причине геймдизайнеры решили, что Рейн должна валиться с ног от любого чиха, а даже гопник с райончика может легко отбить ей все почки. А если сражаться с группой из четырёх-пяти врагов, то полоска здоровья с нормальной скоростью игры и вовсе может вылетать в ноль за секунды, так как ещё одним гениальным решением авторов стал отказ от такого клише, как разум улья. Если кто не знает, то это весьма популярный в видеоиграх приём, когда по игроку наносит удары только один противник (иногда два), в то время как остальные находятся в режиме ожидания. Да, иногда это выглядит странно и нереалистично, но с точки зрения баланса гораздо лучше, чем BloodRayne 2, где пять «ночных бабочек» наносят пять ударов с пяти сторон, при том что Кровавая Рейн может заблокировать только один удар из пяти, а четыре остальных просто в одну секунду снимают 80% полоски здоровья. В переиздании увеличили разрешение карты теней и освещения, чтобы соответствовать современным стандартам Помнится, разработчики в интервью говорили, что также ориентировались на Devil May Cry. Они отчасти не врали, в игре есть подобие системы стиля, которая поощряет зрелищные убийства как прокачиванием шкал здоровья, ярости (аналог магии) и урона от огнестрельного оружия, так и просто дополнительной маной. Но почему создатели игры не смогли скопировать простейший приём из DMC, когда враги не атакуют Рейн, если находятся вне поля зрения игрока, я не знаю. Это не делало DMC легче, вражеский ИИ просто перед тем, как провести атаку, первым делом пытался попасть в кадр, чтобы игрок знал о его присутствии. Вместо этого Рейн легко может получить маслину в спину из ниоткуда. В некоторых современных играх, таких как Remember Me или серия Batman: Arkham, противники могут проводить атаки, не находясь в поле зрения игровой камеры, но дизайнеры этих игр додумались сделать визуальные подсказки об опасности через игровой интерфейс. Да, это не так изящно, но хотя бы удобно. Примерно так выглядит большая часть игры из-за режима замедления времени А ведь в BloodRayne 2 противникам помимо прочего выдали холодное оружие в виде бит, досок с гвоздями, лопат, гитар, мачете и т. д. Они не только наносят повышенный урон, к таким противникам ещё и нельзя запрыгнуть на шею, чтобы восполнить здоровье тёплой свежей кровью. Они просто сбрасывают Рейн с себя и наносят смачный удар ей в пах, сопровождающийся таким звуком, будто это гонконгский кунг-фу-фильм или болливудский боевик. И ладно бы таких противников было 20—30% от общего числа. Но уже в начале игры можно ввязаться в схватку, где против Рейн выйдут сразу пять противников с оружием в руках, и единственным способом покормиться будет запрыгивание за спину, что ещё сильнее усложняет игру, ограничивая игрока в возможностях. Я даже не буду вспоминать о том, что только в BloodRayne противники могут продолжать спауниться на уровень и проводить атаки по героине во время платформинговых секций. Кровавой Рейн — кровавые ванны Зато обязательно упомяну, что в какой-то момент игра превращается в секции из десятков мини-боссов, идущих друг за другом. И бой с каждым из них выглядит примерно так: включаем простое «слоу-мо», которое не тратит шкалу Ярости, и долго, по миллиметру снимаем полоску здоровья мини-босса, прыгая над головой за спину. В какой-то момент мини-боссы начинают нападать на героиню в окружении пяти-шести обычных врагов. Причём убивать обычных врагов нет никакого смысла, ибо в игре бесконечный респаун, как в какой-нибудь Call of Duty 2, который заканчивается при достижении скрипта. И в 9 случаях из 10 это смерть мини-босса. Небольшие баги и глитчи, которые были в оригинале, бережно перенесены в Terminal Cut Заодно в игру добавили полноценных больших боссов в конце каждой главы (всего их семь), а в финальной главе их и вовсе целых три. В принципе, я только за то, чтобы в играх были непропорционально огромные противники с уникальным паттерном поведения. Да и Dark Souls мне очень нравится. Но боссы в BloodRayne 2 — это просто жутко заскриптованные твари, бой с которыми никак не отражает скилл игрока. Практически все боссы — это не всегда логичная головоломка, сочинённая геймдизайнерами и требующая чёткого повторения действий, которые загадали разработчики. Шаг влево — расстрел, шаг вправо — декапитация. В итоге при первом прохождении на каждом из них можно застрять надолго, но при повторном почти ни один из них не представляет какой-либо опасности, в отличие от толпы хулиганов с битами. Да, боссы-головоломки — это прикольно и способно разнообразить игру, но только не тогда, когда они превращаются в рутину. Огненное ложе ведьмы Изалита запоминалось, потому что оно было одно такое уникальное, а не потому что в игре их было 10. Молдавия — страна вампиров Позитивным изменением я бы назвал новый крюк-кошку Рейн, который теперь используется не столько для сокращения дистанции между героиней и врагами, сколько для проведения эффектных казней внутри декораций игры, например выбрасывания врагов в окно небоскрёба или насаживания их на кол. Ещё им можно ронять на головы контейнеры и взрывать бочки (не спрашивайте, как). А главное, с его помощью нужно решать «энвайронментальные паззлы». Назовём их так. К примеру, на арене стоит грузовик по перевозке мусора и мешает пройти дальше. Что делает Рейн? Правильно, забрасывает внутрь него дюжину врагов, и он взрывается, открывая проход. А теперь повторите это действие ещё раз 20 за игру. Немощность консолей выразилась в том, что трупы и пятна крови исчезают чуть ли не через несколько секунд после смерти прямо на глазах у игрока Финализируя, можно сказать, что BloodRayne 2 была полнейшим провалом, который вытягивали только AAA-лоск и очень качественная графика. Но всё это не спасало от того, что игра была несбалансированно сложной. Я не против сложных игр — наоборот, всецело за то, чтобы игры бросали вызов игрокам. Но я никак не могу поддержать настолько дешёвую попытку превратить фановую игру на один вечер в аналог I Wanna Be the Boshy на ровном месте без оглядки на то, как высокую сложность реализовали в других проектах. Причём речь даже не о современных играх, а об играх 15-летней давности. Переиздание дилогии BloodRayne с подзаголовком Terminal Cut, безусловно, стоит того, чтобы вновь сыграть в знаковые игры прошлого десятилетия. Причём я бы рекомендовал пройти обе части подряд друг за другом. Только так можно оценить, как менялись геймдизайнерские тренды. Хотя ни одна из игр даже в год выхода не была чем-то выдающимся. Итоговая оценка BloodRayne — 6,0. (нажмите на оценку, чтобы выставить свою в профиле игры) Итоговая оценка BloodRayne 2 — 4,5. (нажмите на оценку, чтобы выставить свою в профиле игры) P.S. В переиздание включены официальные локализации на русский язык от «Нового диска». Лично я предпочитаю отечественную озвучку в первой части и оригинальную в сиквеле. К сожалению, совместить русские субтитры с озвучкой нельзя. Вся надежда на форумных экспертов, которые доделают такой вариант игры.
  11. Пока президент объявляет режим самоизоляции и нерабочей недели длиной в месяц, самое время вспомнить фильмы о том, что же это такое — находиться в замкнутом пространстве. На самом деле, это не так уж легко и приятно. Даже для интроверта-одиночки безвылазное сидение в четырёх стенах может оказаться настоящей пыткой. Пока президент объявляет режим самоизоляции и нерабочей недели длиной в месяц, самое время вспомнить фильмы о том, что же это такое — находиться в замкнутом пространстве. На самом деле, это не так уж легко и приятно. Даже для интроверта-одиночки безвылазное сидение в четырёх стенах может оказаться настоящей пыткой. Зато кино может стать одним из способов скрасить вынужденное пребывание в квартире. «Эксперимент „Офис“» / The Belko Experiment реж. Грег Маклин, 2016 г. На редкость удачная картина, умело переплетающая как развлекательно-ироничное, так и социально-философское. Своего рода переложение «Истоков тоталитаризма» Ханны Арендт в формат малобюджетного фильма ужасов про горстку людей в замкнутом пространстве. Учитывая предыдущие фильмы Грега Маклина, я склонен предположить, что успех этого фильма — всецело заслуга сценариста и продюсера Джеймса Ганна, единственного режиссёра, который смог достойно развернуться в рамках Marvel Cinematic Universe. Нашлось место и латиноамериканскому каверу на I Will Survive Картина повествует об офисных служащих в некой американской компании «Белко», чей аутсорсинговый офис находится в Колумбии. Очередной рабочий день начинается со внезапного сообщения о том, что до конца дня в здании должно стать на половину сотрудников меньше. Те, кто останется, получат повышение, те, кто уйдут, уйдут навсегда. Правда, есть одна небольшая деталь: все двери и окна в здании заперты, и процесс сокращения кадров должен произойти максимально радикальным методом. И вот в замкнутом пространстве общественная модель офисного бытия даёт трещину, и вчерашние сотрудники делятся на палачей-надзирателей и их пленников. Фильм даже чем-то может по своей психологии напомнить описание работы сталинских «троек» в конце 30-х годов, когда люди должны были выполнять план по репрессиям, иначе сами могли быть репрессированы. Но фильм Маклина не лишён здоровой дозы чёрного юмора, что позволяет сгладить мрачную реальность сообщества, запертого в четырёх стенах. А главное, если вы когда-нибудь работали в офисе, то увидите, что фильм ещё и гиперреалистичный. Офисная банка со скорпионами изображена с поражающей аутентичностью. «Роковое искушение» / «Обманутый» / The Beguiled реж. София Коппола, 2017 г. София Коппола и тут осталась верна себе и своим вкусам, что отчасти стало её проблемой. От фильма к фильму не чувствуется в ней режиссёрского развития, хотя вроде как она пытается каждый раз снимать что-то новое. Только всё равно каждый раз получается всё тот же самый фильм. В случае с «Обманутым» (или, как его назвали в российском прокате, «Роковым искушением») негативную роль также сыграло постоянное сравнение с фильмом 1971 года Дона Сигела. Особенно сильно это подчёркнуто операторской работой Филиппа ле Сурда, явно стилизованной по цвету под кинематограф 70-х. Тот давний фильм отчасти считается картиной, с которой началась режиссёрская карьера Клинта Иствуда. Иствуд, сыгравший главную роль, был инициатором съёмок, поскольку ему понравился роман-первоисточник, и на съёмках он так же пытался добавлять нечто своё в ленту, что привело его к тому, чтобы начать снимать самому. В плане света французский оператор создал весьма туманную, сумеречную картину. Кажется, будто всё происходит в доме с привидениями. Да и все обитательницы пансиона воспринимаются не иначе как призраками из далёкого прошлого, вынужденными жить в плену особняка. Отчасти это перекликается с предыдущими фильмами постановщицы. Как ни крути, а тема пленения и добровольной несвободы в рамках традиций, обрядов и положения в обществе чуть ли не центровая в карьере Копполы. Но с каждым новым фильмом ей всё тяжелее добавлять к этому вопросу новые грани. Интересно, что в «Роковом искушении» только на 64 минуте хронометража неожиданно включается закадровая музыка в виде архаичного электронного эмбиента, а ведь ничто не намекало на наличие саундтрека. Кроме шелеста листвы и пения птиц до этого в ленте ничего не звучало. К сожалению, именно с этого интересного режиссёрского приёма фильм начинает разваливаться. Если первые две трети, решённые в минималистском ключе, Копполе с переменным успехом удались, то ближе к финалу от актёров начало требоваться изображение не призраков Юга в готичном замке эпохи Гражданской войны в США, а чего-то более живого. И именно это не удалось режиссёру. Что особенно странно, ведь прежде она прославилась именно созданием живых образов тех, кто издалека выглядит искусственным, как богатенькие детишки из элитной школы или французская королева Мария Антуанетта. «мама!» / mother! реж. Даррен Аронофски, 2017 г. Легко понять тех, кого этот фильм раздражает. В нём действительно очень много всего, что может вызвать негативную реакцию. Даррен Аронофски взял простенькую фабулу и нанизал на неё несколько десятков смысловых слоёв, из-за чего фильм кажется мешаниной наслаивающихся друг на друга идей. Ближе к финалу мне стало казаться, что я смотрю киноленту польского режиссёра Анджея Жулавского. Безумие, истерики, камера, преследующая хаотичных персонажей, метафоричность и аллегоричность, возведённая в иногда излишний абсолют. И вообще, финальная треть достигает такого градуса эмоциональной неуравновешенности, что почти полностью уничтожает все зачатки рационального восприятия реальности. Сам замысел картины «мама!» интересен. С одной стороны, это бытовая история о семейной паре, в которой патриархальный муж не считается с желаниями своей жены, а зритель видит её страдания в этом маскулинном мире; причём именно она является хранителем домашнего очага. С другой, это история Художника, страдающего «звёздной болезнью», и его эго только вредит всем: как его близким, так и поклонникам и ненавистникам, которые, конечно же, появляются сразу после первого успеха. Но очевидно, что основной упор режиссёр делает на две другие трактовки, которые пересекаются друг с другом: религиозную и экологическую. Конечно же, это история от сотворения мира до смерти Христа (плюс немного дальше), рассказываемая через иногда занятные, а иногда забавные метафоры и гиперболы. Чего только стоит «потоп», который вызывают гости на поминках, отказывающиеся встать с раковины, хотя хозяйка их предупреждала, что та не закреплена и на ней сидеть нельзя. И вообще, как только Аронофски доходит до «Вавилонского столпотворения», в мире фильма начинаются такие гвалт и сумасшествие, что мозг закипает, и уже зритель на своей шкуре ощущает всю тягость бытия героини, прекрасно сыгранной Дженнифер Лоуренс. Однако Аронофски не просто пересказывает библейские истории в весьма своеобразном ключе, но и добавляет сюда элемент личной критики. Он вводит в фильм персонажа, отсутствующего в Священном Писании. Речь, конечно, о той, кто в титрах указан как просто «она» (именно с маленькой буквы). Она же вынесена в заголовок «мама!». Условно говоря, если был Он — Творец, то где же Она — Мать? Почему вся авраамическая культура зациклилась на патриархальности и забыла о существовании тех, кто, собственно, и порождает творения? Именно Она в фильме становится той, кто строит дом по Его чертежам, Она даёт вдохновение, Она становится матерью его сына. И конечно же, эко-активист Аронофски не забывает провести параллель с тем, что заглавная героиня, помимо прочих регалий, ещё и Мать-Природа, которую люди изводят наплевательским отношением к дому, который она построила. Интересно, что люди в фильме изображены почти всегда гиперболизированными фанатами её мужа. Но их не в чем винить. Их жизнь и так тяжела и полна проблем, а её муж — Поэт, который своими стихами придаёт смысл жизни. А они возводят его в религию, которая есть «сердце бессердечного мира», как когда-то написал Карл Маркс. Но если Отец-Творец способен на прощение, то ждать пощады от Матери-Природы людям не стоит. Огонь адской печи рано или поздно будет выпущен ею, чтобы спасти Землю от человеческих грехов и дать шанс новому витку жизненного цикла. «Мёртвый штиль» / Dead Calm реж. Филлип Нойс, 1989 г. Потеря ребёнка — трагедия. Сравнима ли она с чем-либо? Вопрос риторический. Супружеская пара, потерявшая в автокатастрофе сына, решает провести сеанс психоанализа, отправившись в турне по Тихому океану, где в тишине и покое сможет уединиться в сладостном забвении. Но бескрайний океан наносит ответный удар. И то, что казалось лучшим местом для ухода в себя, становится пространством, где никто не поможет. «Мёртвый штиль» (также распространён странный вариант перевода «Мёртвый омут») — экранизация автора «чёрных романов» Чарльза Уильямса. Но в данном случае не всё так просто. На «КиноПоиске», судя по всему, основываясь на внешних признаках, в похожие фильмы записали «Нож в воде» Романа Полянского. И неудивительно. Там тоже супружеская пара оказывается взаперти на яхте посреди бескрайней водной глади. Да вот только здесь это чисто внешний фон, обманчивая фабула, пусть по форме — стройно выстроенное хичкокианское кино. Куда ближе в плане аналогий новелла Кена Рассела Nessun Dorma из киноальманаха «Ария». Возможно, кому-то такое сравнение покажется странным, но если приглядеться, то схемы, которые применили Рассел и Нойс, весьма похожи. Но если в картине Рассела мы лицезрим сначала фантазию, а затем реальность, причём в равных пропорциях, то в фильме австралийского режиссёра реальность занимает не более пяти минут в начале, а «фантазия» простирается на оставшиеся почти полтора часа. Но именно такое разделение позволяет растянуть мир защитной фантазии до долгого кошмарного сна, морока, от которого никак не получается проснуться. Все события, показанные в коротеньком и лаконичном прологе, повторяются вновь, зацикливаются, дробятся, раздваиваются, гиперболизируются, и скрыться от них нельзя. Как герой Сэма Нила оказывается в абсолютном одиночестве посреди вокзального перрона, так и супруги оказываются одни посреди океана. И вроде бы цивилизация совсем рядом, но на деле она запредельно далеко, и вокруг нет никого. Никто не придёт на помощь. Их единственный шанс — только они сами. Незнакомец врывается в их жизнь так же стремительно и неожиданно, как и трагедия. Им кажется, что они готовы ко всему, но на деле для преодоления трудностей важнее всего преодолеть себя. Важно, что незнакомца сыграл американец Билли Зейн, который в австрало-новозеландской компании действительно смотрелся инородным элементом. Хотя забавным фактом является то, что и Николь Кидман, и Сэм Нил родились вовсе не в тех странах, в которых выросли и которые сами считают родными. Что важнее, этот пришелец не просто вторгается в их жизнь, но и постепенно ломает героев, доводит до отчаяния. Сдавшийся «морской волк» начинает бессмысленно перекачивать насосом воду, даже не пытаясь найти выход из ситуации. Вчерашняя жертва аварии идёт на совершенно бессмысленный, не ведущий ни к чему, кроме личного позора, шаг. Но оказавшись в такой пограничной ситуации, протагонисты наконец могут начать двигаться навстречу свету. Друг другу. Чтобы действительно забыть прошлое и оставить его покоиться на дне океана. К сожалению, несмотря на звёздные имена в актёрском составе, режиссёра, впоследствии обретшего себя на голливудских холмах, и знаменитого Джорджа Миллера в качестве продюсера и режиссёра второй группы, данная лента прошла в момент выхода практически незамеченной. А со временем и вовсе позабылась. Сейчас на неё натолкнуться случайно практически невозможно, что, на мой взгляд, весьма несправедливо. Ведь Нойс смог создать редкий пример того, как вполне зрительское по форме кино оказывается куда глубже при более вдумчивом взгляде. «Марсианин» / The Martian реж. Ридли Скотт, 2015 г. Во время экспедиции на Марс миссии «Арес-3» случается непредвиденная по силе песчаная буря. Экипаж вынужден экстренно покинуть планету. Но в неразберихе один из членов команды — Марк Уотни (Мэтт Дэймон) — оказывается сбит с ног и теряется в темноте недружелюбной планеты. Все считают, что он погиб. Но судьба оказывается к Марку гораздо благожелательней: он выживает, несмотря на ранения, и остаётся один посреди бескрайней пустыни, в которую ещё не ступала нога человека. Мировой кинематограф не раз уже обращался к тематике покорения космических далей в целом и Марса в частности. Можно вспомнить «Красную планету» Энтони Хоффмана, «Вспомнить всё» сразу в двух исполнениях: Пола Верховена и Лена Уайзмана, «Миссию на Марс» Брайана Де Пальмы, «Джона Картера» Эндрю Стэнтона. Да хотя бы «Аэлиту» Якова Протазанова. Правда, ближе всего к фильму Ридли Скотта по мысли подошёл бы «Робинзон Крузо на Марсе» Байрона Хэскина. Хотя в этом научно-фантастическом фильме 1964 года (слоган уверяет, что он на 100% соответствует современным научным исследованиям!), пожалуй, было излишне много не столько студийного кино, сколько старого доброго торжества белого человека. И даже местный беглый раб Пятница, становясь другом главного героя, проходил перед этим унизительный обряд смены хозяина. Впрочем, «Марсианин» Скотта далёк от этих ужасов сегрегации и посвящён теме покорения мира при помощи научного познания. С учётом космических хитов последних лет это даже начинает напоминать некий тренд. Только «Гравитация» Альфонсо Куарона была всего лишь эффектным аттракционом, а вот «Интерстеллар» Кристофера Нолана оказался действительно впечатляющим именно в человеческом плане фильмом. Редкий случай, когда осознаёшь, что человек тянется к человеку, но для сохранения себя он должен прорваться сквозь горизонт, за пределы мира, ограниченного домашним пейзажем и простенькой наукой выживания. К сожалению, фильм Скотта не взлетает дальше марсианских пустынь. Это действительно впечатляюще снятое, наполненное визионерством кино. Но по большей части оно посвящено бытовым проблемам выживания в одиночестве в неблагоприятных условиях. И хотя Скотт выдерживает традиции своих фильмов, рисующих мир, где Бога нет, именно в «Марсианине» одна из центральных тем его творчества практически полностью вынесена за скобки. Даже в сцене, где герой Мэтта Дэймона использует распятие в качестве запала, это показано без присущего прежде Скотту внимания к деталям. Возможно, это осмысленный ход после ярко выраженных антирелигиозных картин «Прометей», «Советник» (ну и что, что эта мысль там зашифрована под толстым слоем невнятных диалогов) и «Исход: Цари и боги». Тем более этот ход явно принёс финансовую пользу. «Марсианин» неожиданно идёт вровень с такими титанами кинопроката, как фильмы Куарона и Нолана. Конечно, высоким сборам помогло неожиданное открытие учёных, которые обнаружили на Марсе текучую воду. И вот вновь покорение космоса вышло на первые страницы газет. Пусть и ненадолго, но, на мой взгляд, это всяко интереснее, чем рассуждения лицемерных политиков. И если фильм Скотта и может кого разочаровать, то только поклонников этого британского режиссёра родом из маленькой рыбацкой деревушки. Ведь в «Марсианине» так мало авторского кино Скотта, за вычетом фирменной красивой картинки с минимумом компьютерной графики, и так много Голливуда. Но Голливуда высшего качества, который достоин просмотра. А как вы выживаете в замкнутом пространстве?
  12. По сюжету Сесилия Кэсс (Элизабет Мосс) сбегает от своего мужа Эдриана Гриффина (Оливер Джексон-Коэн) — знаменитого на весь мир учёного-изобретателя. Она боится, что он благодаря своим связям найдёт и вернёт её силой. Ведь вся её предыдущая жизнь была жизнью птицы в золотой клетке. Но неожиданно в газетах сообщают, что Гриффин совершил самоубийство. В 1897 году знаменитый британский писатель Герберт Уэллс выпустил роман «Человек-невидимка» об учёном, который изобрёл средство, позволявшее сделать человеческое тело оптически прозрачным. Герой романа Гриффин, оказавшись в тяжёлой ситуации, постепенно становился одержим идеей контроля над миром посредством Террора. Можно сказать, что это был типичный злой гений. Как и другие романы Уэллса, «Человек-невидимка» быстро стал одним из важных произведений в научной фантастике. В постели с врагом Как и у любого успешного произведения, у него появились всевозможные адаптации. Правда, далеко не сразу. Но с ходу успешно. В 1933 году в Голливуде вышел классический фильм ужасов «Человек-невидимка» Джеймса Уэйла с Клодом Рейнсом в роли Гриффина. В отличие от романа-первоисточника, образ Гриффина в этой версии был более человечным, герой не был зловещим гениальным учёным с самого начала: тёмное нутро проступало и в нём, но он пытался перебороть его в себе. Фильм был настолько успешен, что студия Universal тогда сняла сиквел «Человек-невидимка возвращается», комедийную вариацию «Женщина-невидимка», пропагандистский фильм времён Второй мировой войны «Агент-невидимка» и две картины с участием комиков Эббота и Костелло. Но главное, придуманный кинематографистами образ впоследствии был растиражирован гораздо сильнее, чем оригинальный роман Уэллса. Даже в советской экранизации 1984 года угадывались нотки фильма 1933-го. Что неудивительно, ведь оригинальный фильм выходил в советский прокат в 1935 году, будучи тогда тем самым редким зверем — заграничным фильмом, который дошёл до отечественного зрителя. Именно «Человек-невидимка» Уэйла считается первым фильмом, дублированным на русский язык. Эксперимент по дубляжу осуществил Научно-исследовательский кинофотоинститут (НИКФИ). Неудивительно, что студия Universal десятилетия спустя решила вернуться к этому образу. Да ещё в виде франшизно-мстительного кино, когда все фильмы обязательно должны выстраиваться в своего рода кинематографическую вселенную. И плевать, что пока хоть какой-то финансовый успех есть лишь у студии Marvel. Вообще, и ранее студия Universal пыталась вернуть жизнь своим «монстрам», выпуская ремейки разного уровня качества и успешности. Но в конце второго десятилетия двадцать первого столетия она решилась на собственную «Тёмную вселенную». Началось всё с лент «Дракула» Гэри Шора и «Мумия» Алекса Куртцмана. Если первый фильм с горем пополам показал себя относительно успешно в прокате, то дорогостоящий фильм с Томом Крузом оказался провалом. Но отказаться от идеи вселенной такая неповоротливая гигантская компания, конечно, не могла. Ведь деньги уже выделены, люди работают над проектами, планы по премьерам расписаны. Вместо этого было решено снизить уровень пафоса и сократить бюджеты тем проектам, что будут выпущены в рамках новой киновселенной. Всего было запланировано аж целых восемь кинолент: «Человек-невидимка» Ли Уоннелла, «Армия тьмы» Пола Фига, «Ренфилд» Декстера Флетчера, «Франкенштейн» (в данный момент без режиссёра, хотя изначально планировался Джеймс Ван), его сиквел «Невеста Франкенштейна», «Дракула» Карин Кусамы, Monster Mash Мэтта Стоуски и даже ремейк-перезапуск комедии «Женщина-невидимка» под режиссурой актрисы Элизабет Бэнкс («Ангелы Чарли»). Главное, не путать последний проект с потенциальным сиквелом «Человека-невидимки». Так как «Человек-невидимка» оказался весьма неплохо принят зрителями и на данный момент точно является самым успешным из фильмов кинематографической вселенной монстров Universal. К слову, выйдя всего несколько недель назад, он уже успел появиться в цифровых кинотеатрах благодаря всем известной истории с коронавирусом и карантинными мерами, что случается крайне редко с проектами, которые еще недавно вполне достойно выступали в прокате. По сюжету Сесилия Кэсс (Элизабет Мосс) сбегает от своего мужа Эдриана Гриффина (Оливер Джексон-Коэн) — знаменитого на весь мир учёного-изобретателя. Она боится, что он благодаря своим связям найдёт и вернёт её силой. Ведь вся её предыдущая жизнь была жизнью птицы в золотой клетке. Но неожиданно в газетах сообщают, что Гриффин совершил самоубийство. Более того, он завещал Сесилии 5 миллионов долларов, но с условием, что у неё не будет проблем с судимостью и психическим состоянием. Однако именно тогда у Сесилии начинается паранойя: героине кажется, что за ней постоянно кто-то наблюдает. Конечно же, как и полагается фильмам на стыке жанров ужаса и триллера, всё действие не лишено напряжения и жутковатых сцен. А главное, неожиданных сюжетных поворотов. Правда, по отзывам некоторых зрителей, частично твист успели показать в трейлере, что немного подпортило им впечатление. Хотя главным достоинством ленты, безусловно, является игра Мосс. Актриса не просто вживается в образ героини, но и меняет её по ходу фильма от робкой женщины, не способной контролировать собственные эмоции и параноидально боящейся каждого шороха, до уверенной в себе женщины, которая знает, что ей нужно от жизни. Её финальный взгляд в камеру, а фактически в глаза зрителю не может не впечатлить. А если принять во внимание сюжет картины, так ещё и задаёт дополнительные вопросы. Ведь по ходу ленты страхи героини так и не подтверждаются. Точнее, они подтверждаются частично, но всё, что происходит в финале, отдаётся на откуп трактовке зрителя: готов ли он поверить ей, или же останется в сомнениях. Крайне редко в современном голливудском кино оставляют место для морально-этических трактовок действий персонажей, которые большую часть повествования представали положительными. Что интересно, все снятые на данный момент фильмы австралийца Уоннелла сложились в своего рода трилогию о контроле над собой в буквальном и переносном смыслах. В третьей части «Астрала» шло повествование о девочке, ставшей инвалидом после автокатастрофы, но что страшнее, её телом завладевал не только физический недуг, но и некий демон, который пользовался тем, что так же погибла мать девочки. В перехваленном киберпанк-триллере «Апгрейд» герой также становился инвалидом и терял жену, но соглашался на некий экспериментальный апгрейд тела, вживлявший в него искусственный интеллект, который позволял не только контролировать тело, но и даже улучшить его; однако постепенно его разум начинал проигрывать ИИ в вопросе того, кто в голове хозяин. Трейлер, который сам режиссёр не рекомендует смотреть до просмотра В «Человеке-невидимке» же контроль над жизнью Сесилии, как психологический, так и самый настоящий, происходит после вторжений в её жизнь невидимого преследователя. Чем-то он может напомнить демона в духе сериала «Астрал», но в этом фильме постановщик гораздо ближе к научно-фантастическому объяснению. Разве что я бы лично хотел, чтобы раскрытие секрета было ближе к финалу, нежели к середине фильма, из-за чего оный частично теряет интригу, хотя именно в этот момент и начинаются самые интересные экшен-сцены, в которых героиня обретает контроль над собой. К слову, Уоннелл был соавтором сценария в сериале «Пила», который так же был посвящён некоему кукловоду, тайно контролировавшему людские жизни и заставлявшему людей играть в игру по своим правилам. Весьма скептично относясь к фильму до просмотра, так как предыдущие картины Ли Уоннелла у меня не вызвали никаких эмоций, кроме уныния, я неожиданно выяснил, что это его лучший фильм, в котором он показал более зрелую режиссуру, интересную интригующую историю, да ещё сдобренную прекрасной игрой Элизабет Мосс.
  13. Идти можно: смотреть на хорошую картинку с хорошим звуком, есть попкорн и самим решить, может ли зародиться новая киновселенная не от большого взрыва, а от одного кровавого выстрела. Для тех, кто считает, что «Бладшот» — это коктейль с томатным соком, давайте сразу уточним: у нас не кулинарный блог, так что сегодня поговорим про экранизацию комикса вселенной Valiant. Бладшот, или в миру Рей Гаррисон — солдат, которому сделали волшебную прививку нано-роботами, и теперь он имеет Максимум силы, Максимум брони, Максимум скорости и, конечно же, Максимум крутизны. Мы имеем дело с очень редким и интересным явлением: это супергеройский комикс, но не от Marvel и не от DC. На такое киноиндустрия заглядывается нечасто, да и процент провалов неприлично велик. Доблестная компания Valiant, подарившая нам комикс, была организована в 1989 году Джимом Шутером, который до этого был ни больше ни меньше главным редактором Marvel Comics. В период его управления издательство Marvel выпускало в свет комиксы о Сорвиголове, Торе и даже серию работ Роджера Стерна о Мстителях — в общем, сплошь приличные вещи. Покинув пост главреда из-за неразрешимых противоречий с другими авторами, Джим создает свое альтернативное издательство Valiant, с блэкджеком и супергероями. Так что, по сути, речь идёт о возможном зарождении новой киновселенной. Задача амбициозная и крайне непростая. Ведь нужно не только создать кино-образы персонажей, убедительно рассказать историю и переложить комикс на киноязык, но и отличаться от уже существующих кинокомиксных стилей. От успеха фильма зависит и вся последующая серия, у авторов был только один выстрел, так что продюсерам нужно было делать надёжные ставки. Режиссером стал дебютант в большом кино — Дейв Уилсон, который вам известен (но это не точно) по первой серии короткометражного анимационного сериала «Любовь, смерть и роботы». Не самый сильный, но и не самый слабый эпизод — эдакий середнячок, призванный раскачать аудиторию. Со сценаристами тоже не все ладно: Джефф Уодлоу, серьёзно испортивший «Пипец-2», и Эрик Эндрю Хайссерер, самой наверное приличной работой которого является «Прибытие». Так что продюсеры, как и в случае с первоисточником, явно решили ставить на тёмных лошадок. За парой исключений. На главную роль взяли Вина Дизеля. Да, мистер Дизель в принципе похож на человека, собранного по кусочкам из ста килограмм бездушных роботизированных механизмов. При этом мимические способности актёра в фильме беднее тех, что у его комиксного прототипа. Если в оригинале история развивается вокруг героя, сложно рефлексирующего на тему своей природы и окружающей реальности, то здесь персонаж отходит на второй план и акцент делается на окружение. В фильме мы наблюдаем не столько за героем, сколько за тем, что он видит и слышит, что серьёзно роднит его с игровыми персонажами, которые почти всегда намеренно нейтральны. Может быть, поэтому в фильме органично смотрится визуальный стиль, будто заимствованный из Deus Ex и Crysis. Вторая звезда (или первая?) в касте — Гай Пирс. Здесь продюсеры поступают по научению героя Де Ниро из «Однажды в Голливуде»: чтобы сделать новое Memento, нужно взять актёра из старого Memento и сделать антагонистом. В «Бладшоте» Пирс на своём месте. Остальной актёрский состав неплох (для солдат-киборгов, конечно), среди прочих хорошо проявились Ламорн Моррис и Тоби Кеббелл благодаря второстепенным, но ярким персонажам. Сюжет перепрошит, изменены многие линии. Что, впрочем, само по себе не является минусом. Твист, который читатели комиксов узнали уже на 4-й странице первого издания, в фильме выдаётся во второй половине как большое открытие. Киноперсонажей от комиксной первоосновы отличает заметная доля иронии. Они шутят, постоянно что-то жуют в кадре и вообще нередко относятся к ситуации намного проще. Комикс заметно более мрачен, а главное, если среди вас найдутся его фанаты, то они будут разочарованы серьёзным, по сравнению с оригиналом, дефицитом крови в кадре. Хотя в целом боёвка сделана очень грамотно и стильно. Ещё одна визуальная задача — передать существующее в комиксе стилистическое разделение. Разные, так сказать, пласты сюжета в комиксе передавались так, что даже менялись стиль и техника рисунка. Как это воплощается в фильме? Создатели фильма, видимо, намеренно решили сделать это разделение не таким заметным. Не знаю, насколько это хорошее решение, какова вероятность того, что среднестатистический зритель будет подмечать изменение цвета и освещение сцены? Не говоря уже о других деталях киноязыка. Цвет, всякие милые блики в кадре и использование откровенно стереотипных сцен в фильме сделаны намеренно. Очень, кстати, забавно герои фильма щекочут четвёртую стену, неоднократно упоминая об этой стереотипности. Есть в «Бладшоте» место для пофилософствовать-поморализировать на тему отношения к безропотным солдатам, отправляемым их командирами на бойню, или о правомерности использования военных технологий в корыстных целях, или, в конце концов, об иллюзорности и осмысленности нашей жизни. Впрочем, авторы не слишком заостряют внимание на сложных и спорных темах, ограничиваясь лёгким флиртом. Возможно, «Бладшот» прозвучал бы ярче, если бы вышел несколько лет назад. Просто хорошей экранизации комикса будет нелегко найти свою нишу в эпоху после ярких и бодрых «Мстителей» и «Стражей галактики» или же глубоких и мрачных «Темного рыцаря» и «Джокера». Хотя кто знает, может быть, многие зрители уже изрядно соскучились по старому-доброму ультратипичному герою, (внезапно) белому мужику-натуралу, который крошит супостатов направо и налево. В лучших традициях боевиков 1980-90х. «Бладшот» — добротная и динамичная экранизация комикса с приличным Вином Дизелем, долей иронии и весьма годным саундтреком от Стива Яблонски. Идти можно: смотреть на хорошую картинку с хорошим звуком, есть попкорн и самим решить, может ли зародиться новая киновселенная не от большого взрыва, а от одного кровавого выстрела.
  14. 2019 год в кинематографе был не таким запоминающимся, как 2018-й, но всё равно хочется подвести итоги. Пусть и с запозданием в целый месяц. 2019 год в кинематографе был не таким запоминающимся, как 2018-й, но всё равно хочется подвести итоги. Пусть и с запозданием в целый месяц. Если говорить кратко: «Пластмассовый мир победил. Телевизор оказался сильней». 10. «Чернобыль» / Chernobyl реж. Юхан Ренк Телесериал, который обсуждали буквально все в первой половине года. Авария на Чернобыльской АЭС, которая была частым гостем на отечественном ТВ, внезапно стала интересна всему миру. Да, мини-сериалу можно предъявить ряд претензий, касающихся аутентичности: то персонажи ведут себя как-то не по-советски, то рамы в домах пластиковые, да и отсутствие вездесущей советской эстрады выглядит неестественно. Вдобавок четвёртая серия уж слишком надуманная. Но всё это никак не перечёркивает художественных достоинств «Чернобыля». Перед нами произведение о людях, которые сталкиваются с техногенной катастрофой и пытаются её преодолеть, несмотря на все внешние и внутренние препоны. А последняя серия, решённая в духе голливудской судебной драмы, и вовсе поражает психологизмом характеров. Даром что в реальности ничего подобного не было, а был обычный скучный показательный суд с виновными, которых назначили задолго до заседания. 9. «Мёртвые не умирают» / Dead Don't Die реж. Джим Джармуш Даже на исходе седьмого десятка Джим Джармуш продолжает гнуть свою линию. И не важно, это эстетское кино про вампиров, драма о водителе автобуса или пародия на фильмы об оживших мертвецах: капиталистические зомби, проживающие свою жизнь по инерции, повсюду. Возможно, и самого себя Джармуш уже воспринимает как зомби, снимающего кино на автопилоте просто потому, что больше ничего не умеет, а вырваться из зоны комфорта дано не каждому. Конечно, «Мёртвые не умирают» страдают от потери чувства ритма, как и все поздние картины вчерашнего кумира всех хипстеров. Но чего не отнять, так это ироничного чувства юмора, начиная с постоянно обсуждаемой внутри фильма песни Стёрджила Симпсона (сам он также появляется в небольшом зомби-камео) Dead Don't Die, написанной специально для фильма, и заканчивая упоминанием того, что герой, сыгранный Адамом Драйвером, любит «Звёздные войны». 8. «Ford против Ferrari» / Ford v Ferrari реж. Джеймс Мэнголд Любят в США истории о том, как простые американцы добиваются успеха, всего лишь положив всю свою жизнь на достижение цели. Американская мечта как концепция устарела и не работает. Но хорошее кино с нею в основе всё равно продолжает выходить, и «Ford против Ferrari» — прекрасный пример. Если вы не увлекаетесь автоспортом, то, скорее всего, понятия не имеете ни о Кэрролле Шелби, ни о противостоянии американской мегакорпорации Ford и небольшого итальянского заводика Ferrari на ниве автоспорта. При этом в фильме нашлось место паре уколов в адрес корпоративных систем, которые своей тягой к оптимизациям и универсализациям уничтожают авторское видение. Но в первую очередь это автомобили, несущиеся по трассе. Именно они главный источник кинетической энергии данной картины. 7. «Сиротский Бруклин» / Motherless Brooklyn реж. Эдвард Нортон Film noir нельзя в полной мере назвать жанром: под этой маркой скрывались, как мелодрамы, так и детективы. Это скорее некий стиль, который объединял совершенно разные сюжеты общей атмосферой мрачной безнадёги. А также это был синоним малобюджетного кинематографа категории «Б». Но в 50-х годах XX века кинокритики из Европы на костях уже умершего направления создали культ главной голливудской кузницы авторского кино. Пока в больших дорогих блокбастерах всем правили продюсеры, в маленьких дешёвых нуарах главная роль на площадке была у режиссёра. Потому к 70-м у нуара появился романтичный ореол, к которому обратились режиссёры Нового Голливуда и создали неонуар, который уже был полноценной игрой в жанр. «Сиротский Бруклин» известного актёра Эдварда Нортона является ярким примером данного направления. Частный детектив, пытающийся понять, почему его босса убили в грязном переулке, впутывается в историю, которая больше, чем человек способен объять. А политика — это не просто выборы, партии, митинги, а целая система, построенная на госзакупках, откатах, городском планировании. Только вряд ли один человек способен что-то изменить, когда богатые белые мужчины делят власть. Что мне особенно понравилось в этом фильме, при полном следовании всем стилистическим ходам неонуара операторская работа вовсе не пытается имитировать старое кино, вместо этого фильм снят на цифровую камеру в духе телесериалов середины нулевых. 6. «Паразиты» / Gisaengchung реж. Пон Джун-Хо Российские прокатчики на волне успеха «Паразитов» недавно выпустили в прокат предыдущую картину Пон Джун-Хо «Сквозь снег». Но это было только начало. На прошлой неделе в прокат попал другой корейский хит — «Олдбой» Пак Чхан-Ука. А чтобы закрепить успех, на этой неделе уже сами «Паразиты» вышли в повторный прокат. Говорят, где-то даже показывают чёрно-белую режиссёрскую версию. Для азиатского кино это безусловный успех, причём не только в России, но и во всём мире. Уже 9 февраля пройдёт церемония вручения премий Американской киноакадемии «Оскар», на которой «Паразиты» могут получить ещё парочку призов в коллекцию. А те только усилят интерес к ленте. В принципе, могу отослать к своему тексту о «Сквозь снег», ведь «Паразиты» продолжают идеи, которые были подняты в этом фильме. Разве что вместо слишком метафоричной аллегории с поездом в снегах за основу была взята более реалистичная модель с богатыми, живущими за высоким забором на окраине большого города, и бедными, мечтающими попасть за этот забор. 5. «Зеровилль» / Zeroville реж. Джеймс Франко Признание в любви к Старому Голливуду в стиле панк-рок. В минувшем году много говорили о новом фильме Квентина Тарантино «Однажды... в Голливуде» как о любовном послании в адрес старого американского кинематографа, но лично на мой вкус, Тарантино впервые снял скучный фильм ни о чём. Зато порадовал Джеймс Франко, больше известный участием в комедиях с юмором ниже пояса. Хотя помимо этого он имеет немало ролей в независимом кино, некоторые из которых даже неплохо сыграны. Более того, он сам режиссёр, снявший на данный момент порядка 30 фильмов за последние 15 лет. Франко — настоящий графоман от мира кино. Следовательно, не стоит удивляться тому, что большая часть его творчества — несмотрибельный претенциозный трэш. Но иногда и у него случаются моменты прозрения. Один из них — «Зеровилль». К слову, снятый ещё в 2014 году, а смонтированный в 2015-м и пролежавший на полке остальные четыре года до попадания в мировой прокат. По сюжету молодой архитектор с татуировкой Монтгомери Клифта и Элизабет Тейлор из фильма «Место под солнцем» на затылке отправляется покорять Голливуд. Он видел кино и понял, что не может без него жить. Он стал киноаутистом. Прибыв в Лос-Анджелес, он сначала становится художником по декорациям, а затем познаёт прелести монтажа. Параллельно с этим разворачивается история его отношений с заблудшей актрисой, играющей жертв в очередном фильме ужасов. Кино о кино — вещи не новая. Да и Франко не пытается быть новатором. Главная прелесть его фильма в том, что это настоящий панк-рок. Он рассказывает о Голливуде конца 60-х — начала 70-х с дерзостью и драйвом, присущими рок-концертам. При этом он верит в силу кинематографа, который делает людей бессмертными, какими бы неудачниками они ни были в обычной жизни. Каждый сможет найти себе место в пространстве между кадрами киноплёнки. Тем обиднее, что неудачу Тарантино восхваляют, а фильм Франко с похожим посылом принимают в штыки. 4. «Ирландец» / The Irishman реж. Мартин Скорсезе Могли ли вы представить себе ещё несколько лет назад, что Мартин Скорсезе будет снимать эпический фильм на три с половиной часа для стримингового сервиса Netflix с бюджетом 159 миллионов долларов? Не уверен. Думаю, первое, о чём все бы подумали: «А за счёт чего будет отбиваться такой невероятный бюджет, который даже не все фильмы Marvel имеют?» На самом деле, ответ на этот вопрос и сейчас остаётся загадкой. Но боссы Netflix готовы поработать несколько лет в минус, чтобы выиграть конкурентную борьбу стриминговых сервисов. И фильм Скорсезе — один из их главных козырей в этой битве. Надо сказать, Скорсезе вынашивал идею экранизации биографии Фрэнка Ширана «Я слышал, ты красишь дома» в течение последних 10 лет. Но большие голливудские студии не особо горели желанием дать денег на эту дорогую историю, которая охватывает временной промежуток в 50 лет. Ширан по прозвищу «Ирландец» для многих был влиятельным профсоюзным активистом, но лишь немногие знали, что он занимался контактами профсоюзов с мафией, а также был наёмным убийцей. Собственно, фраза «Я слышал, ты красишь дома» отсылает к мафиозному жаргону, на котором эта фраза означает «Я слышал, ты убиваешь людей». И картина живописно погружает зрителя в то, насколько сильно американская политика срослась с криминалом. Безусловно, лучшей частью фильма становится финал, в котором постаревший Ширан сталкивается с самым страшным наказанием за все свои грехи — жизнью в одиночестве, где каждый день просто является ожиданием смерти. Ширану казалось, что он всю свою жизнь «работал» для того, чтобы обеспечить семью и спасти её от бедности, в которой вырос сам, но в конце все близкие отвернулись от него: мало кто захочет иметь что-то общее с человеком, который зарабатывал на жизнь убийствами. Но самое страшное то, что Ширан сам осознаёт плачевность своего положения, когда видит вчерашних мафиозных боссов, а ныне беззубых стариков, жующих кашу и передвигающихся по тюрьме на инвалидных колясках. Не важно, кем ты был всю жизнь. В конце все равны. 3. «Джокер» / Joker реж. Тодд Филлипс С одной стороны, восторги о шедевре слегка преувеличены, с другой — это действительно интересное кино на злобу дня с хорошей режиссурой, отличной игрой Хоакина Феникса и потрясающей музыкой. При этом в отличие от всевозможных фестивальных хитов, «Джокер» не пытается педалировать повестку, а в лучших традициях кино прошлого помещает всё на задний план. Зритель сам способен во всём разобраться и домыслить. При этом Джокер в данной интерпретации не является злодеем, что выгодно отличает нынешнюю версию ото всех предыдущих экранных ипостасей этого выходца из комиксов DC. Артур Флек, а именно так его зовут на этот раз, простой работяга. Да, его работа, мягко говоря, мало кому нужна. Его ни в грош не ставят окружающие. Да и сам город Готэм, явно срисованный с Нью-Йорка 80-х, медленно погружается в пучину криминального рая и социального дна. Политики из числа миллионеров показушно пытаются доказать, что они исправят всё, ведь у них есть власть и деньги, но волна негодования снизу вскипает, и не спасётся никто. Народный гнев вознесёт на вершину любого, кто посмеет сделать первый шаг и попытается защитить себя перед теми, кто возомнил себя всесильным. Тяжело каждый день подниматься по лестнице, потому испытываешь истинное облегчение, когда решаешь наконец спуститься с неё. Да, это может напугать. Ведь справедливость уличного бунта и даже революции — совсем не то, что хочется увидеть у себя за окном. С другой стороны, чем отчаяннее ситуация, тем сильнее выхлоп. Нет ничего удивительного в том, что «Джокер» стал одним из самых обсуждаемых фильмов в России, даже несмотря на то что по факту перед нами психологическая драма. Более того, картина Тодда Филлипса, бросившего съёмку скабрёзных комедий, умудрилась заработать в российском прокате 1 миллиард рублей. Как бы люди ни относились к этому фильму, но он явно задел их за живое. 2. «Беседы с убийцей: Записи Теда Банди» / Conversations with a Killer: The Ted Bundy Tapes реж. Джо Берлингер Тед Банди — один из самых загадочных серийных убийц в американской истории. В своё время ФБР смогло составить стереотипный портрет маньяка: асоциальный тип, живущий в одиночестве, неопрятный внешний вид, наличие спектра комплексов. И по большей части маньяки вписывались в этот портрет. Кроме Банди. Приятный молодой человек, легко заводящий знакомства, дипломированный психолог, политический активист. Невозможно поверить, что на его счету как минимум три десятка убийств девушек в возрасте от 12 до 26 лет. Известный документалист Джо Берлингер попытался за четыре часа понять феномен Теда Банди. Ведь он не только пугал общественность, но и имел собственный фан-клуб, состоявший из юных девушек, которые не верили, что этот симпатичный мужчина — убийца. А если и верили, их явно привлекал этот человек-хамелеон. Уже будучи приговорённым к смертной казни, он умудрился завести семью, и у него даже родилась дочка, которую зачали во время одного из тюремных свиданий тайком от охранников. И его жена до последнего верила в его невиновность. Даже несмотря на то что Банди к тому моменту стал консультантом ФБР по делам о маньяках: он помогал следователям понять, как мыслит убийца. Благо он ещё был дипломированным психологом, если вы забыли. «Молчание ягнят» в реальном мире. Но гораздо интереснее мотив, за который Берлингер сильнее зацепился в своём игровом фильме «Невероятно безнравственный, шокирующе злой и подлый», вышедшем в российский прокат под легкомысленным названием «Красивый, плохой, злой» и так же посвящённом Банди, причём оного сыграл красавчик Зак Эфрон. Почти ни один судебный процесс так и не смог внятно доказать вину Банди, а он сам активно настаивал на собственной невиновности. Тот факт, что он в итоге оказался в камере смертников, — это заслуга самого Банди, который для начала два раза сбежал из-под стражи, тем самым усугубив своё положение (причём во второй раз прямо из камеры, проделав дыру в потолке, как будто он в голливудском кино), а потом отказался от услуг профессиональных адвокатов и пытался защищать в суде себя сам, совершая нелепые ошибки. А главными доводами против него были два свидетеля, которые видели его со спины в темноте, причём с натянутой на лицо лыжной маской, да слепок зубов. Это ныне киношный штамп, когда преступника ловят по слепку зубов, но тогда, в 1980 году, это был первый случай в американской судебной истории, когда он был представлен как реальная улика. Причём в XXI веке слепок зубов как уникальный определитель личности считается лженаучным методом, и в сегодняшнем суде такая улика не стоила бы и ломаного гроша. Но что интереснее, Банди так никогда и не прошёл экспертизу на вменяемость, хотя его поведение явно намекало на биполярное расстройство личности как минимум. А некоторые психиатры считают, что он и вовсе страдал расщеплением личности. Тогда получается, что на электрическом стуле оказался больной человек, из чьей казни сделали большое шоу. 1. «Игра престолов», сезон 8 / Game of Thrones, season 8 реж. Дэвид Наттер, Мигель Сапочник, Дэвид Бениофф, Д. Б. Уайс Честно говоря, до 2019 года я не особо интересовался «Игрой престолов». Но ажиотаж вокруг восьмого сезона был настолько велик, что я потратил несколько месяцев на просмотр всех восьми сезонов подряд. И к моему удивлению, финал сериала оказался прекрасен. Возможно, если смотреть всё в течение восьми лет, сочиняя одну офигительную теорию за другой, он способен разочаровать, но при непредвзятом просмотре поражаешься тому, насколько всё было выверенным и продуманным, а идеи, которые стали ключевыми в финале, были заложены ещё в самом первом сезоне. Да и даже если закрыть глаза на то, какую судьбу уготовили героям сценаристы и Джордж Мартин (ведь доподлинно известно, что восьмой сезон основан на ещё не опубликованном романе «Грёзы о весне»), нельзя не отметить высочайший уровень режиссуры, который даже в современном голливудском кино крайне редкий гость. Настоящее мрачное эпическое фэнтези, которое на две головы выше тех же фильмов Питера Джексона по произведениям Джона Р. Р. Толкина. «Игра престолов» — не просто попытка поупражняться в словесности, обыгрывая всевозможные сюжеты из древних мифов и легенд, а настоящая политическая драма, разыгрывающаяся в мрачном средневековом Вестеросе. Власть уничтожает изнутри. Войны и насилие отравляют души правителей. Нельзя быть добропорядочным и честным, одновременно сидя на Железном троне. Та, которую продавали как вещь, становится настолько одержима идеей нести доброе и светлое, что готова убивать всех, кто будет ставить под сомнение её благодетельность. Единственный шанс остаться человеком — уйти. А для королевства возможным спасением видится демократия. Неслучайно после всех кровавых злоключений, что выпали на долю героев, в финале всё завершается демократическим голосованием за того, кто наименее подвластен соблазну ролью тирана. Даже если это тирания во имя благих дел. А какие фильмы вы отметили в 2019 году?
  15. После первой в истории корейского кино победы на Каннском кинофестивале с фильмом «Паразиты» об его авторе Пон Джун-Хо заговорили в относительно широких кругах; «Паразиты» даже были номинированы на престижную американскую премию «Оскар» в категории «лучший фильм года», что обычно почти невозможно для лент не на английском языке. Хотя в среде киноманов имя Пон Джун-Хо было известно ещё в начале нулевых, с тех пор как вышел его фильм «Воспоминания об убийстве», посвящённый поискам маньяка в последние годы военной диктатуры в Южной Корее конца 80-х. Но и последующие ленты кинематографиста пользовались успехом у поклонников кино. Потому нет ничего удивительного в том, что в российский прокат, пусть и с опозданием почти на семь лет, вышел его фильм «Сквозь снег». Правда, прокатчик явно рассчитывал выпустить фильм о людях, выживающих в условиях нового ледникового периода, посреди суровой русской зимы, а по факту выпустил в аномально тёплом январе, бьющем все климатические рекорды. Beata stultica* Об этом фильме сложно говорить, если не раскрывать некоторые сюжетные ходы, объясняющие мотивацию героев. Первая англоязычная лента популярного корейского режиссёра Пон Джун-Хо всё же не хватает звёзд с неба, хотя и не лишена парочки стильных эпизодов. Поскольку это экранизация французского комикса, невольно возникают ассоциации с творчеством Жан-Пьера Жёне, а конкретнее — с его насыщенными эксцентрикой антиутопиями «Деликатесы» и «Город потерянных детей». Но корейскому постановщику явно не хватает западной ментальности, чтобы насытить чисто гиньольную интерпретацию революционной борьбы предполагающимся юмором, замешенным на эксцентрическом фарсе. А неумение работать с актёрами-европейцами, что типично для большинства азиатских постановщиков, только усиливает эффект тотальной упрощённости действия до уровня обычной «стрелялки-бродилки», где у революционеров даже нет лозунгов на устах. Выигрышно на этом фоне смотрятся разве что корейские актёры: звезда корейского кино Сон Кан-Хо и молодая актриса Ко А-Сон. При этом фильм вполне актуален по своему посылу, даром, что сценарно реализован до безобразия прямолинейно. Ведь европейская цивилизация продолжает двигаться по кругу, как и вынесенный в заглавие локомотив, и вновь приходит к тому витку, когда силу и популярность набирает консерватизм взамен так и не разрешившей никаких философско-экзистенциальных проблем либерально-буржуазной идеологии, которая задавила собою все социал-революционные движения, дискредитировав их в глазах западного общества. «Сквозь снег» и есть демонстрация этой самой модели дискредитации посредством кино. Неудивительно, что данную идею реализовал кореец — представитель страны, где никогда и не было либеральной демократии, а только военная диктатура да маскирующаяся под демократию клановая модель современной Кореи, где по-прежнему все живут в страхе перед внешней угрозой в лице КНДР, несмотря на экономическое чудо, позволившее избавиться от внешнего антуража относительно жёсткого консервативного правительства. По сюжету в далёком 2031 году вот уже почти 18 лет движется поезд с последними остатками человечества, выжившими после экологической катастрофы, заморозившей весь мир. И хотя в основе поезда лежит вечный двигатель, который не позволяет ему останавливаться, общество вынуждено было поделиться на классы для поддержания гармонии в экосистеме. Есть высший класс из руководителей и бездельников, есть низший класс из рабочих, учителей, садоводов, полицейских, поваров. Но есть и деклассированные элементы, которые проживают в последнем вагоне. Они ничего не делают, только размножаются, как грязные крысы, питаясь чем придётся. Однако именно в их среде зреет идея восстания. И последние станут первыми. Благо есть и идеологический лидер восстания, который помнит жизнь до апокалипсиса, и настоящий герой, чьё сердце разгорается огнём во тьме вселенского холода, и невинные жертвы режима, погибшие в «мирных демонстрациях», за чьи жизни люди готовы идти вперёд ещё быстрее. Но никто из них не догадывается, что они всего лишь марионетки в руках истинных властителей дум. Жертвы эксперимента под названием «вооружённый бунт» для создания иллюзии небессмысленности существования рода человеческого, наличия стремления к лучшему. Борьба за свободу оказывается всего лишь заранее продуманной интригой, как для уничтожения излишне размножившегося плебса, которому за счёт тонких политтехнологий промыли мозг идеей о том, что они сами поднялись и что их мнение имеет значение, так и для демонстрации всем остальным, что человек может остаться человеком даже в нечеловеческих условиях. И при наличии такой модели человечества в миниатюре поднимается вопрос: «А достойно ли оно продолжить свой род?» Пон Джун-Хо, являясь довольно «левым» по корейским меркам автором, с одной стороны, задаётся вопросом несправедливости современного мироустройства, в котором горстка богатых имеет всё (причём часто никаких их заслуг в получении этого богатства нет; речь скорее идёт о случайностях и умении налаживать нужные связи, а затем сохранять накопленный капитал и статус); с другой же, он не видит никакого прогресса в насильственной борьбе с несправедливостью. Главный герой «Сквозь снег» через насилие и кровь движется по поезду слева направо, от радикального демократа к авторитарному диктатору, параллельно ввергая окружающий мир в хаос саморазрушения. И только юные герои получают надежду, спрыгнув с этого поезда в огне. Лучше новая жизнь посреди вымершей ледяной пустыни, чем бесконечные циклы устаревшей политической борьбы. Жаль только, что для высказывания этой идеи Пон Джун-Хо пожертвовал искусством кино. Похожая по смыслу идея прослеживается и в недавних «Паразитах» того же режиссёра, но с той поправкой, что это гораздо более удачное кино с художественной точки зрения. Правда, народная популярность «Сквозь снег» была такой, что американцы даже сняли свой ремейк-сериал, который внешне выглядит как полная копия корейского фильма. *beata stultica — лат., блаженная глупость, благоглупость, глупый поступок, совершаемый из благих побуждений.
  16. Новые проявления Силы, сюжетные повороты, — все это на самом деле раньше было. Да, Джонсон наглел, пускал пыль в глаза и откровенно подкалывал, но удивлял. Абрамс, словно его антипод, слишком аккуратен и осторожен. Хорошо заметно, что он себя сдерживает, боится гнева фанатов. Дисклеймер: выйдя из зала, я для себя сразу понял — в тексте не будет итогового балла. Он не имеет смысла, потому что каждый ищет в «Звездных войнах» что-то свое. И зачастую один и тот же элемент кто-то любит, а кого-то он бесит. «Последние джедаи» были очень тепло встречены критиками. Многие уверяли, что это вообще лучшее, что случалось со «Звездными войнами» со времен пятого эпизода. Впрочем, не меньше людей думали обратное, проклиная Райана Джонсона. Но одно точно можно сказать: восьмой эпизод саги никого не оставил равнодушным. Disney этого было мало. Каждый должен остаться довольным! Команда под чутким руководством Джей Джей Абрамса стремилась порадовать каждого — это бросается в глаза. Это же не дает развернуться «Скайуокер. Восход» в полную силу. Одним угодить и других не обидеть Шив Палпатин вернулся. Трейлеры сюрприза не скрывали. Если вы вдруг их не смотрели и каким-то чудом увернулись от этой новости… то извиняться мне нет смысла, потому что на такой случай знаменитый бегущий текст, предваряющий каждый номерной эпизод «Звездных войн», прямо говорит: Император снова наводит ужас на далекую-далекую галактику. Кайло Рена, присвоившего себе звание Верховного лидера Первого Ордена, такой расклад не устраивает. Он находит пристанище Палпатина, чтобы устранить калечного старика, но в итоге получает предложение, от которого не в силах отказаться. Тем временем Рей продолжает джедайские тренировки и теперь куда более умела в обращении с Силой. Ее ведут уже не инстинкты, а навыки, которые с каждым днем становятся более отточенными. В перерывах же иногда говорит с Кайло сквозь Силу. Оба не рады на первый взгляд своей ментальной связи. Хотя только эти двое и могут полностью понять друг друга. И это один из немногих элементов «Последних джедаев», которые взяла на вооружение команда девятого эпизода. Абрамс намеренно абстрагируется от спорных решений прошлой части, забывая, что именно они вызывали эмоции! Положительные или отрицательные, но зрителю было не все равно. Персонажей восьмого выпуска максимально отстранили от новых событий. Роуз задвинули на десятый план, ее отношения с Финном вырубили топором (за подробностями надо обращаться к книгам, посвященным событиям между восьмым и девятым эпизодами), о воришке в исполнении Дель Торо просто забыли, а помощницы Леи мельтешат на фоне. Остались лишь точечные события, на которое глаза закрыть нельзя, вроде упаднического состояния Сопротивления и судьбы Люка. «Восход» слишком осторожничает, когда вводит в мир «Звездных войн» что-то новое. Да и сложно назвать новым то, что по большей части вдохновлено всевозможными книгами и играми по вселенной до новой трилогии (то есть «старым каноном»). Новые проявления Силы, сюжетные повороты, — все это на самом деле раньше было. Да, Джонсон наглел, пускал пыль в глаза и откровенно подкалывал, но удивлял. Абрамс, словно его антипод, слишком аккуратен и осторожен. Хорошо заметно, что он себя сдерживает, боится гнева фанатов. Очередное доказательство, что фанаты — главное препятствие на пути развития «Звездных войн». С другой стороны, структурно «Восход» не пытается вдохновляться старыми фильмами, как это делали прошлые две части. Троица основных героев: Финн, По и Рэй, — большую часть хронометража проводят сообща. Действие столь сильно сконцентрировано на них, что прочим персонажам почти нет места. Даже Лэндо Калриссиан — не столько полноценная роль, сколько камео. Что уж говорить о прочих новичках, у которых и имя-то не всегда есть. Им просто не нашлось места в водовороте событий, которыми девятый эпизод очень плотно забит. Экшен начинается с первых кадров и практически не останавливается. На экране постоянно активное действие: битвы в космосе и на земле, яркие погони, перестрелки и дуэли. Кино пестрит красивыми сценами, рожденными филигранной операторской работой и потрясающим талантом специалистов по графике. Выдохнуть практически некогда, фильм не сбавляет темп все два с половиной часа. «Восход», по сути — одна большая кульминация, из-за чего нет сцен, которые как-то выбивались бы из общего ритма. «Пробуждение силы» шло по нарастающей, «Последние джедаи» с рваным темпом словно бомбардировали зрителя вспышками энергии. Здесь же все слишком… ровно. Да, на девятом эпизоде лежит ответственность завершения трилогии (да и саги Скайуокеров в целом, хотя это скорее уже рекламный ход) — ему приходится отвечать на все вопросы, включая ряд неудобных, оставленных в наследство предшественником. Поэтому многие вещи говорятся впопыхах. Кем был Сноук? Да вот же! Все, некогда вдаваться в детали, бежим дальше! Следующий пункт — родители Рей. Так, не задерживаемся, нам тут еще надо с парой героев разобраться. Простите, рыцари Рен, вам места не нашлось. Ну, в книгах вам повезет еще! Складывается ощущение, что фильм стоило разделить на два, ведь здесь даже есть подходящая сюжетная точка с запятой — одна из самых ярких сцен в фильме, поворотная для большинства героев. Не пришлось бы делать половину событий второпях, вынужденно комкая потенциально интересные темы. Новый эпизод больше внимания уделяет мистицизму Силы, как многие сторонние произведения по вселенной. Охоту за артефактами ситхов хотелось бы смаковать подольше. Самое печальное, что от спешки страдают диалоги, которым приходится быть до схематичности емкими, дабы не забивать хронометраж. «Восход», надо отдать должное, и в таком виде умудряется завершить все мало-мальски важные сюжетные линии, намеченные двумя предыдущими картинами. История каждого главного героя ощущается действительно законченной, и есть ощущение того пути, что они проделали со времен «Пробуждения силы». На пользу им идет опять же совместное приключение — этого очень не хватало прошлым частям. Особенно удались непростые отношения Рей и Кайло. Адам Драйвер закрепил свой успех, выдав столь же эмоциональную и запоминающуюся игру, как и в «Последних джедаях». Разумеется, финальный аккорд должен быть усыпан фан-сервисом — его в «Восходе» предостаточно. В каждой сцене есть отсылка или шуточка «для своих», ожидаемые камео и внезапные возвращения персонажей. В какой-то момент кажется, что сейчас на сцену выскочит труппа актеров и, держась за руки, поклонится залу. Ведь, несмотря на груз, под которым кино чудом не разваливается, это все еще «Звездные войны» — те самые, что наши родители полюбили сорок лет назад, в которые с детства влюбились мы и пронесли эти нежные чувства сквозь десятилетия. Да, хотелось бы безусловно большего «ВАУ!». Чтоб вот как: «Люк, я твой отец»! Но нет. «Скайуокер. Восход», — это хороший, но слишком ровный финал, при этом даже слегка перенасыщенный действом. Он не дает посмаковать события, а стреляет ими как из автомата. Слишком пытается усидеть на двух стульях. И даже его посыл — это среднее арифметическое между седьмым и восьмым эпизодами: «Не надо стыдиться своего прошлого. Прими его, но не дай ему определить свое будущее». Надеюсь, в будущем «Звездные войны» как раз последуют этому совету, и пойдут своей дорогой. Без попыток угодить всем, без страха разозлить фанатов. «Звездные войны» ушли ярко и, одновременно, без особых сюрпризов. Но однажды они обязательно вернутся на большие экраны, это неизбежно. Есть здесь и пара крючков для прямых продолжений, и несколько тем для потенциально интересных спин-оффов. Но до тех пор, Сила прибудем с нами в сериалах, книгах и играх, где авторы не столь стеснены и могут действовать куда смелее. P.S. Если вы все таки желаете увидеть оценку, то пусть будет дежурная усредненная 7. Для кого-то фильм окажется на все 10, другие выше 3-4 не дадут.
  17. Честно говоря, не очень понятно, зачем было обещать перезапуск с отрицанием трёх предыдущих сиквелов, один из которых так же отрицал два предыдущих, чтобы в итоге сделать фильм, который почти полностью состоит из компиляции идей, которые уже были показаны в «Восстании машин», «Да придёт спаситель» и «Генезисе». Машины восстали из пепла ядерного огня. Их война по истреблению рода людского бушевала десятилетия, но финальное сражение состоится не в будущем. Оно произойдёт здесь, в наше время. Этой ночью... Ответственность человечества за собственное будущее подвисла в воздухе. Складывается впечатление, что научно-технический прогресс существует только ради самого прогресса. Но никакого морального оправдания, движимый вперёд без оглядки на последствия, данный прогресс не имеет. Никто даже не пытается представить, к каким техногенным катастрофам может привести тяга к машинерии. Сегодня интернет и телевидение есть в каждом доме, но никто никогда не даст гарантий, что завтра компьютеры не обратятся против людей. Терминатор: Назад в прошлое Вот и Джеймс Кэмерон в 1984 году попытался снять фильм-предупреждение о том, что каждый из жителей Земли несёт ответственность за то, что день грядущий нам готовит. Конечно же, речь идёт не только о бездумном наращивании технологических мощей, но и обо всех бессмысленных действиях, которыми человечество занималось весь ХХ век (технократия, неолиберализм, самоуничтожение). Забегая вперёд, добавлю, что ничего за последние 30 лет не изменилось. Как гласит третий закон Ньютона: любое действие рождает противодействие. Человечество само подписывает себе смертный приговор, пытаясь подчинить то, что ему не подвластно. При этом речь идёт не о луддизме, а именно о моральной ответственности, которая часто задвигается в сторону ради интересов бизнеса или государства. Первый фильм отчасти можно причислить к жанру хоррора Кайл Риз с Терминатором Т-800 — это живая иллюстрация плодов научно-технической революции. Риз — дитя войны, человек, не знающий, что такое жизнь за пределами подвалов-убежищ, рождённый в эпоху войны и живущий только ради того, чтобы сражаться. Война для него — серые будни. Он очищен от влияния технократической цивилизации, где всё сделано ради рынка и получения прибыли. В мире, где каждый новый день может стать последним, это совершенно бессмысленные понятия. В то время как Т-800 — не просто машина, а именно то техническое совершенство, к которому так стремятся учёные и инженеры, маркетологи и бизнесмены. Но как и полагается любому совершенству, оно запрограммировано на уничтожение несовершенства. Любого изъяна, который отбрасывает на неё тень своим присутствием. И самым несовершенным обитателем планеты оказывается его же создатель — человек. Оригинальный трейлер Интересно, что хоть марксисты утверждали принцип детерминированности истории и потому с сомнением относились к роли личности в истории, именно этот вопрос так и остался дискуссионным. Тем более что весь опыт социал-революционного действия упорно упирался в конкретных личностей, без чьего волевого влияния, скорее всего, ничего бы не получилось. Владимир Ленин, Эрнесто Че Гевара, субкоманданте Маркос, Эмилиано Сапата, Аугусто Сесар Сандино (кстати, в сиквеле «Судный день» зритель узнаёт, что Джон Коннор провёл своё детство в Никарагуа) — всё это совершенно разные люди, но без них, вполне вероятно, любое сопротивление было бы подавлено. Вот и Джон Коннор появляется не просто как очередной военный командир, а как настоящий лидер, основатель революционной повстанческой армии человечества, человек, с чьим именем на устах умирают ради светлого будущего. А армия машин есть не что иное, как обезличенная власть Капитала, где экономический рост и постоянно растущая прибыль являются признаками совершенства. Неудивительно, что армия Коннора похожа на латиноамериканскую герилью. Сейчас это кажется довольно необычным ходом для американского фильма 80-х годов, когда в США власть держал неолиберальный ультраконсервативный режим Рональда Рейгана. Хотя Кэмерону в этом плане всегда было легко, ведь он даже не американец. Друзья Арнольда Шварценеггера считали, что после отрицательной роли в «Терминаторе» его карьера пойдёт на дно Интересно, что идея робота-убийцы пришла к Кэмерону во сне. Во время съёмок фильма «Пираньи 2: Нерест» Кэмерон подхватил лихорадку, и в болезненном бреду ему привиделась история о человеке с красными глазами, который ведёт охоту на девушку. Насколько эта байка правдива, мы никогда не узнаем. Но уже в 1982 году Кэмерон в соавторстве с Уильямом Уишером закончил сценарий будущего фильма. Правда, возможности снять его у Кэмерона не было, так что после неудачных попыток найти спонсоров он продал сценарий за жалкий $1 продюсеру Гейл Энн Хёрд, на которой впоследствии женился в 1985 году. Именно она смогла найти для фильма небольшой бюджет — лишь $4 млн, что даже по меркам 80-х было весьма скромной суммой. Финансовые ограничения заставили Кэмерона переписать сценарий и перенести основную часть действия в наши дни, хотя по первоначальному замыслу гораздо больше внимания должно было быть уделено мрачному миру будущего. Даже в будущем люди не могут отказаться от своих привычек Хотя главным достижением Кэмерона всегда было то, что несмотря на весьма неглупые мысли, он подавал их ненавязчиво, умело вписывая в яркие по форме, увлекательные кинозрелища. И большинство зрителей почти никогда не задумывается о том, что «Титаник» — фильм о социальном неравенстве и классовой борьбе, «Аватар» — антиамериканское и антиимпериалистическое кино о связи человека с природой, а «Бездна» — уже кино о бездне человеческой природы, где глубоко под алчностью, насилием и жестокостью скрывается малая толика любви. Знаменитый тизер второй части с конвейером по сборке терминаторов И в этом плане особняком стоит «Терминатор-2: Судный день». Сиквел был выпущен через семь лет после оригинала, и мало кто мог поверить, что он будет хотя бы наполовину так же успешен, как оригинальный фильм. Однако Кэмерон, может, и не достиг того же художественного уровня, но смог снять кино, которое воспринимается зрительской аудиторией иногда даже с большим воодушевлением, чем первая часть. Многие даже не акцентируют внимание на содержательной части фильма, будучи поражены мастерской постановкой боевых сцен и впечатляющими для своего года компьютерными эффектами. С одной стороны, «Терминатор-2» продолжает тематику первого фильма о том, что наука, которая должна помогать человечеству, встаёт на путь милитаризма и экономической выгоды, чем только приближает Судный день. Кроме того, не забыта и проблематика фатальности истории, её детерминированности и вопроса, можно ли изменить будущее сегодня, если ошибки совершены в глубоком прошлом. Идея робота из жидкого металла была ещё в сценарии первого фильма, но только к 1991 году технологии достигли такого уровня, чтобы показать его на экране С другой стороны, появляется и новый, прежде не поднятый мотив глубинности человеческих проблем, запрограммированных самой природой. Двойственность человеческой личности всегда была связана с наличием двух полюсов, которые разные культуры называли по-разному: Инь и Ян, Свет и Тьма, Мужское и Женское. Можно свести это к цивилизованной Человечности и Животному началу, жаждущему крови и подверженному самоуничтожению. Вопрос существования насилия вовсе не сводится к тому, что оно навязано извне. Нет, само человечество, будучи деструктивным по своей природе, закладывает в свои творения частичку самого себя. Но если даже робот научился понимать ценность человеческой жизни, то возможно, когда-нибудь и человечество сумеет оценить её. Будущее как никогда туманно. «Судный день» показывает весьма реалистичные последствия ядерного взрыва Забавным годы спустя видится тот факт, что «Терминатор-2» рекламировался таким образом, чтобы скрыть положительную роль Арнольда Шварценеггера, к тому времени уже не игравшего отрицательных героев. Только в поздних трейлерах, вышедших ближе к релизу, авторы раскрывали интригу. Но всё равно первые 20—25 минут фильма смонтированы таким образом, что зритель, ничего не знающий о фильме, но видевший оригинальную картину, на секунду мог прийти в замешательство. Правда, мне более занимательным видится сентиментальный финал, в котором Терминатор вынужден пожертвовать собой. Обретя человечность, он погибает ради будущего всего человечества. Вовсе не светлого, но с надеждой на свет в конце туннеля. Данный жертвенный финал Кэмерон впоследствии повторил в «Титанике» и «Аватаре» — пусть и с несколько иными, хоть и похожими мотивами. Ник Стал в роли Джона Коннора — тотальный мискаст К несчастью, писать что-либо о третьем фильме не хочется. «Терминатор-3: Восстание машин» — типичная вымученная голливудская продукция, которую пытались начать снимать чуть ли не сразу после выхода сверхуспешного второго фильма, но предпроизводственные проблемы и постоянные правки сценария оттягивали дату выхода фильма до такой неизбежности, что становилось очевидно: удача маловероятна. Так оно и вышло. Фильм Джонатана Мостоу — высокобюджетная жвачка, летний блокбастер без души. Заметно постаревший Шварценеггер, иногда удачно использующий самоиронию. Совершенно неадекватный Ник Стал в роли Джона Коннора, который предстаёт наркоманом и бродягой без каких-либо лидерских качеств. По большей части приземлённый плоский юмор. Полное отсутствие логики в действиях машин, при этом предельно шаблонный, максимально прямолинейный сценарий. Трейлер Да и почему-то исчезла вся антиутопическая линия предыдущих фильмов, превратившись во всего лишь неизбежный апокалипсис, в котором человеческий фактор сведён к минимуму. Вся моральная проблематика дилогии Кэмерона была пущена под откос ради дорогих взрывов и компьютерных эффектов. При этом даже как зрелищному боевику фильму не хватает постановочного таланта режиссёра. Кэмерон намеренно продлевал кадры и обильно использовал технологию стедикам, чтобы зритель действительно убедился, что киборги во время драки между собой проламывают стены, а вертолётная погоня ближе к финалу второй части и вовсе поражала зрителя своей правдоподобностью; а тут правят бал хаотичный монтаж и обилие компьютерной графики. Операторская работа Шейна Хёрлбата — первое, чем запоминается «Да придёт спаситель» Но каким бы ни был результат, денег он принёс немало, чем стёр грань между лос-анджелесскими зашибателями вечнозелёных и SkyNet. Потому четвёртый фильм стал вопросом времени. И опять производственные проблемы, осложнённые тем, что был украден сценарий фильма. А раскрытие многих сюжетных поворотов привело к тому, что студия настояла на переписывании сюжета почти с нуля. Конечно, это не пошло фильму на пользу. Но на фоне откровенной голливудской залипухи Мостоу, произведённой исключительно ради спецэффектов, «Терминатор: Да придёт спаситель» Макджи смотрится выигрышно. Создатели, поняв, что идея с отправкой киборгов из будущего в прошлое, чтобы изменить будущее, себя окончательно исчерпала, обратили свой взор на собственно войну людей и машин. И в принципе, это нужно было сделать ещё в неуместной третьей серии. Для создания эффекта ядерной зимы, при которой в воздухе почти нет солнечного света, киноплёнку специально обработали, чтобы изображение было выцветшим и белёсым Сюжет, в целом почти не имея особой оригинальности, просто пытается подогнать историю под приквелы, в нужные моменты включая весьма занимательные эпизоды действия. И они, стоит признать, получились куда лучше, чем в предыдущем фильме. При этом лента Макджи так же местами переполнена излишними экшен-сценами, но хотя бы не испорчена дурным монтажом. Боевые эпизоды в трактовке Макджи даже могут напомнить такие ленты, как «Спасение рядового Райана» Стивена Спилберга или «Падение „Чёрного ястреба“» Ридли Скотта. Возможно, клипмейкерское прошлое постановщика стало причиной визуальной экспрессии, которая предстала перед зрительским взором. Официальный трейлер Жаль, что вся идейная часть про противостояние разума и сердца немного скомкана, не до конца развита. Такое чувство, что продюсеры, испугавшись негативных отзывов об утёкшем в сеть сценарии, потеряли яйца. А ведь история четвёртого фильма — это «Метрополис» Фрица Ланга на новый лад. И там, где Ланг наивно пытался примирить разум и сердце, пролетариев и буржуазию через любовь, пламенный мотор в груди Джона Коннора мог стать примирительным актом между людьми и машинами, наконец попытавшимися найти общий язык. С другой стороны, сейчас известно, что Макджи планировал снять трилогию, потому нет ничего удивительного в том, что фильм обрывается на полуслове. Тяжело поверить, что Кайл Риз посещал качалку После неудовлетворительных зрительских отзывов о четвёртом фильме казалось, что больше к серии «Терминатор» не вернутся. Пока пару лет назад молодой продюсер Дэвид Эллисон — основатель студии Skydance — не решил возродить серию. Первоначально планировалось, что новый «Терминатор» будет полным перезапуском всей серии. Таким модным нынче ребутом, он же перезагрузка. Но итоговый результат получился гораздо более причудливым. Ведь на поверку оказалось, что «Терминатор: Генезис» — это одновременно и ремейк, и сиквел, и перезапуск, и отчасти самостоятельный фильм, если такое вообще возможно в мире киносериалов. «Генезис» не гнушается паразитировать на классических образах Режиссёр Алан Тейлор сильно расстроился от того, что продюсеры раскрыли сюжетные повороты в трейлере, ведь по его задумке все твисты должны были сохраниться в секрете до премьеры. Но всё же он смог сделать местами весьма увлекательное зрелище. Пусть это скорее удовольствие постыдное, и от обилия двухчасового нон-стоп-экшена под конец начинает рябить в глазах. Что неудивительно, учитывая наличие в сценаристах автора «Сумасшедшей езды» Патрика Люссье. Дублированный трейлер Зато авторы нового фильма наконец вернулись к теме проникновения технологий в человеческую жизнь. И пусть многих смутившая по рекламным материалам линия с полным изменением событий оригинальных фильмов здесь вполне доходчиво объяснена квантовой запутанностью, интересен скорее мотив, в котором создатели приравнивает Google, Microsoft и Apple к империям зла. Сегодня те, возможно, даже искренне (трудно поверить!) стараются на благо человечества, но своими благими намерениями опутать всю человеческую жизнь единой экосистемой на самом деле оказывают медвежью услугу. Сегодня человечество контролирует свои творения, но этот порядок ведь не является вечным, и когда-нибудь весь мир, где каждый человек добровольно выдал данные о себе в сеть, кардинально сменит полюса. Создатели задумались о том, что было бы, кабы Т-800 оказался вынужден жить в нашем мире после того, как выполнил задание. Оказалось, что он бы стал семейным человеком. Смешно, но точно такой же ход был в сериале «Хроники Сары Коннор» и в последующих «Тёмных судьбах» С другой стороны, мультивселенные и квантовая неопределённость давно уже стали признаками сценарной импотенции. Не можешь придумать интересное объяснение — всегда можно списать всё на существование параллельных вселенных и квантовую физику. И умно, и никаких сюжетных дыр формально нет. К счастью, в случае с «Генезисом» зрителей не удалось обдурить, и картина с громким треском провалилась в прокате, хотя авторы опять собирались снимать целую трилогию. Да и многие фанаты впоследствии напомнили, что сюжет «Генезиса» позаимствован из мало кому интересного сериала «Хроники Сары Коннор». Тогда на секунду показалось, что продюсеры наконец перестанут доить франчайз о Терминаторе и оставят войну людей и машин в покое. Не робот, женщина-киборг Но уже в январе 2017 года появились слухи (вскоре подтвердившиеся), что как только в 2019 году Кэмерон вернёт себе права на серию, он снова перезапустит киноцикл. Во второй раз подряд. Как будто предыдущего было мало. Правда, многие с энтузиазмом восприняли возвращение Кэмерона, не обратив внимания, что он не собирался занимать режиссёрское кресло. Вместо него на этом посту оказался постановщик низшего звена Тим Миллер, знакомый зрителям по «Дэдпулу». В общем, уже в мае этого года был представлен трейлер, и энтузиазм многих справедливо угас. А выход самого фильма погасил последние надежды. Тим Миллер был режиссёром второй группы, занимавшейся спецэффектами на «Генезисе». Тем удивительней то, что в «Тёмных судьбах» настолько плохая и постоянно режущая глаз компьютерная графика Честно говоря, не очень понятно, зачем было обещать перезапуск с отрицанием трёх предыдущих сиквелов, один из которых так же отрицал два предыдущих, чтобы в итоге сделать фильм, который почти полностью состоит из компиляции идей, которые уже были показаны в «Восстании машин», «Да придёт спаситель» и «Генезисе». Единственная оригинальная задумка связана с тем, что роль личности не так уж и важна, и у любого Джона Коннора всегда найдётся подмена. Но при таком подходе задаёшься вопросом: «А зачем тогда вообще кого-то отправлять в прошлое, если всё равно найдётся другой лидер?» Да и в принципе логика нового аналога SkyNet вызывает большие вопросы. В оригинальном фильме страх ядерной войны подхлёстывался новостными заголовками из нашего мира, в котором после прихода Рональда Рейгана на пост президента США начался новый виток «холодной войны» — возможно, самый жаркий. Но зачем люди запустили ядерные боеголовки, чтобы уничтожить искусственный интеллект в местном варианте будущего, для меня остаётся неразрешимой загадкой. Трейлер «Тёмных судеб» Зато лично для себя я понял, почему современные голливудские боевики вообще не вызывают во мне никакого выплеска адреналина или хотя бы банального волнения. Раньше, когда я брал голливудский экшен на видеокассете, то не знал, будет он хорошим или плохим, но почти всегда был уверен, что в фильме будет автомобильная погоня с пиротехникой и парочкой разбитых авто, иногда весьма дорогих, а каскадёры действительно рисковали своими жизнями ради съёмок в преимущественно второсортных картинах. Но при просмотре «Тёмных судеб» первое, что бросается в глаза, — то, что погони почти полностью нарисованы на компьютере, как и взрывы. Актёры неестественно прыгают и летают в кадре, но нет ощущения, что кто-то из них действительно мог погибнуть или покалечиться во время съёмок. В Голливуде разучились рисковать жизнями ради искусства. Окинув взглядом историю серии, задаёшься вопросом: «Можно ли скрыться от вездесущего прогресса?» Пожалуй, нет. Да и зачем? Ведь можно попытаться обуздать его, очеловечить. Фатализм не свойственен человечеству.
  18. Всё, что сделано здесь для фанатов, вызывает даже не раздражение, а именно скуку. Надоело. Предыдущий «Терминатор» был ультимативным фанфиком, и после него на фразах «Я вернусь» и «Хочешь жить, иди со мной» хочешь только закатывать глаза. Кэмерон должен был вернуть права себе только затем, чтобы больше фильмов про терминаторов не снимали. «Тёмные судьбы» — кино, в котором есть свои моменты, но без которого можно было обойтись. Он не так плох, как может показаться, но выглядит как добивание франшизы человеком, который её создал. Новый фильм, как и третья часть, идёт по безопасному пути самоповтора. Снова главные герои убегают от монстра из будущего, чтобы предотвратить восстание машин и спасти человечество. Это так называемый мягкий перезапуск, т.е. одновременно римейк и продолжение — ещё один голливудский тренд, должный реанимировать старые бренды, и «Тёмные судьбы» — его хороший пример. Как «Пробуждение силы» или «Мир Юрского периода», он состоит из немного переписанных классических сцен, между которыми фан-сервис и отсылки. Это первый и второй «Терминатор» в одном, где поменялись только некоторые тональности. Это одновременно прощание и попытка начать что-то новое — ту самую трилогию, о которой заикнулся сам Кэмерон. Тот самый Кэмерон, который не может завершить миллион давно обещанных «Аватаров». Но даже копипаст получился неловкий. Слишком много времени прошло со второй части, слишком мы устали от этих фанатских приколов, слишком многое нужно объяснять. Почему нет Джона Коннора? Ну, не дожил. Разводим руками. Слишком толстый стал для камео. Слишком не в форме, чтобы спасать нового Спасителя. Уже лучше старая Гамильтон. Она будет играть ту же Сару Коннор. Коннор, в том же бронежилете всю дорогу. В итоге, впрочем, это не столько бесстрашная женщина, сколько немного поехавшая алкоголичка. А ещё Шварценеггера надо вставить. Причём нужно объяснить, как он вернулся, как дожил до седин, почему снова добрый, и поэтому авторам нужно выкручиваться снова, и простая история одного фантастического допущения обрастает дюжиной фантастических допущений. И главное, не забыть написать дедушке реплику, после которой его можно больше не приглашать. Это стремление копировать сразу две части вылилось в креативный дебилизм: злой терминатор — это симбиоз Т-800 и Т-1000, а солдат Грэйс из будущего — одновременно Кайл Риз и Арнольд из «Судного дня». Вообще всё, что сделано здесь для фанатов, вызывает даже не раздражение, а именно скуку. Надоело. Предыдущий «Терминатор» был ультимативным фанфиком, и после него на фразах «Я вернусь» и «Хочешь жить, иди со мной» хочешь только закатывать глаза. Перебранки между Арни и Гамильтон забавные, но немного натужные. Эпизод в доме Т-800 — ситком, который балансирует между милотой и маразмом. Но Миллер всё-таки хороший режиссёр. У него есть чувство темпа, он умеет шутить. Иногда каким-то образом ему удаётся смешить, несмотря ни на что, и у него захватывающие экшен-эпизоды, если не считать ну совсем уж затянутый момент с самолётом, где копируют то ли «Форсаж», то ли «Команду А». В конце концов ему удалось найти какой-то нерв в финальную битву, которая повторяет «Судный день», но в менее мрачной и более балаганной манере. Есть там небольшое, но волнение и сопереживание. Но снова машина поняла человеческие чувства, снова оказалась в чём-то лучше и мудрее нас всех. Только сейчас уже на фоне не трагедии, а фарса. «Тёмные судьбы» увлекательные вопреки своей вторичности и глупости, но это не то, что было нужно. Нужна была смелость, а новое кино — обычная трусость. Какой-то фильм «Логан» во многих смыслах куда более правильное продолжение «Терминатора», чем «Судьбы». Там ведь похожая история как по структуре, так и по смыслу. Похожая по духу. Тоже в первую очередь про отношения: как машина убийства заменила отца и обрела человечность. «Терминатор 2» был фильмом про воспитание характеров. Про взросление. Фильмом про людей. Как в любой хорошей фантастике, там фантастика стала исключительно антуражем в атмосферном путешествии героев к осознанию самих себя. Такого в «Тёмных судьбах» нет, и поэтому оно — не больше, чем развлечение. Среднее кино, которое также никогда не примут за канон, пускай Кэмерон хоть миллион раз пропишет себя в титрах. Если продолжаете великое кино — делайте тоже великое кино. Это работает только так.
  19. «Джокер» оставляет звенящую опустошенную тишину. В нем есть хорошие шутки, но нет ни одного светлого момента. Ни одного проблеска надежды. «Джокер» оставляет звенящую опустошенную тишину. В нем есть хорошие шутки, но нет ни одного светлого момента. Ни одного проблеска надежды. Он заставляет жалеть одного из главных злодеев в популярной культуре и сопереживать ему, одновременно вызывая стыд у тебя самого, потому что в новом переосмыслении Джокера его создали не химикаты, он не появился из ниоткуда как олицетворение хаоса, а оказался порождением самого общества. Героем, которого оно заслужило на самом деле. Настоящим мстителем. Это кино авторское, приземленное и самостоятельное, несмотря на какие-то узнаваемые комиксовые упоминания и даже каноничный момент с бусами Марты Уэйн. Желательно, конечно, знать контекст: что фильм снят бывшим режиссером комедий, который заявил, что сегодня невозможно делать хорошие комедии, ибо теперь принято на все обижаться. Целая культура такая: оскорбиться и заодно повредить чьей-то карьере. А комедия не может не обижать. Она должна смеяться над некомфортными вещами, считает режиссер «Джокера» Тодд Филлипс. Эта позиция читается во всем фильме, который, если отбросить все комиксовое, рассказывает про кризис в обществе и про комика, у которого не получается быть комиком. Которого окружают лицемеры и которого не слушают. То есть тут много личного. И Филлипса, по иронии, гнобят за его мнение точно так же, как гнобят Джокера в самом фильме. Притом кино абсолютно зрительское. Оно тяжелое, но работающее по всем драматургическим принципам развлекательного кино. И это отличный комикс, где парадоксальным образом комикс только антураж. То есть это всего лишь способ достучаться до современного зрителя, который в массе своей смотрит только комиксы, даже если они называются «Хоббс и Шоу» или «Джон Уик». Но за этой маской скрывается зрелая драма из лучших времен Голливуда, когда тот ничего не боялся или, по крайней мере, боялся в меньшей степени, чем сейчас. Когда не боялся кого-то обидеть. Не боялся быть злым и провокационным. А «Джокер» именно такой. Заряженный ненавистью, которая передается залу, потому что ненависть эта имеет право на существование. Потому что злость, которая постепенно охватывает героя, понятна многим из нас. Можно спорить с пессимистичной точкой зрения автора, но глупо спорить насчет мощной режиссуры и фантастической операторской работы, насчет феноменального преображения Хоакина Феникса и насчет того, что это кино уровня того самого «Таксиста», на которое оно равняется и которое частично цитирует. В каком-то смысле оно уходит дальше «Таксиста». Позволяет себе быть чуть более фэнтезийным в финале, но оттого и более радикальным. Сюжетная арка Роберта Де Ниро и само присутствие актера добавляют этому постмодернистский и явно не случайный подтекст. Но именно таким и должен быть серьезный кинематограф. Тот самый, который делает Мартин Скорсезе или Дэвид Финчер и который сегодня стремительно исчезает из кинотеатров. Самое ироничное, конечно, что это антимарвеловское кино, с его социальным подтекстом, с его бесконечной злостью в адрес общества и киноиндустрии, никогда бы не появилось, не заведи мы сами себя в данный тупик, сделав самым кассовым фильмом всех времен «Мстителей 4». Как готэмцы, которые создали Джокера.
  20. В честь выхода девятого фильма Квентина Тарантино «Однажды... в Голливуде» в российский прокат захотелось обратить взор на фильмографию этого выдающегося постановщика, который каких-то 25 лет назад встряхнул мир кино своим шедевром «Криминальное чтиво». Весёлое кино с хлёсткими диалогами и чёрным юмором при этом было не лишено визионерского лоска, необычной кинематографической структуры и философского подтекста. Этот фильм смог достучаться как до массовых любителей летних блокбастеров, так и до ценителей интеллектуального кино и самых привередливых кинокритиков. Конечно, с тех пор прошло немало времени и многое изменилось, но до сих пор каждый новый фильм режиссёра — это событие. Как и в случае с Джоном Карпентером, я решил ранжировать фильмы Тарантино от худшего к лучшему. И предупреждаю, если ещё не смотрели его киноленты, то лучше предварительно ознакомиться с ними, так как возможны то небольшие, то важные спойлеры (иначе рассказать об этих фильмах не получится). В честь выхода девятого фильма Квентина Тарантино «Однажды... в Голливуде» в российский прокат захотелось обратить взор на фильмографию этого выдающегося постановщика, который каких-то 25 лет назад встряхнул мир кино своим шедевром «Криминальное чтиво». Весёлое кино с хлёсткими диалогами и чёрным юмором при этом было не лишено визионерского лоска, необычной кинематографической структуры и философского подтекста. Этот фильм смог достучаться как до массовых любителей летних блокбастеров, так и до ценителей интеллектуального кино и самых привередливых кинокритиков. Конечно, с тех пор прошло немало времени и многое изменилось, но до сих пор каждый новый фильм режиссёра — это событие. Как и в случае с Джоном Карпентером, я решил ранжировать фильмы Тарантино от худшего к лучшему. И предупреждаю, если ещё не смотрели его киноленты, то лучше предварительно ознакомиться с ними, так как возможны то небольшие, то важные спойлеры (иначе рассказать об этих фильмах не получится). «Однажды... в Голливуде» / Once Upon a Time in Hollywood (2019) К сожалению, вынужден начать с рассказа о самой свежей киноленте режиссёра-сценариста, ставшей поводом для статьи. «Однажды... в Голливуде» — худшая картина Тарантино, на мой скромный взгляд. И не важно, что в кассовом смысле она самая успешная. Возможно, это единственный фильм Тарантино, который скучно смотреть, несмотря на его явную мейнстримную направленность: всё время только и думаешь о том, что половину сцен можно было бы смело выкинуть на монтаже. Да, вроде бы все фишки постановщика на месте: тут и философская борьба с течением времени, и постмодернистская игра со штампами, и обильное цитирование поп-культуры, и уже привычный саундтрек из поп-хитов прошлого, и неплохая стилизация под старое кино (в случае последней нужно благодарить оператора-постановщика Роберта Ричардсона). Но несмотря на всё вышесказанное, фильм получился каким-то бессмысленным в рамках тарантиновской фильмографии. И самыми лишними на этом празднике жизни видятся персонажи, основанные на реальных личностях: Шэрон Тейт, Роман Полански, Брюс Ли, Стив Маккуин, да и появляющийся на несколько секунд Чарльз Мэнсон. Они мало того что никак не продвигают и без того намеченную пунктиром историю, так ещё и вызывают дискомфорт, ибо почти никто из них не похож на свой прототип, а кое-кто выглядит как язвительная пародия. Особенно кажущаяся наивной дурочкой Тейт в исполнении Марго Робби и высокомерный Ли в исполнении Майка Мо. Понимаю, что всё это очень субъективно, но мне было неловко, когда я видел этих дурных клонов-дублёров, в общем, хороших актёров (ладно, Тейт не успела толком нигде сняться, но её судьба от этого не стала менее трагичной) и одного режиссёра. Хотя понимаю, что для публики, не знакомой со старым кинематографом, это всё пустые слова. А финальная кровавая резня при таком повороте и вовсе выглядит неуместной, притянутой за уши. Главное, если бы Тарантино обошёлся вымышленными героями, то ничего бы в корне не изменилось. Более того, при просмотре у меня появилась мысль, что если вырезать все сцены с участием героев, основанных на реальных персонажах, оставив только финальное присутствие Тейт как голос в домофоне дома по соседству, то картина только выиграла бы. Не было бы неуютного чувства, что Тарантино почём зря прошёлся по этим личностям (верю, что он хотел их так уважительно почтить, но ничего у него не получилось), а кроме прочего в фильме бы появился неожиданный сюжетный поворот. Трейлер Но фильм в принципе страдает от того, что идёт почти три часа. Смерть монтажёра Салли Менке сильно ударила по Тарантино. Все три последних фильма страдают от неуместных длиннот и излишних сцен. Да и Фред Раскин — нынешний монтажёр Тарантино — явно не чувствует ритм. Но если в «Джанго освобождённом» было занудное начало, а в «Омерзительной восьмёрке» — излишне затянутый финал, который вместо 10—15 минут тянулся добрых 40, то тут кажется, что весь фильм состоит из таких затянутых сцен, лишённых былого драйва. Интересно, хоть название явно позаимствовано у Серджо Леоне («Однажды на Диком Западе», «Однажды в Америке» и «За пригоршню динамита», который вышел в США под названием «Однажды во время Революции»), фильм больше похож на попытку сыграть на поле Роберта Олтмена. Никакого эпического духа или мифологичности, свойственной Леоне или прежним фильмам Тарантино, за исключением финальной резни, тут нет. Наоборот, мне всё напомнило какую-то неудачную попытку снять нечто в духе «Игрока» или «Короткого монтажа» вышеназванного Олтмена. Это не значит, что у «Однажды… в Голливуде» нет удачных моментов. История никому не нужного в Голливуде Рика Далтона (Леонардо Дикаприо) — телезвезды 50-х годов, снимающегося в какой-то смеси спагетти-вестерна и ревизионистского фильма в духе Сэма Пекинпа, — имела неплохой потенциал. Если бы весь фильм был про него, конечно. Тем более его персонаж — единственный, которому Тарантино написал хоть какой-то характер. Спивающийся, возможно, больной раком лёгких, самовлюблённый, неприятный в быту актёр-одиночка, который преображается на экране вопреки всему. Правда, кроме девочки и бармена остальные актёры в этом эпизоде сыграли как-то совсем комично, никак не поддерживая реалистичный образ Дикаприо. А в напарниках у него не меньший неудачник — хиппующий каскадёр Клифф Бут, которого сыграл Брэд Питт. Кажется, что старый Голливуд умрёт вместе с ними, но... Прочитав немало рецензий на этот фильм, пытаясь понять, что же людям понравилось в нём, я обнаружил весьма странный тренд. И критики, и зрители массово пишут о том, что этот фильм — дань уважения старому Голливуду. Более того, Тарантино якобы пытается переписать историю и спасти старый консервативный Голливуд, хотя бы в кино. На мой взгляд, это в корне неверное утверждение. Да, Тарантино, как обычно, в сложных отношениях со временем и историей, но уж чем он тут явно не занимается, так это защитой консервативного мира 60-х и умирающего классического Голливуда. Всю свою жизнь во всевозможных интервью он только и повторяет, что поздние фильмы старого Голливуда были никому не нужны и зрители считали их «старьём» чуть ли не в день премьеры. А «новый Голливуд», который начался с робких попыток в 1967 году («Бонни и Клайд» Артура Пенна, «Выпускник» Майка Николса, «Долина кукол» Марка Робсона), расцвёл в 70-х и обрушился под наступившей эрой «летних блокбастеров» в начале 80-х, Тарантино считает лучшим периодом в истории кинематографа — как минимум американского. Причём он эту мысль повторил и в своём недавнем интервью по приезде в Россию. Интервью, данное во время недавнего визита в Москву Потому было крайне удивительно читать все эти опусы. Как будто я смотрел совсем другое кино, которое показали лично мне. Причём два раза, ведь я даже дал фильму второй шанс и сходил на сеанс с субтитрами, который неожиданно организовали и в нашей провинции. Почти весь фильм Тарантино, любовно воссоздавая реальность Лос-Анджелеса из своего детства, посмеивается над последними деньками старого Голливуда. Даже главный герой Рик Далтон — это угасшая телезвезда, который неожиданно пробивается из грязи в князи, сыграв в итальянских спагетти-фильмах, а его дублёр — ветеран войны, скорее всего, в Корее, судя по возрасту персонажа. Чем это не своеобразная извёрнутая аллюзия на Клинта Иствуда — одного из героев именно «нового Голливуда», который из актёра второсортных телесериалов стал одним из важнейших актёров и режиссёров нового поколения? К слову, он ветеран Корейской войны, в 50-х бывший сторонником Эйзенхауэра и Республиканской партии, но после того как оная стала поддерживать откровенно расистские порядки южных штатов, забыв обо всех своих предвыборных обещаниях, Иствуд разорвал все отношения с ней и, несмотря на своё реноме крутого мачо, из-за которого его многие считают жутким консерватором, стал одним из главных демократов и борцов за справедливость в Голливуде. При этом не боящимся быть предельно честным в собственных высказываниях. Хотя, конечно, это не единственная деталь «нового Голливуда», которую пытается воспеть режиссёр-постановщик. Одной из главных особенностей того времени было то, что большое кино люди смотрели всё меньше и меньше, зато телевидение стало тем, что притягивало людей к экрану. Именно из ТВ вышли многие будущие звёзды нового поколения, как среди актёров, так и среди режиссёров, сценаристов и представителей других кинематографических профессий. Американское ТВ 60-х стало местом, где не чурались экспериментов, в отличие от излишне консервативного старого Голливуда «золотой эпохи», как его тогда называли. Однако эффектней всего контраст передан через визуальную стилизацию. Большая часть фильма снята с явной попыткой воссоздать знаменитые цвета системы «Техниколор», которая придавала человеческой коже оранжевый оттенок, в то время как ночные сцены были излишне синими. Но в начале 70-х производители киноплёнки совершили прорыв и научились воспроизводить цвета, близкие к реальным; наиболее известна, разумеется, плёнка фирмы «Кодак» со своим еле заметным зеленовато-синим оттенком. И что мы видим в фильме? Финальные полчаса сняты по цветовой гамме именно так, как выглядели фильмы того времени. Больше никаких «оранжевых» лиц, только лёгкий серо-зелёный отлив, который большинство зрителей даже не приметит. То есть даже в пространстве «Однажды... в Голливуде» наступает новая эра, и именно внутри неё и происходит расправа над ребятами из Семьи. Но именно поэтому лично мне кажется, что данная сцена совершенно неуместна и нелогична. Очевидно, что Тарантино не пытается спасти «золотую эпоху» Голливуда. Да и Шэрон Тейт (прославившаяся ролью порноактрисы в «Долине кукол» — фильме, невозможном в старом Голливуде) с Романом Полански (на тот момент снявшим скандального «Ребёнка Розмари», который стал кассовым хитом и вызвал бурю негодования консервативной христианской публики) никакого отношения к нему не имеют. Вдобавок сами жители коммуны с киноранчо Спэн цитируют фильм Роба Зомби «Изгнанные дьяволом» и ведут диалоги в духе героев фильма «Прирождённые убийцы» Оливера Стоуна. Если вы не помните, то фильм Стоуна был снят по сюжету Тарантино; в нём молодая безбашенная парочка устраивала кровавую резню на дорогах Америки, аргументируя это тем, что именно кино и ТВ научили их убивать с самого детства. И все эти детали делают комедийный чёрноюморной финал «Однажды… в Голливуде» каким-то нелогичным. Он забавен как вставная сцена, но совершенно не нужен фильму как целостному произведению. Разве что у Тарантино какая-то личная детская обида на Чарльза Мэнсона и его Семью. «Бесславные ублюдки» / «Безславные ублютки» / Inglourious Basterds (2009) И хотя в этом фильме Тарантино продолжает свою тему кинореальности, неподвластной времени, всё-таки фильм получился крайне неровным и, неожиданно, не очень удачно смонтированным. Впечатляющий пролог сменяется нудным не смешным дуракавалянием Альдо Рейна в исполнении Брэда Питта, а едкая ироничная сцена с подготовкой к премьере под песню Cat People Дэвида Боуи, в которой лирическая героиня тушит пожар с помощью бензина, — совершенно вялым допросом Ганса Ланды (главное открытие фильма — австрийский актёр Кристоф Вальц), который почему-то лишён того драматического напряжения, который был в прологе с его же участием, хотя казалось бы. Фильм вызывает у меня странные эмоции. Мне безумно нравятся почти все эпизоды с участием Шошанны и Ланды, но как только на экране появляется банда евреев-мстителей под управлением каскадёра Рейна (очередное тарантиновское признание в любви к кинотрюкачам), фильм быстро наскучивает. Да и финальная расправа над самим Гитлером кажется бессмысленной, ведь кинотеатр всё равно сгорит дотла. Вообще, для жанра альтернативной истории в духе трэш-фильмов 70-х «Безславные ублютки» (такой перевод, с явными ошибками, как и в оригинальном названии, был бы логичнее) местами слишком серьёзны и напоминают ленты Серджо Леоне, но в других сценах фильму не хватает безумия, которое есть, например, в фальшивом трейлере Роба Зомби в «Грайндхаусе». А эти неравноценные по стилю и жанру части и вовсе не склеиваются друг с другом. «Омерзительная восьмёрка» / The Hateful Eight (2015) Восьмой с половиной фильм Тарантино (не забудем недоснятый и почти не сохранившийся ранний киноопыт «День рождения моего лучшего друга»), конечно, не удивляет. Опытный мастер, шокировавший зрителей в 1994 году беспрецедентным шедевром абсолютного, тотального кино — «Криминальным чтивом», не видит нужды изобретать велосипед, для того чтобы доказать всем, что «Чтиво» не было случайностью. Он давно это сделал, сняв свой второй шедевр — синефильский эпос «Убить Билла». С другой стороны, он немного пробуксовал в XXI веке, сняв неудачный для себя (!) фильм «Бесславные ублюдки», в котором так и не было найдено гармонии между пародийной комедией и серьёзной военной драмой. Последовавший за ним «Джанго освобождённый», с одной стороны, находил выход из определённого творческого тупика, а с другой — смущал первой половиной хронометража: она была совершенно ненужной для истории Джанго-Зигфрида и освобождения его возлюбленной Брумхильды. И в «Омерзительной восьмёрке», своеобразном тарантиновском парафразе знаменитого фильма Джона Стёрджеса, кажется, был найден тот самый баланс. Несмотря на кажущиеся внушительными три часа хронометража (в 70-мм версии картины все три с половиной!), время пролетает незаметно. Да, многие по-прежнему могут упрекать американского мастера в его увлечении киноцитатами, эффектным саундтреком, уловками с экранным временем, смешением жанров, комедийными эпизодами (к счастью, без откровенной пародии). Но кто мы такие, чтобы отказать человеку в его праве быть самим собой? Одно дело бесчисленные подражатели, и совсем другое — сам отец-основатель, поп-философ из видеопроката. Интересно, а кто-нибудь сравнивал Тарантино с другим киноманом и философом постмодернистско-марксисткого направления Славоем Жижеком, чья тяга к простонародному выражению собственных мыслей часто играет против него? Ведь всем приятно думать, что философы — это такие серьёзные мужи, озабоченные думами о Великом и Прекрасном, не способные оценить простые радости плебса. Полный текст рецензии можете прочесть в одном из прошлых выпусков «Игрового кино»: «Доказательство смерти» / «Смертестойкий» / Death Proof в рамках проекта «Грайндхаус» / Grindhouse (2007) реж. Роберт Родригес, Квентин Тарантино при участии Роба Зомби, Эдгара Райта, Элая Рота «Грайндхаус» — это чистая магия кино, раскрытая двумя американцами с присущим им юмором. При этом очень обидно, что довольно продуманная идея со сдвоенным сеансом была не просто загублена в Европе разрезанием ленты две части, но даже более того, фильмы вышли в неправильном порядке, лишившись ряда кинематографических гэгов, разрушавших кинореальность и одновременно являвшихся той самой магией, её создающей. Да и рассказывать о них по отдельности я считаю в корне неверным. Вот и фильм начинается с откровенно стёбного трейлера несуществующего на тот момент фильма «Мачете» с совершенно дикой завязкой, при этом настраивающей зрителя на нужный лад. А следующий за ним забавный титр с котятами, сопровождающийся фразой, что фильму присвоен рейтинг X, есть не что иное, как подлинный обман зрителя. Вот и вся «Планета страха» воспринимается не как жестокий боевик ужасов, хотя с жутким гримом и кровью это могло бы и стать препятствием, а как весёлый разухабистый стёб. Зритель хочет поверить, что это реальность, но авторы постоянно напоминают, что это всего лишь кино. Каким бы натуралистично жёстким оно ни прикидывалось. Исцарапанная вусмерть плёнка как главный зазор. Она всегда с нами. Она отсылает нас в прошлое, сам фильм обращается скорее в ближайшее будущее, но настоящего между ними так и не создаётся. И зритель оказывается в этой чарующей пограничной ситуации, где воскрешения, попрание законов физики или неожиданно сгоревшая плёнка являются безусловным условием существования. И вовсе не случайно, что после титров мы видим, как погибший в ходе действия герой неожиданно живёт в новом мире, доказывая, что в кино возможно всё. Даже жизнь после смерти. А героиня Роуз Макгоуэн спокойно появляется в той же самой роли в «Смертестойком» Тарантино. И у неё вновь отрастает нога, а сама она погибает, несмотря на явные намёки, что «Планета страха» хронологически является сиквелом. Ведь кинореальность живёт по своим правилам. И тот, кто вчера был мёртв, сегодня будет жить. Вот и вторая половина «Грайндхауса», которую предваряют ещё три фальшивых трейлера, где перемешаны нацисты-оборотни, загадочные дома-убийцы и орудующие на День благодарения маньяки, оказывается ловкой попыткой разрушить любую связь зрителя с изображением и той реальностью, в которой он ежедневно живёт. При этом внутри данного фильма внутри фильма используется двухчастная система. Первая половина ленты скорее продолжает стёбный дух «Планеты страха» с его признанием в любви к малобюджетному эксплуатационному кино 70-х — 80-х годов, пусть и приправленный фирменными фишками Тарантино. К слову, о фишках: через всю ленту проходит тема о «бесполезных талантах» молодых барышень, которые «не знаешь, когда могут пригодиться», потому не помешает их подсчитывать. Но ведь именно в этих маленьких «бесполезных талантах» часто кроется автор. И Роберт Родригес с Тарантино с экрана как бы призывают других режиссёров не бояться своих маленьких фишек и использовать их как достоинство; два кинодела сами это с превеликим удовольствием демонстрируют, превращая небольшие умения в свои главные достоинства. Вторая же половина «Смертестойкого» является подлинным уничтожением атмосферы старого кино. Зритель наблюдает переходный период чёрно-белого изображения, находящегося на стыке между прошлым и будущим, где ещё не погиб тот самый «смертестойкий» каскадёр Майк (Курт Рассел), но уже родились новые герои. Точнее, героини. Конечно, не в буквальном смысле, а в фигуральном. Это время скорее потустороннее. С того момента, как банка с газировкой падает в лоток, а изображение приобретает цвет, всё меняется раз и навсегда. Старое кино уничтожено. Герои прошлого должны отправиться на свалку истории, чтобы уступить место новым персонажам. Но дух былого будет жить в них благодаря тому багажу просмотренных фильмов из прошлого. И вот вымышленный каскадёр Майк противостоит в неравном поединке настоящему каскадёру Зои (её действительно сыграла каскадёр Зои Белл, с которой Тарантино познакомился на съёмках «Убить Билла», где она была дублёршей Умы Турман). Конечно, он не сможет победить в этом триумфе феминизма, где у каждой юной особы есть целый вагон талантов. Времена, когда можно было без задней мысли просто развлекать людей, ушли. Искусство съело само себя и породило кино, основанное на кино. Реальность, основанную на вымысле. Диалоги, построенные на цитатах и отсылках. Но всё равно никто не умирает по-настоящему. Вот и в ловких титрах под весёлую французскую песню, написанную Сержем Генсбуром, с текстом примерного содержания: «Папочка, хватит гоняться за цыпочками, а то в следующий раз тебе не хватит клея, чтобы склеить себя после того, как они разорвут тебя на части» мы помимо самих титров наблюдаем фотографии героинь в юном возрасте, перемежающиеся с кадрами героинь, уже погибших, но «воскресших» благодаря режиссёрскому желанию. В этом и заключается смертестойкость кинематографа. «Джанго освобождённый» / Django Unchained (2012) Тарантино после неплохого, но всё же неудачного для самого себя фильма «Бесславные ублюдки» ненадолго вернулся в форму. Хотя поначалу «Джанго освобождённый» (или, я бы даже сказал, «Джанго, сорвавшийся с цепи») может смутить и даже разочаровать. Ведь первые час-полтора действие, мягко говоря, неровное и очень уж сильно напоминающее худшие моменты «Ублюдков». Например, та же плоская шутка про Ку-клукс-клан, которая, по-хорошему, должна была бы пойти под нож, оставив после себя только налёт под музыку Верди. Да и вообще, за исключением яркого эпизода с отмщением братьям Бриттл и истории о Брумхильде и её Зигфриде, являющихся ключами к основной части повествования, всё это малоинтересно. Но стоит героям перейти во владения, символично названные «Кэндилендом», как фильм резко преображается, уступая место типично тарантиновскому противодействию героев чуть ли не высшим силам. И тут уже становится вовсе не случайной дата «за два года до Гражданской войны», предваряющая фильм. Важный момент, раскрывающий события с точки зрения уничтожения постыдных страниц американской истории назло самому факту их существования. И новоявленный Джанго Фримен (Свободный человек!), спасающий свою Брумхильду, воспринимается уже как легендарный герой «Песни о Нибелунгах», бросивший вызов верховному богу, чтобы уничтожить и чёрного дракона Фафнира, и гору, на которой заключена его возлюбленная, красота которой достойна того, чтобы не бояться ничего и двигаться к цели, несмотря на препятствия, воздвигаемые самой судьбой. При этом главным врагом становится то, что люди прозвали «покорностью». Не зря именно этому аспекту уделено очень много внимания в речах Кэлвина Кэнди (Леонардо Дикаприо), который упорно доказывает, что есть некий «ген покорности», дарованный только неграм. Однако суть в том, что абсолютно все персонажи картины покорились своей судьбе и отказываются что-либо предпринять для изменений, включая самого Кэнди. Все стали слугами друг для друга. Но только истинно освободившийся от хватки Рока способен сворачивать горы во имя Любви. Даже режиссёр будет сметён с его пути. И им, конечно, становится тот, у кого отняли всё, — чернокожий раб. «Кэндиленд» должен быть уничтожен. «Бешеные псы» / Reservoir Dogs (1991) Полнометражный дебют вчерашнего сотрудника кинопроката и неудавшегося актёра Квентина Тарантино. Да ещё и с неграмотно написанным названием. До сих пор никто не знает, что значит фраза «Reservoir Dogs», а Тарантино, поняв, что ему удалось придумать запоминающееся название, скорее всего, по ошибке, так как у него с детства проблемы с правописанием, не спешит раскрывать секрет. Тем более, любая правда будет хуже неразгаданной загадки (хотя наиболее убедительной выглядит версия с «Прощайте, псы» по-французски). К тому моменту Тарантино уже несколько лет пытался писать сценарии, которые отвергались студиями. Во многом из-за того что одним из условий молодой Тарантино ставил то, что студии не просто купят сценарий, но и возьмут его режиссёром, что, конечно, было слишком самонадеянным. Также со своим приятелем Роджером Эвери он попытался снять небольшой независимый микробюджетный фильм «День рождения моего лучшего друга», но во время монтажа в студии случился пожар, и часть материала сгорела, погубив то, что могло бы стать полнометражным дебютом. Незаконченную черновую версию можно найти в сети, а сам фильм Тарантино впоследствии переработал в виде сценария к киноленте «Настоящая любовь». Собственно, и «Бешеные псы» должны были стать точно таким же чёрно-белым фильмом, снятым на 16-мм плёнку за пригоршню долларов с актёрами-любителями. Если бы не Харви Кейтель, которому попался на глаза сценарий. К тому моменту звёздный час Кейтеля уже миновал, но всё же это был более-менее известный актёр, обладавший кое-какими связями в киномире. Так Тарантино получил бюджет, полноценную съёмочную группу, режиссёрское кресло и профессиональных актёров. Помимо ветерана Кейтеля в картине снялись телесериальный актёр Майкл Мэдсен, представитель американского независимого кино Стив Бушеми и довольно известный британец Тим Рот, успевший сыграть в нескольких успешных фестивальных картинах. Правда, на тот момент в США о нём ещё толком не знали, и для него это был дебют за океаном. Сам же Тарантино очень хотел, чтобы в его фильме снялся Джеймс Вудс, который тогда был весьма востребован, но агент актёра посчитал, что гонорар, обещанный за съёмки в этом фильме, слишком мал. Надо сказать, что когда Вудс узнал об этом, он уволил своего агента. Также в кастинге участвовал Сэмюэл Л. Джексон, но ему роли в фильме не нашлось. Зато Джексон настолько впечатлил режиссёра на этих кинопробах, что с тех пор стал постоянным актёром Тарантино. А вы нашли его камео в «Однажды… в Голливуде»? К слову, единственный фильм Квентина Тарантино по которому вышла видеоигра. И не одна! И уже в первой картине Тарантино показал свою тягу к экранным играм с течением времени. История рассказывается через причудливую череду флэшбеков, которые идут параллельно событиям на некоем складе, где пытается пересидеть бучу горстка грабителей. Они понимают, что в ювелирном магазине была засада, а значит, кто-то из своих сдал их полиции, но никто даже не знает имён друг друга и до этого дела они никогда не работали вместе. Потому под подозрение попадает каждый. В общем, простейшая по фабуле криминальная история — которая в руках молодого постановщика стала классикой кинематографа. Причём в этом фильме немало отсылок ко всевозможным картинам прошлого, которые так любит Тарантино, но, пожалуй, это наименее синефильская лента в его карьере. Разве что сильное влияние на стиль фильма оказали тогда ещё бывшие модными гонконгские боевики. История о «кроте» внутри преступной группы отчасти позаимствована из фильма «Город в огне» Ринго Лэма, а персонажи, носящие стильные костюмы, были взяты из фильма Джона Ву «Светлое будущее 2». «Джеки Браун» / Jackie Brown (1997) Единственная экранизация в фильмографии Тарантино. В основу лёг роман Элмора Леонарда «Ромовый пунш» — яркий примёр того самого бульварного криминального чтива и по совместительству любимый роман постановщика. К сожалению, «Джеки Браун» — самый малопопулярный фильм Тарантино. История стареющей стюардессы, которая хочет заработать на пенсию, перевозя наркотики, но быстро оказывается за решёткой, может показаться непривычной для тех, кто знаком только с поздними фильмами Тарантино, но уверяю, этот фильм прекрасно вписывается в его фильмографию. Как и в остальных картинах, Тарантино играет в жанр и создаёт постмодернистский слоённый пирог из подмигиваний, оммажей и цитат. Разве что непривычным выглядит жанр современного неонуара. Причём почти все основные роли в нём отданы возрастным актёрам: звезде блэксплотейшнов 70-х Пэм Грир, актёру второсортных боевиков Роберту Форстеру и, конечно, Роберту Де Ниро, не нуждающемуся в представлении. И надо сказать, что эта троица проявила себя в лучшем виде. Грир получила номинацию на премию «Золотой глобус» за лучшую женскую роль, а Форстер был номинирован на премию «Оскар» за лучшую мужскую роль второго плана. Для обоих актёров это был звёздный час, так как их предыдущие фильмографии не особо располагали к признанию профессионалов мира кино. Но что лично мне нравится в этом фильме, так это то, как Тарантино подошёл к тому, что волнует, наверное, каждого. Всех нас нет-нет да и посещают мысли о том, что будет через 10/20/30 лет, когда мы состаримся и уже не будем ощущать себя такими же молодыми, как вчера. Что мы будем делать? Каким будет смысл нашей жизни в старости? И можно ли продлить молодость хотя бы ещё на пару лет? И вот на экране кряхтящий персонаж Де Ниро пытается заняться сексом с юной героиней Бриджит Фонды, но у него ломит поясницу прямо в процессе. Герой Форстера хочет казаться крутым частным детективом, но седина и слабеющие рефлексы не дают никого обмануть. Заглавная героиня Джеки Браун перед финальным делом смотрит в зеркало в примерочной, но вместо юной авантюристки видит женщину далеко за 40. К слову, в развязке она носит костюм Мии Уоллес из «Криминального чтива». Да и другие персонажи так же носят одежды героев предыдущей картины Тарантино, показывая события прошлого фильма сквозь призму невозможности обмануть возраст. Тем эффектнее финал с подпевающей Бобби Уомаку Джеки Браун. Ненадолго она вернулась в 70-е и годы своей молодости. «Убить Билла», том 1 и 2 / Kill Bill, vol.1 & 2 (2003—2004) Вообще, Тарантино следовало бы выпустить специальную режиссёрскую версию на DVD / Blu-Ray, которая была бы представлена в оригинальном односерийном варианте, хотя, по сути, для этого пришлось бы только удалить титры ровно посередине. Ведь даже известного продюсера Харви Вайнштейна по прозвищу «Руки-Ножницы» фильм поразил настолько, что вместо пожелания вырезать оттуда что-нибудь лишнее он предложил продлить удовольствие на два сеанса! Хотя это казалось довольно рисковой затеей, ведь предыдущий фильм Тарантино «Джеки Браун» не пользовался особым успехом у публики, а тут ещё деление единого на раздельное. Но народ то ли соскучился по давно ничего не снимавшему кумиру, то ли действительно оказался увлечён фильмом — так или иначе, дело выгорело. Правда, как и в случае с «Джеки Браун», фильм оказался одним из самых недооценённых в карьере Тарантино. «Убить Билла», при общей восторженности отзывов, отчасти стал жертвой собственной двухчастной структуры, ибо многие зрители подзабывали события первой картины перед просмотром второй. Подавляющее большинство зрителей так и не смогли увидеть ничего за внешним слоем повествования, посчитав, что это либо виртуозная пародия на жанровое кино, либо занятный набор киноцитат, блистательно реализованных на экране выдающимся оператором Робертом Ричардсоном. Но если первое всего лишь форма для данной истории, то второе многие посчитали основной целью Тарантино, поставив его в один ряд с бесконечными подражателями-тарантиноидами. И практически никого уже не волновало то, что, вообще-то, было вынесено в заголовок, особенно красноречиво звучавший в оригинале, — Kill Bill. А ведь за этим словосочетанием и кроется авторское высказывание о том, что каждый рождается для того, чтобы убить Билла. И даже окровавленная Невеста / Чёрная Мамба (Ума Турман) рождается вновь и вновь, переживая и выстрел в голову, и собственное захоронение, и смертельный удар катаной (стоит признать, что все, кто пытался её убить, забыли о том, что бить нужно в сердце!), пока не достигает своей цели, наконец, становясь самой собою, то есть Беатрикс Киддо. Тут, безусловно, играет важную роль диалог о сущности Супермена во второй серии. Супермен предстаёт не самым скучным супергероем с неограниченными способностями, а единственным классическим героем комиксов, который не прячется за маской, спасая людей. Наоборот, его маска — это Кларк Кент, безалаберный, застенчивый, щуплый журналист, который вынужден скрывать своё Я, поскольку боится, что люди никогда не примут его таким, какой он есть. И всё это лишь подтверждается демонстрацией похожей истории восхождения первой цели героини в личном списке смертников, которая уже расправилась с собственным Биллом, потому она преисполнена уважения к смерти собственной от рук той, кто заслужил право на месть. Месть — это желание, которое придаёт жизни смысл. Совершенно неожиданно Тарантино не просто обращается к привычной для себя теме борьбы со временем, а переносит её на новый уровень, практически разделяя людей на тех, кто остался рабом Божьим, и тех кто бросил вызов и хотя бы попытался «убить Билла», демиурга, одной рукой карающего, другой вознаграждающего. Потому кажется вполне разумным, что Тарантино загодя анонсировал третью серию, где будет развиваться история двух девочек, чьи матери когда-то пересеклись благодаря Биллу. Правда, с каждым годом вероятность выхода третьего тома становится всё меньше. «Криминальное чтиво» / Pulp Fiction (1994) Главный шедевр Тарантино. Но при этом фильм, о котором я не знаю, что можно сказать. О нём написано столько работ, гораздо серьёзнее и глубже, чем смог бы написать я, что, пожалуй, откажусь от каких-либо попыток рассказать о «Криминальном чтиве». Все и так знают про «чудесное воскрешение» Винсента Веги (Джон Траволта), проповедь Джулса (Сэмюэл Л. Джексон), загадочный чемоданчик, Бутча (Брюс Уиллис) и часы его отца, ретро-кафе 50-х, сёрф-рок на вступительных титрах, выдуманные бренды и локации: сигареты «Ред Эпл», кафе «Биг Кахуна», озеро Толука, новаторский прежде невиданный способ нелинейного повествования (до этого в кино встречались флэшбеки, параллельные линии и т. д., но до «Чтива» не было фильмов, в которых сцены были бы перемешаны просто потому что). Можно продолжать до бесконечности. Если же вы по какой-то причине дочитали до этого момента, но всё ещё не посмотрели «Криминальное чтиво», то я даже не знаю, что на это сказать. Конечно, помимо полнометражных работ на счету американского постановщика и недоделанный ранний фильм «День рождения моего лучшего друга», новелла в альманахе «Четыре комнаты», срежиссированная по дружбе сцена одного диалога в «Городе грехов» Роберта Родригеса и Фрэнка Миллера, сценарии к «Прирождённым убийцам» Оливера Стоуна, «Настоящей любви» Тони Скотта, «От заката до рассвета» всё того же Родригеса и горстка всевозможных камео. А также колоссальнейшее влияние на современную культуру.
  21. В этом году я немного не успел к Хэллоуину, однако решил продолжить традицию написания статей, посвящённых этому празднеству. Кто бы что ни говорил, есть в нём что-то завлекающее. Тёмная сторона искушает. На сей раз я решил поведать о творчестве одного из своих самых любимых кинорежиссёров — Джона Карпентера, ранжировав его фильмы от худших к лучшим. Карпентер — кинодел, который умеет напрячь, напугать или ввести в состояние транса одним только молчанием. А многие из его фильмов заходят на территорию обыденного зла, которое люди не замечают за бытовой рутиной, но оно всегда где-то рядом с нами. Возможно, именно это делает его фильмы такими страшными и нагнетающими тревогу. Ведь одно дело бояться чудовищ и привидений, которых явно не существует, а совсем другое — когда само Зло скрывается в привычной жизни. Оно где-то поблизости, в обычных квартирах типовых домов, в тени ночной улицы, а может быть, ваш друг или сосед не те, за кого себя выдают. В этом году я немного не успел к Хэллоуину, однако решил продолжить традицию написания статей, посвящённых этому празднеству. Кто бы что ни говорил, есть в нём что-то завлекающее. Тёмная сторона искушает. На сей раз я решил поведать о творчестве одного из своих самых любимых кинорежиссёров — Джона Карпентера, ранжировав его фильмы от худших к лучшим. Карпентер — кинодел, который умеет напрячь, напугать или ввести в состояние транса одним только молчанием. А многие из его фильмов заходят на территорию обыденного зла, которое люди не замечают за бытовой рутиной, но оно всегда где-то рядом с нами. Возможно, именно это делает его фильмы такими страшными и нагнетающими тревогу. Ведь одно дело бояться чудовищ и привидений, которых явно не существует, а совсем другое — когда само Зло скрывается в привычной жизни. Оно где-то поблизости, в обычных квартирах типовых домов, в тени ночной улицы, а может быть, ваш друг или сосед не те, за кого себя выдают. «Против абортов» / «Дитя демона» / Pro-Life из телецикла «Мастера ужасов» (2006) Худшее, что снял Карпентер за всю свою многолетнюю карьеру. Сюжет повествует о девушке из религиозной семьи, которая втайне от отца и братьев хочет сделать аборт после изнасилования. Но её родственники всячески пытаются помешать врачам выполнить свой долг. Отцу (его играет Рон Перлман) якобы снизошло божественное послание о том, что этот ребёнок — посланник Божий. Но конечно же, ничем хорошим это закончиться не может. И если на уровне сценария фильм — вполне сносная очередная вариация рождения сына Дьявола, то вот с точки зрения постановки он самая настоящая телевизионная продукция, которую снимают сотнями. Удивительно видеть фамилию Карпентера в титрах такой скучной и плохо сделанной работы. Новеллы «Бензоколонка» / The Gas Station и «Волосы» / Hairв альманахе «Мешки для трупов» / Body Bags (1993) Снятый для телевидения альманах ужасов состоит из трёх новелл. В первой из них — «Бензоколонке» — речь идёт о работнике ночной смены на заправке, который сталкивается со странными покупателями. «Волосы» — типичная городская легенда: главный герой не может смириться с лысиной и решается на новейшее средство для улучшения роста волос, но даже не догадывается, что эти волосы станут его проклятием. Если означенные две новеллы Карпентера в целом средние, да ещё слишком пытающиеся быть комедийными, то третья новелла — «Глаз» Тоуба Хупера — на порядок лучше. В ней герой в исполнении Марка Хэмилла теряет глаз, но врачи своевременно находят донора и проводят операцию по замене повреждённого органа. Только никто не уточняет, что это глаз серийного маньяка-убийцы; тот начинает контролировать поступки героя. Новелла остаётся чёрноюморной, как и весь альманах, но при этом режиссёр в ней не занимается откровенным шуткованием, стараясь сделать историю максимально естественной и живой. Ради неё стоит посмотреть альманах. К слову, сам Карпентер заодно выступает здесь в роли ведущего — смотрителя морга, который и рассказывает эти леденящие душу истории. Немало и других забавных камео: Хупер играет роль сотрудника морга, Уэс Крэйвен и Сэм Рэйми оказываются покупателями в первой истории, Дебби Харри, более известная как вокалистка группы Blondie, появляется в роли медсестры во второй новелле, а в последней новелле небольшие роли получили режиссёр и продюсер Роджер Корман и популярная фотомодель 60-х Твигги. «Исповедь невидимки» / Memoirs of an Invisible Man (1992) Не очень понятно, зачем Карпентер решил снять фильм с популярным в 80-х комиком Чеви Чейзом, но вышло совершенно не его кино. Выглядит как очередной сиквел «Флетча», пусть и с фантастическими элементами. Не то чтобы фильм получился плохим, но он оказался настолько безликим, что о нём нечего сказать. «Призраки Марса» / Ghosts of Mars (2001) 2176 год, Марс, политический строй: матриархат. Именно таким титром открывается лента «Призраки Марса», которую можно назвать антологией всего, что было снято ранее. История о марсианской колонии, жители которой оказываются заражены неким вирусом, сводящим с ума, а на самом деле становятся одержимы призраками древней воинственной марсианской расы, выпущенными на волю после вскрытия древней гробницы, напоминает фантастическую вариацию «Нападения на 13-й участок». При этом герой в исполнении Айс Кьюба — что-то типа афроамериканской версии Змея Плисскена: он так же вне закона, вне политики, вне общества. А безликое неумолимое древнее марсианское Зло одновременно напоминает и «Вампиров, и «Туман», и даже «Хэллоуин». Надо бы сказать о любви Карпентера к видеоиграм. По его словам, он стал заядлым геймером после того, как в середине 90-х сыграл в Sonic the Hedgehog. Но впоследствии гораздо чаще играл в интерактивные хорроры и боевики. Потому нет ничего удивительного в том, что сюжет «Призраков Марса» подозрительно напоминает старый добрый Doom. Тем более что впоследствии Карпентер позитивно отзывался о Doom 3. В 2005 году он даже собирался выпустить свою собственную видеоигру John Carpenter's Psychopath, но ничего не вышло. Издательство Titan Productions анонсировало целую плеяду игр в коллаборации со звёздами Голливуда и не только (Guillermo Del Toro's Sundown, Clive Barker's Demonik, игровой приквел фильма «Схватка» и многое другое, ведь в придачу было анонсировано сотрудничество с братьями Вачовски, Вином Дизелем и Брайаном Сингером), но была выпущена только John Woo's Stranglehold — да и та силами Midway, без участия к тому моменту закрытой Titan Productions. Хотя свой след в игровой индустрии режиссёр успел оставить, даже если не считать множества аллюзий, цитат и подмигиваний в адрес его фильмов: Карпентер совместно со сценаристом комиксов Стивом Найлзом придумал историю, а также занялся режиссурой кат-сцен для игры F.3.A.R. В те годы Warner Bros. успешно монетизировала тот факт, что в 2005-м Карпентер в интервью изданию GameSpot назвал оригинальную F.E.A.R. игрой выдающегося кинематографического уровня, лучше, чем серии Metal Gear Solid и Silent Hill, которые были предыдущими фаворитами прославленного кинодела. «Сигаретные ожоги» / Cigarette Burns из телецикла «Мастера ужасов» (2005) Своего рода возвращение Карпентера к тематике картины «В пасти безумия» — разве что более сдержанное и не такое безумное. По сюжету составитель фестивальных программ и просто кинолюбитель Кирби Свитмен (Норман Ридус) пытается разыскать копию киноленты «Абсолютный конец света», или, как её называют в фильме, La Fin Absolue du Monde. По слухам, предыдущие показы оной приводили к тому, что посмотревшие её сходили с ума, а в кинотеатрах случалась настоящая резня. Кирби, конечно, не верит ни в какие проклятые ленты и просто хочет показать всем этот окутанный ореолом загадочности фильм. Но чем дальше он заходит, тем страньше и страньше становится ситуация. Кстати, «сигаретными ожогами» в англоязычном киножаргоне называют царапины и прожжённые участки на часто используемой киноплёнке. «Тёмная звезда» / Dark Star (1974) Занятно бывает глянуть такие вот студенческие фильмы авторов, ставших в дальнейшем не последними людьми в кинематографе. Фантастическая комедия повествует о космическом корабле «Тёмная звезда», уничтожающем планеты просто потому, что надо бы их уничтожить. И наплевать, что связи с Землёй давно нет, а капитан корабля лежит замороженным в криокамере, да и в команду вместо обученного пилота пробился уборщик со взлётной полосы. Уже здесь можно увидеть впоследствии ставшие привычными режиссёрские находки Карпентера, с юмором обыгрывавшие откровенно низкий бюджет. Да и знаменитая электронная музыка на месте. Вторым же автором этого действа является известный сценарист Дэн О'Бэннон, который придумал «Чужого». И «Тёмная звезда» больше всего похожа именно на этот фильм, за вычетом откровенной низкобюджетности и стёба над фантастическими кинолентами 50-х годов. «Вампиры» / Vampires (1997) Вестерны всегда прельщали Карпентера, хотя он не снял ни одного чистокровного фильма в этом жанре. С другой стороны, типичные элементы кинолент про бравых ковбоев, отчаянных бандитов и законников, не знающих пощады, постоянно присутствовали в его творчестве. Собственно, «Вампиров» можно назвать наиболее близким к классическому вестерну произведением. Разве что с поправкой на современные реалии и наличие мистических тварей. Многими «Вампиры» были приняты в штыки из-за слишком своенравного отображения на экране христиан-крестоносцев, которые матерятся, богохульствуют, устраивают пьяные оргии, но при этом спасают мир от вампирской заразы. С другой стороны, подобные нигилисты почти всегда были центральными персонажами фильмов Карпентера — чего только стоил Змей Плисскен, который плевать хотел на Америку, СССР и их отношения и просто делал то, что нужно. В этом фильме по-новому зазвучала музыка, сочинённая самим Карпентером. В ней по-прежнему важную роль играл синтезатор, но лидирующие позиции достались электрогитарам. Специально для записи режиссёр собрал супергруппу Texas Toad Lickers, состоявшую из известных сессионных музыкантов, работавших с Ринго Старром, Джоан Баэз, Booker T & MG's, Nazareth и многими другими. Они исполнили жгучую смесь из классического рок-н-ролла, кантри-фолк-рока и хоррор-синта. «Деревня проклятых» / Village of the Damned (1995) В своё время на видеокассете я смотрел фильм раз 10, а может, и больше. Чем он привлекал в те годы, сложно объяснить. Но даже сегодня он неплохой фильм ужасов, где чувствуется рука мастера, даром что к середине 90-х Карпентер уже начал сдавать. Но это «сдавание» не оправдывает традиционные для него провал в прокате, разгромную критику и номинацию на «Золотую малину». В данном случае они явно незаслуженные. И прежде фильмы Карпентера делали отсылки к тем лентам, которые нравились ему в детстве, будь то сюжетные ходы или вовсе фрагменты этих лент, показываемые в телевизорах, которые смотрели персонажи. Но на сей раз Карпентер пошёл дальше. «Деревня проклятых» — ремейк уже классического одноимённого хоррора категории «Б» 1960 года (кстати, вот тот редкий случай, когда ремейк оказался куда интереснее оригинала). Хотя сперва может показаться, что перед вами вариация спилберговских «Близких контактов третьей степени». Но это только уловка, дабы показать, как ещё недавно идиллическая картина маленького американского городка уничтожается вторжением извне. Что ужаснее, вторжением детей. А кто способен убить ребёнка? «Побег из Лос-Анджелеса» / Escape from L.A. (1996) Поначалу кажется, что это ремейк оригинала, о котором речь пойдёт чуть ниже. Слишком уж много повторений, из-за чего первая половина картины скучновато смотрится. Но со временем, когда потихоньку свыкаешься с малобюджетной диковинкой, фильм приобретает подлинный драйв. Ведь есть в этих картонных декорациях, нелепых действиях массовки, вычурном видении антиутопического будущего (2013 NOW), битах дешёвого синтезатора на саундтреке, наконец, настоящий кинематографический стиль, а его подделать нельзя. А уж финал и вовсе заслужил место в зале славы лучших концовок в истории кино. Типичный карпентеровский антигерой, вынужденный работать на ту сторону, которая явно не добро, в борьбе против, по сути, такого же амбивалентного зла, как и силы света, остаётся при своих, закуривает сигарету «Американский дух» и произносит прямо в кадр: «А теперь возвращайтесь к людям». Данная сцена вызывает непреднамеренный катарсис там, где его уж точно не должно быть. Но зритель парадоксально принимает сторону Змея Плисскена, который готов отбросить человечество в каменный век, лишь бы не было войны. «Кто-то наблюдает за мной!» / Someone's Watching Me! (1978) Молодая женщина приезжает в Лос-Анджелес, чтобы сделать карьеру на телевидении. Однако жизнь в большом городе не только открывает новые карьерные горизонты, но и наводит ужас. Людские толпы угнетают героиню, но больше всего наводят страху огромные безликие высотные многоквартирные дома, похожие один на другой. Ей начинает казаться, что соседи следят за ней. Снятый для телевидения триллер, конечно, явно подстраивался под определённые стандарты эфирного вещания, потому визуально его сложно назвать эффектным. Но в целом данная вариация хичкоковского «Окна во двор», где герои сами становятся объектами подглядывания в окно и всё это омрачается подспудным параноидальным страхом городского жителя перед высотными домами с тысячами окон, за которыми может скрываться кто угодно, увлекает. «Чужие среди нас» / They Live (1988) Яркий фильм, выполненный в традициях своего рода социальной научной фантастики 50-х годов (название, да и сцены, снятые в ч/б, явно стилизованы под те фильмы), но при этом актуальный и злободневный. Ведь как раз в конце 80-х случился очередной финансовый кризис, и Карпентер не смог не отреагировать, пусть и не без доли чёрного юмора. Известный философ Славой Жижек считает этот фильм отличной иллюстрацией того, как работает идеология. Так же, как и в фильме, она вовсе не прямолинейна, а работает через то, что приносит людям удовольствие: газеты, журналы, рекламу, кино и телевидение. Но за внешней красотой скрывается суровая реальность. Красивая полуголая девушка на обложке означает торжество патриархата, а успешные дяди в пиджаках, рассказывающие свою историю успеха из телевизора, всего лишь предлагают всем остальным расслабиться и смириться с собственным никчёмным существованием. Правда, пятиминутный мордобой двух мускулистых качков из-за очков выглядит совсем уж по-дурацки. «Элвис» / Elvis (1979) Хороший фильм в жанре, который сейчас почти разучились снимать. Классическая по форме биографическая лента, снятая вскоре после смерти Элвиса Пресли, причём с максимально подробным подходом, использующим трёхчасовой хронометраж на полную. Начиная с детства в бедной семье, где Пресли рос бок о бок с чёрными мальчишками, до неожиданного успеха. Простой и скромный парень с трудом переживает испытание славой и деньгами, о которых не мог и мечтать, когда начал выступать. Обязательно стоит добавить, что, возможно, это лучшая роль Курта Рассела в его карьере. Король рок-н-ролла в его исполнении получился притягательным и весёлым, но при этом иногда отрешённым, застенчивым и даже пугающим — особенно в моменты, когда в очередной раз напивается до беспамятства. Подозреваю, что «Элвис» сделал не меньше, чем само творчество певца, для закрепления легендарной роли Пресли в современной культуре. Ведь зритель увидел убедительное изображение не только кумира миллионов, но и человека, вынужденного всю жизнь смотреть на свою собственную тень. «Палата» / The Ward (2010) Кристин (Эмбер Хёрд) — пироманка, которую помещают в психиатрическую лечебницу. В женской палате помимо неё находятся четыре другие пациентки. Все они рассказывают о таинственном исчезновении их предыдущей соседки. А сама Кристин начинает подозревать, что в этой клинике что-то не так. Большая загадка, почему данный фильм провалился в прокате. А ведь и стоил он жалкие $ 10 млн, что по современным меркам вообще не деньги: сегодня даже камерные драмы в Голливуде снимаются с большими бюджетами. При этом речь идёт не о чьих-то эстетских экспериментах или плохо снятом наспех проходняке. «Палата» — действительно нагнетающий напряжение триллер-хоррор, снятый со вкусом, но с минимальными художественными средствами. Последнее, впрочем, всегда отличало фильмы Карпентера. Именно минимализм формы часто позволял ему наполнить свои фильмы чем-то большим, чем они кажутся, если просто прочесть пересказ сюжета. Вообще, его фильмы нет смысла пересказывать — оценить их можно, только посмотрев. «Туман» / The Fog (1980) Или то, что зримо мне, Всё есть только сон во сне? Эдгар Аллан По Вынесенный в эпиграф отрывок из стихотворения Эдгара Аллана По подчёркивает кинематографическую природу этой мистической истории. Туман, накрывающий город и таящий в своей размывающей реальность белой мгле призраков погибших моряков, кажется жителям Антонио Бэй всего лишь кошмарным сном. Мороком над городком, погрязшим во лжи своих предков. И внезапное избавление пугает ещё сильней: ведь то, что вчера казалось безмятежным, сегодня скрывает загадку и тревожит. Сон во сне. Подробнее в прошлогоднем выпуске: «Большой переполох в маленьком Китае» / Big Trouble in Little China (1986) Боевик о кунг-фу в стиле вестерн. Забавно, но Карпентера после выхода этого фильма часто сравнивали со Спилбергом: уж очень сильно тут прослеживается влияние фильмов об Индиане Джонсе (хотя ещё в «Человеке со звезды» угадывались мотивы «Инопланетянина»). Но выйди «Большой переполох» сегодня, зрители обозвали бы режиссёра «тарантиноидом». Всё же постмодернистская игра с аудиторией, иногда переходящая в разудалый трэш, может напомнить именно внешнюю сторону фильмов Квентина Тарантино. Хотя с точки содержания фильм Карпентера довольно прост, если не примитивен. К слову, «Большой переполох» повлиял на авторов одной из самых узнаваемых игровых серий Mortal Kombat — Эда Буна и Джона Тобиаса. Им так нравился этот фильм, что они без задней мысли перенесли некоторых его персонажей в свою игру. Именно так боец, управляющий молниями, превратился в Райдэна, а главный злодей фильма Дэвид Ло Пан (Джеймс Хонг) стал прообразом Шан Цунга — колдуна, похищающего души. Да и имя Шан Цунга, скорее всего, позаимствовано из этого же фильма: один из двух воинствующих кланов в китайском квартале именуется Чанг Син, но не знающим китайского вполне могло послышаться немного иначе. «Князь тьмы» / Prince of Darkness (1987) Католическая секта Братство Сна усиленно хранит тайну, скрытую в подвалах лос-анджелесской церкви. Но когда последний член братства умирает, группа учёных, ведомая священником, пытается разгадать загадку таинственного саркофага. Изучив найденные там рукописи, они понимают, что церковь две тысячи лет врала человечеству. Иисус был посланцем из космоса, а в саркофаге содержится некая сущность, упавшая звездой на Землю задолго до появления человечества и способная влиять на сознание людей, пробуждая в них всё самое плохое. И в 1987 году сущность, заточённая в годы зарождения христианства, вновь пробуждается. Интересный факт: события фильма происходят в Церкви святого Годара. Кинематографичное и ироничное название. Но есть тут ещё одна забавная параллель: в середине 80-х именитый французский постановщик Жан-Люк Годар выпустил скандально известную картину «Хвала тебе, Мария», которую ортодоксальные христиане и особенно Католическая Церковь приняли в штыки. В ней современная Мария беременела, сохраняя девственность. Но непорочное зачатие по Годару предполагало оральный контакт. Интересно, что и в ленте «Князь тьмы» дитя существа из мрачной зеркальной реальности получалось из тоже своего рода орального контакта, если можно так выразиться. «Кристина» / Christine (1983) В США автомобиль давно стал объектом поклонения. Связано это с географической особенностью американских городов, которые строятся таким образом, что без автомобиля там делать нечего. Но любовь к этим созданиям из жести и стекла переступила черту допустимого. Для многих автомобиль стал продолжением физического тела. Машина как женщина, это уже вполне нормальная практика. О машинах заботятся и на них тратят даже больше времени и средств, чем на реальных пассий. Привычна и ревность девушек к металлическим подругам их мужчин. Но вот ревность автомобиля — это что-то новенькое. Хорошо, что есть такой режиссёр, как Карпентер, который даже наивную макулатуру Стивена Кинга (а стоит признать, что его популярность в разы превосходит его реальный талант) сумел превратить в увлекательное кино. Причём там, где у Кинга история подавалась с почти хладнокровной серьёзностью, Карпентер весьма иронично отнёсся к автомобильной одержимости, добавив нотки сатиры. При этом «Кристина» вписывается в общую тематику, свойственную его творчеству: вновь зло поджидает нас там, где мы этого меньше всего ждём, — в наших гаражах. Видеоклип, снятый Карпентером, на ремейк заглавной темы фильма с альбома Anthology: Movie Themes 1974—1998 (2017) «В пасти безумия» / In the Mouth of Madness (1994) На самом деле ироничная и довольно смешная, немного стёбная лента, посвящённая творчеству двух видных американских писателей в жанре ужасов. И если с массовым помешательством по Кингу Карпентер столкнулся лично, когда экранизация его романа «Кристина» вышла даже раньше, чем сам роман (!), то вот до Говарда Филлипса Лавкрафта кинодел прежде не дотягивался. И это неудивительно, ведь произведения Лавкрафта довольно приблизительные, мрачноватые, они построены на бесконечных прилагательных и почти лишены конкретики, а потому труднопереносимы на экран. Не говоря уж о том, что они точно не вписываются в любимый Карпентером Голливуд 50-х, чьим духом пропитаны все его киноленты. Возможно, именно поэтому «В пасти безумия» — самый выбивающийся из всего творчества режиссёра фильм. Вдобавок на него явно повлияла мода на фильмы Дэвида Линча, которая захлестнула всех как раз в 1994 году. Но Карпентер, усложняя повествование, на самом деле смеётся над подобного рода кинолентами, в которых реальность иллюзорна, а сам фильм переходит в метафильм. Чем всё запутанней, тем веселей. «Человек со звезды» / Starman (1984) Конечно, Карпентер сильно удивил своих поклонников, сняв мелодраму. Пусть и фантастическую. Но тут нет ничего неожиданного, если вспомнить его любимого режиссёра — Говарда Хоукса. Вот и история о посещении Земли инопланетянином, «человеком со звезды» оборачивается вовсе не ужасающей, а романтико-ностальгической. Ведь приняв образ давно умершего человека, протагонист отправляется в путешествие с той, которая этого человека потеряла. И волей-неволей возникают переклички вообще с «Солярисом» Андрея Тарковского. При этом удивителен провал в американском прокате. Ведь «Человек со звезды» — своего рода типичная для Голливуда лента о человеке не от мира сего (в данном случае и вовсе из космоса), отправляющемся в дорожное путешествие, чтобы познать жизнь и то, что принято называть «американой». Тем страннее, что обычные американцы, большие любители подобных сентиментальных историй, которые впоследствии приняли даже чересчур хорошо «Человека дождя» и «Форреста Гампа», не смогли проникнуться общечеловеческим фильмом Карпентера. Путешествуя по провинциальной одноэтажной Америке и познавая человеческую суть, герой Джеффа Бриджеса, заслуженно номинированного на премию «Оскар» за данную роль, невольно сам становится человеком. Несмотря на то что они там, на его родной «звезде», уже давно добились равенства, социального благополучия, отсутствия войн, именно человеческое несовершенство притягивает этого залётного лунатика. Будущее на Земле непредсказуемо, оттого увлекательно. Но было бы не совсем честно сказать, что это фильм исключительно про познание инопланетянином человека, пусть он явно был снят под влиянием похожего по духу «Инопланетянина» Спилберга. Всё же нельзя забывать и про мотив потери близкого человека, который сопровождает Дженни Хайден, ставшую своеобразной проводницей «человека со звезды». Ведь что он, как не проекция высшим разумом её погибшего мужа? Причём символично спустившаяся откуда-то с небес. Но постоянная ностальгия стопорит, и рано или поздно нужно отбросить горесть, чтобы продолжить жизнь. «Побег из Нью-Йорка» / Escape from New York (1981) Микрошедевр политического нигилизма с одним из наиболее харизматичных героев в истории жанра. Змей Плисскен — не просто очередной крутой парень, беспрекословно спасающий мир. Если честно, ему до мира в его нынешней итерации нет никакого дела. Правительства сверхдержав, стоящих на пороге Третьей мировой войны, революционеры-террористы, в идеалистическом порыве пытающиеся этот миропорядок изменить, власти США и СССР, построившие внутри своих границ государства-тюрьмы, — все они не просто его не интересуют, он готов бросить им вызов, даже находясь в полном одиночестве против целой системы. Конечно, в мировой истории были разные взгляды на подобное мировоззрение. Отдельные мыслители, такие как Освальд Шпенглер, считали нигилизм губительным, Эрих Фромм полагал его защитной реакцией на сложности бытия, а Фридрих Ницше видел в нём как утрату веры в предыдущий христианский миропорядок, так и в возможность переосмыслить смысл человеческого существования, найти в оном новые смыслы, отрицая старые мёртвые концепты. Сам Карпентер почти никогда не говорит о своих взглядах на мир, однако можно заподозрить, что такая тяга к подобным героям неспроста. Но забавнее всего идеи «Побега из Нью-Йорка» и «Побега из Лос-Анджелеса» нашли отражение в серии Metal Gear Solid: в детище японского гения Хидэо Кодзимы подобный взгляд на мир породил революционеров нового времени — солдат свободного государства без правительств и идеологий, со всеобщим равенством, но с какой-то невероятной одержимостью образом вождя, в роли которого выступил Биг Босс, подозрительно похожий на персонажа Курта Рассела. Впрочем, неважно. «Нечто» / The Thing (1982) Антарктическая станция, затерянная посреди белой пустыни, атакована силами внеземного происхождения. Группа учёных пытается пережить долгую полярную ночь, не зная, кто из товарищей теперь стал враждебной человечеству копией. Отчасти это может напомнить популярный мотив «Вторжения похитителей тел», но образы превращения людей в инопланетные копии точно не имеют аналогов. Жуткие, с мельчайшими кровавыми подробностями, искажённые антропоморфные формы запоминаются надолго. Читать далее: «Нападение на 13-й участок» / Assault on Precinct 13 (1976) В это сложно поверить, но «Нападение на 13-й участок» — типичный фильм про зомби. Да-да, вы не ослышались. Он снят по всем канонам жанра про толпу живых мертвецов и горстку людей, забаррикадировавшихся в тесном помещении. И не стоит обманываться, считая, что история про то, как куча уличных [censored]ганов решила напасть на полицейский участок и убить там всех, имеет какой-то иной смысл. Нет, ничего подобного, вся уличная шпана здесь абсолютно безмозгла, не имеет никаких причинно-следственных связей и обоснований своих действий, хотя шутки ради постановщик сделал их похожими на модных в то время молодых революционеров. Они просто вышли убивать, как зомби. У них нет характеров, нет реплик, нет никаких человеческих качеств (а детей они тоже убивают). И всему этому противостоит горстка совершенно разных людей, волею судьбы оказавшихся в полицейском участке, который будет закрыт на следующий день. И тут даже преступник, осуждённый на смертную казнь, гораздо человечней той толпы, что на улице. Одним из источников вдохновения был знаменитый вестерн «Рио Браво», в котором одинокий шериф объединялся с престарелым помощником, местным алкоголиком, необстрелянным юнцом и салунной певицей, чтобы дать отпор банде отчаянных головорезов. Тем обиднее теперь видеть ремейк этого микробюджетного минишедевра, где зачем-то дали логику персонажам, осадившим участок, что сделало фильм довольно глупым. Ну каким образом целая армия обученных полицейских не смогла пробиться внутрь? Смешно же. В противовес этому оригинальный фильм, где кровь больше похожа на краску из пейнтбольного автомата, нагнетал настоящий саспенс и был скорее хоррором, нежели очередным боевиком. «Хэллоуин» / Halloween (1978) По прошествии лет всё более убеждаешься в том, что только в таком стиле можно было создать один из самых пугающих фильмов в истории. Например, посетители форума IMDb поставили «Хэллоуин» на 8 место из 500 в перечне самых страшных хорроров всех времён. В мрачную ночь в тенях прячется человек в чёрном костюме, его мотивы остаются скрыты туманом. Ну и нельзя не отметить тот факт, что данный фильм Карпентера породил одну из самых талантливых постмодернистских пародий — «Крик» Крэйвена 1996 года. Многие не обращают внимания, но «Крик» является ироничной адаптацией именно «Хэллоуина» для поколения людей времён повального видео. Вдобавок «Хэллоуин» популяризовал жанр молодёжного слэшера. Да, первым слэшером принято считать «Чёрное Рождество» Боба Кларка, но именно успех «Хэллоуина» побудил некоторых киноделов создать свои фильмы-клоны про убийц в маске. Среди них была и «Пятница, 13-е», которая до сих пор поражает своими неадекватно высокими кассовыми сборами. Подробнее о фильме я уже писал в прошлогодней статье: Только отмечу, что недавно вышел очередной сиквел. Увы, он оказался невероятно скучным и безыскусным. Посмотреть его можно лишь из любви к серии и ради новой музыки Карпентера и его группы, с которой он гастролирует по Америке. К сожалению, уже почти десятилетие не выходило ни одной новинки от мастера, хотя его последний фильм «Палата» был хорош. С другой стороны, увлечение музыкой, которое Карпентеру привил ещё отец в раннем детстве, наконец нашло себе выход. Уже выпущено три альбома: Lost Themes (2015), Lost Themes II (2016), Anthology: Movie Themes 1974—1998 (2017). А концертные туры по Америке и Европе заполняют ночные клубы любителями ретро-звучания и просто меломанами, ценящими хорошую музыку. Если где-то убыло, значит, где-то прибыло.
  22. По неизвестной причине в недрах студии 20th Century Fox решили возродить классического монстра из 80-х — Хищника. Существо это было специфическое, и нельзя сказать, что финансово сильно успешное. Скорее, культовое в среде ностальгирующих по эпохе VHS. Так что квадриквел вызывал резонные опасения. И уже по первым трейлерам появились сомнения в необходимости продолжения. В них «Хищник» 2018 года выглядел невероятным трэшем, который должен был соперничать с худшим фильмом с участием этой инопланетной твари — «Чужой против Хищника: Реквием» братьев Штраусс. Но надежда умирает последней. По неизвестной причине в недрах студии 20th Century Fox решили возродить классического монстра из 80-х — Хищника. Существо это было специфическое, и нельзя сказать, что финансово сильно успешное. Скорее, культовое в среде ностальгирующих по эпохе VHS. Так что квадриквел вызывал резонные опасения. И уже по первым трейлерам появились сомнения в необходимости продолжения. В них «Хищник» 2018 года выглядел невероятным трэшем, который должен был соперничать с худшим фильмом с участием этой инопланетной твари — «Чужой против Хищника: Реквием» братьев Штраусс. Но надежда умирает последней. Оригинальный «Хищник» Джона МакТирнана вышел в 1987 году в эру расцвета многожанровых голливудских блокбастеров. Начинаясь как крутой боевик про американских секретных агентов, которые без суда и следствия зачищают латиноамериканские джунгли от коммунистов, он резко менял жанр, превращаясь в фильм ужасов о противостоянии людей с неизвестным. Причём фильм весьма эффектно снят, но без каких-либо лишних деталей: только джунгли, «наёмники», инопланетная тварь. Абсолютный сюжетный минимализм ближе к финалу заставлял вжаться в кресло даже при просмотре мутной копии с искажёнными цветами на видеокассете. В чём немалая заслуга недооценённого постановщика Джона МакТирнана, загубившего карьеру уголовным сроком. Он был пойман за незаконной слежкой за кинозвездами, за что отсидел 4 месяца, а выйдя, стал персоной нон грата в Голливуде. Ничего удивительного в появлении сиквела нет. «Хищник» только в США сумел заработать в 4 раза больше, чем было затрачено на съёмки. Вторая серия не заставила себя долго ждать. Действие перенесли в Лос-Анджелес будущего. Ну как будущего, 1997 год виделся авторам чуть ли не антиутопией. А вот смена тропиков на городские джунгли как минимум разнообразила действие и не превратила фильм в кальку оригинала. Единственная серьёзная претензия в том, что так и не понятно, почему герой Дэнни Гловера умудряется постоянно натыкаться на Хищника в 20-миллионной городской агломерации. Забавно, что в финале сценаристы придумали затравку для третьей части, которая должна была происходить в XVIII веке. Правда, полный провал второй серии в прокате, не дал этой идее осуществиться. Неудачный косплей Лары Крофт Хищники вернулись уже в дилогии «Чужой против Хищника» в начале нулевых, основанных на серии комиксов и популярных видеоигр. Их я оставлю за скобками, так как уже писал о них в тексте об истории серии «Чужой». А вот сольное возвращение охотников из далёкого космоса пришлось ждать аж до 2010 года, когда вышел многострадальный долгострой «Хищники». И первоначальная идея воскресить этот сериал в самоироничном духе, казалась интересной. Роберт Родригес, бывший режиссёром на стадии пре-продакшена, собирался всё решить в постмодернистском духе боевика ужасов, отсылающего как к оригиналу, так и к крутым боевикам 80-х гг. Но в какой-то момент он решил уйти с поста постановщика и передал бразды правления венгру Нимроду Анталу. У него кино получилось ладным, увлекательным, но лишённым изюминки. Стерильным голливудским середняком. По всей видимости, мода на возрождение фильмов из 80-х и, особенно, успех новых «Чужих», заставил студийных боссов дать очередной шанс Хищнику. На роль режиссёра был приглашён Шейн Блэк, сыгравший роль второго плана в оригинальном фильме 1987 года. Хотя с тех пор он успел прославиться как сценарист («Смертельное оружие», «Последний бойскаут», «Долгий поцелуй на ночь») и режиссёр («Поцелуй навылет», «Славные парни»). Причём решающую роль в определении кандидатуры сыграл «Железный человек 3», так же поставленный Блэком. Миллиардные сборы последнего сольника о Тони Старке так вскружили головы продюсеров, что они дали карт-бланш постановщику. Отряд самоубийц И не стоит удивляться, что в итоге из нового «Хищника» получился очередной фильм Шейна Блэка, то есть чёрная комедия с элементами семейного кино. С юмором явно перебор, стоит сказать. Пожалуй, фильм распадается на череду гэгов и скетчей. Иногда очень смешных, а иногда выглядящих натужными шутками за 300. Причём уклон явно в сторону последних. Зато удивляет возрастной рейтинг 18+, такой нетипичный для высокобюджетной продукции, рассчитанной на максимально возможные кассовые сборы. Головы слетают с плеч, кишки висят, кровь хлещет ручейками, а персонажи даже в дубляже сквернословят на грани приличия. Правда, до откровенного мата наш перевод не опускается. Хотя местами юмор совмещается с кровавой баней на экране. Зато интересно, как эволюционировал образ американских спецагентов, работающих в горячих точках за последние 30 лет. Если в оригинальной картине можно было усомниться в законности действий Датча (Арнольд Шварцнеггер) и ко, то нельзя было поставить под сомнение его безусловный профессионализм и преданность делу. Он побеждал не вопреки, а благодаря. Военное ремесло — кровавое и жестокое, может не нравиться, но оно было его ключом к выживанию. В новой же итерации все связанные с военным ремеслом предстают в образе психопатов. И речь не о каких-то отъявленных отморозках, готовых убивать по приказу, а о самых натуральных выходцах из среднестатистической психиатрической лечебницы. Они истерят, неадекватно реагируют на события, пугаются, матерятся и явно страдают тяжёлой формой дислексии. Никаких намёков на армейскую выдержку или банальную концентрацию, которая так нужна, чтобы выжить во враждебной среде, не замечено. Разве что женщина-учёный в исполнении Оливии Манн и жена одного из героев, сыгранная Ивонн Страховски (многим известна по роли Миранды из трилогии Mass Effect), остаются образцом хладнокровия. Что ты такое? [ВНИМАНИЕ, СПОЙЛЕР] Будучи вынужден раскрыть небольшой сюжетный поворот, добавлю, что и истинным охотником из числа землян, Хищник отбирает не очередного вояку или полицейского, а мальчика, страдающего аутизмом. В фильме даже проговаривается мысль, что это не отклонение, а новая высшая ветвь развития человечества. Прекрасно понимаю почему подобное решение было принято авторами, несмотря на всю его сомнительность. Но в общем ряду современной американской продукции это выглядит не как позитивный кивок в сторону аутистов, а скорее, как очередное проявление конъюнктуры, которой пронизан буквально каждый современный хит с бюджетом от 50 миллионов и выше. Правда, этот факт всё же Шейн Блэк и его сценаристы пытаются оформить в виде очередной семейной истории о поиске взаимопонимания между блудным отцом-«убийцей» и его сыном. На самом деле, это вполне типичная проблематика для фильмов Шейна Блэка. В «Славных парнях» герой Райана Гослинга пытался наладить отношения со своей дочерью, преодолевая холостяцкие комплексы, а Тони Старк объединялся с 10-летним сироткой, чтобы вывести на чистую воду террориста международного масштаба Мандарина. Да и в сценарных работах Шейна Блэка отношения родителей с детьми играли немаловажную роль. Во всех сериях «Смертельного оружия» помимо крутого полицейского боевика зрители наблюдали за внутрисемейными перипетиями Мёрто и Риггза, а в «Долгом поцелуе на ночь», потерявшая память героиня Джины Дэвис пыталась спасти жизнь своей дочери, раскопав собственное прошлое. Хотя ещё одним предвестником нового «Хищника» я бы назвал ныне позабытый фильм «Взвод чудовищ» о группе нердов из американской субурбии, сталкивавшейся с настоящими монстрами. Его сценаристом так же был Шейн Блэк, а режиссёром выступил Фред Беккер, который в свою очередь выступил одним из сценаристов нового «Хищника». Правда, идея о борьбе людей с Хищниками (или Охотниками, как спорят в одной из шуток фильма, отсылающей к тому, что изначально оригинал носил именно такое название) в декорациях тихих предместий уже не нова. По сути, мы уже это видели в картине «Чужой против Хищника: Реквием». Новый «Хищник» не худший способ убить ближайшие два часа, только стоит сразу оговориться. Мрачной гнетущей атмосферы оригинала или эффектных боевых эпизодов сиквела ждать не стоит. Если честно фильм получился слишком фривольным для продолжения боевика ужасов. Хищники перестали внушать хоть какую-то угрозу, а авторы хохмят даже когда у героев вываливаются потроха на сырую землю. Да и финальная четверть, выглядит позаимствованной из «Чужой: Завет», где она была сделана не лучше. Стоит только предупредить, что, возможно, половина шуток была убита при дубляже.
  23. В сентябре 1966 года на американском телевидении стартовал шпионско-приключенческий телесериал «Миссия невыполнима», посвящённый трудовым будням бойцов невидимого фронта — спецагентов, работавших на тайную правительственную организацию и выполнявших опасные поручения по всему свету. Преимущественно в Восточной Европе, что было актуально для того времени. Очевидно созданный под влиянием зрительского успеха крутых похождений агента 007 Джеймса Бонда, сериал «Миссия невыполнима» отлично вписывался в самые различные тренды: от весёлых, чуть ли не безумных приключений до передачи актуальной атмосферы «холодной войны». Сериал просуществовал довольно долгие семь сезонов, а впоследствии был перезапущен в конце 80-х годов. Но подлинная всемирная слава пришла к нему только в середине 90-х. В сентябре 1966 года на американском телевидении стартовал шпионско-приключенческий телесериал «Миссия невыполнима», посвящённый трудовым будням бойцов невидимого фронта — спецагентов, работавших на тайную правительственную организацию и выполнявших опасные поручения по всему свету. Преимущественно в Восточной Европе, что было актуально для того времени. Очевидно созданный под влиянием зрительского успеха крутых похождений агента 007 Джеймса Бонда, сериал «Миссия невыполнима» отлично вписывался в самые различные тренды: от весёлых, чуть ли не безумных приключений до передачи актуальной атмосферы «холодной войны». Сериал просуществовал довольно долгие семь сезонов, а впоследствии был перезапущен в конце 80-х годов. Но подлинная всемирная слава пришла к нему только в середине 90-х. Именно в 1996 году вышел первый фильм серии на больших экранах. В нём повествовалось о ячейке ЦРУ в Праге, где пропал важный список агентов разведки и начали погибать сотрудники. Единственным выжившим остался Итан Хант (персонаж Тома Круза), что перевело все подозрения в убийствах коллег на него. Пытаясь вернуть своё честное имя, Хант взялся распутывать это сложное дело. Так начался один из самых успешных и долгоиграющих франчайзов в современном Голливуде. Лента собрала 456 млн долларов в прокате при производственном бюджете в 80 млн. Сколько пародий было только на эту сцену? Правда, к тому времени опытный и талантливый кинематографист Брайан де Пальма, выбранный в качестве режиссёра-постановщика первой картины, уже начал серьёзно сдавать — и вовсе не удивительно, что фильм получился слегка пресным. Явно пытаясь стилизовать картину под шпионские ленты Альфреда Хичкока, режиссёр забыл, что у «старины Хича» была потрясающая ирония, потому его фильмы были наполнены незаметным, но оттого смешным чёрным юмором, а не только саспенсом, как сейчас любят вспоминать. Вот и пара напряжённых сцен, снятых с присущими де Пальме стилевыми изысками (эффектная сцена с проникновением на закрытый объект через вентиляцию стала визитной карточкой серии), не играли особой роли, когда зрителя заставляли поверить в серьёзность происходящего. Хотя финальная битва шпиона с тысячью лиц Ханта со злодеями отрицала все законы физики. К сожалению, в фильме не было даже намёка на иронию. Но насколько скучным был первый фильм, настолько же увлекательным оказался второй. Китайский режиссёр Джон Ву, к тому времени прочно обосновавшийся в Голливуде, смог превратить всё в самую настоящую шпионско-приключенческую историю с загадочными интригами, красивыми погонями, залихватскими перестрелками, боевыми танцами и, конечно, жгучей романтикой с запредельной сентиментальностью. Можно сказать, что уроженец Поднебесной придал «Миссии» шарм бондианы, которого так не хватало фильму де Пальмы. Однако даже в этой, лучшей части киноцикла всё было не так уж радужно. В середине повествования зритель вынужден был перетерпеть полчаса невыразительных диалогов, которые, к счастью, под финал всё же сменялись эстетским экшеном от Ву. Правда, ряд критиков и зрителей посчитали, что non-stop action — это не то, ради чего они пришли на сиквел. Том Круз ещё и скалолаз Именно со второй части начались каскадёрские выкрутасы Круза. До сих пор помню, что фильм рекламировали тем, что известный актёр самостоятельно взбирался вверх по каньону в парке Dead Horse Point в штате Юта с минимальной страховкой. Ву, по его собственным признаниям, снимал эту сцену, отвернувшись от Круза. Только в кадре, когда герой падал с уступа, был задействован профессиональный каскадёр. Вторая картина, несмотря на свой залихватский кинематографический стиль и высокие сборы, всё же не нашла должного отклика ни у зрителей, ни у критиков. Тогда на смену Ву пришёл амбициозный телевизионный режиссёр и продюсер Дж. Дж. Абрамс (первоначально пригласили вообще Дэвида Финчера, но продюсеры не сошлись с известным постановщиком во мнении о том, каким должен быть триквел). И ладно ещё то, что сценаристы и режиссёр решили вернуться к серьёзной интонации первого фильма. Но зачем герой Круза променял знойную красотку в исполнении Тэнди Ньютон на «серую мышь» в исполнении Мишель Монахэн? Да вдобавок решил на ней жениться, хотя всё намекало на то, что семейная жизнь и работа на Агентство не совместимы — как минимум, без вреда для здоровья уж точно, что опять же резко подрывало любое доверие к происходящему. Ведь это был даже не комедийный фильм о шпионах, пытавшихся найти баланс между работой и семьёй, наподобие «Тотальной слежки» Клода Зиди (или его ремейка «Правдивая ложь» Джеймса Кэмерона). Операторская работа — главное достоинство третьей части Вот и случился у создателей когнитивный диссонанс между героями, потому и не было никакой убедительности. А вялая попытка придать действу реалистичности на манер похождений Джейсона Борна только усугубляла ситуацию. И даже опытный оператор Дэн Миндел не сильно выручал: на его счету были действительно хорошие шпионские ленты Тони Скотта, но спасти своей работой этот припадочно-лихорадочный фильм он был не в состоянии. Ведь мотивация злодеев в третьей части «Миссии» для зрителя так и осталась загадкой, а жутко топорное, но при этом сравнимое с ковровой бомбардировкой навязывание семейных ценностей в жанре, где главное — мартини, спорткары и девушки в купальниках, не то что расстраивало, но уж точно оставляло в недоумении. Потому в четвёртой части продюсеры во главе с Крузом, которые вроде бы нашли «золотую жилу», но при этом не могли найти верный способ её освоения, сделали очередной поворот на 180 градусов — в сторону авантюризма, шпионской романтики и лихого действия. Дубай с высоты птичьего полёта Дебют в игровом кино известного аниматора студии Pixar Брэда Бёрда в целом удался. Режиссёр сразу понял, что всерьёз воспринимать Итана Ханта могут только подростки, верящие в реалистичность Бэтмена, потому придал шпионскому действу анимационный комизм. А в этом деле он поднаторел ещё на мультфильме The Incredibles, прозванном у нас «Суперсемейкой». И именно такая самоироничная интонация вкупе с местами откровенными безумствами, к которым добавились хитроумные гаджеты из арсенала агента 007, позволили Бёрду вдохнуть новую жизнь во внешне уже весьма постаревшего протагониста. В этот раз игравший его Круз самолично взбирался на небоскрёб «Бурдж-Халифа» в Дубае. Увы, и в этой части не обошлось без ложки дёгтя. Так уж вышло, что Бёрд оказался связан по рукам и ногам тем фактом, что это была четвёртая часть популярного сериала и нужно было уважать труд предшественников, вне зависимости от качества их работы. И главным препятствием для того, чтобы сделаться действительно лучшей лентой в цикле (хотя по версии кинокритиков, на тот момент это был самый высоко оценённый фильм сериала от Cruise/Wagner Productions), стала предыдущая лента, где Ханта «окольцевали», тем самым навесив на него гирю, да ещё заставив лить елей о семейных ценностях под конец фильма. Да кому это интересно, если перед этим герой скакал по автоматизированной парковке? Том Круз бежит Видимо, так же подумал и Кристофер Маккуорри — режиссёр-сценарист следующей части под названием «Миссия невыполнима: Племя изгоев», потому в фильме не было ни намёка на брачные узы Ханта. К слову, Маккуорри до этого уже поработал с Крузом на старомодном остросюжетном триллере «Джек Ричер», но всё же от той картины в «Племени изгоев» почти ничего не оказалось. Сохраняя традиции бондианы, Маккуорри решил сделать ставку на невероятные трюковые сцены; наиболее известной ещё до выхода картины стала сцена со взлетающим самолётом, на крыле которого зацепился, собственно, сам агент Хант. Пиарщики даже утверждали, что Круз лично снялся в этом эпизоде, хотя весьма сомнительно, что там был не каскадёр. Но так или иначе, дух захватывало. По сюжету, ставшему прямым продолжением четвёртой картины, отряд «Миссия невыполнима» находился на грани роспуска, а его агенты должны были либо перейти в ЦРУ, либо уволиться. Но Ханта эта неоднозначная ситуация застала посреди задания, не выполнив которое, он не мог вернуться на родину. Его целью была секретная организация «Синдикат», состоявшая из бывших агентов разведок мира. Однако мало кто верил в существование «Синдиката». Тогда Хант и начал собственное подпольное расследование. Ребекка Фергюсон — открытие «Племени изгоев» Но сюжет в данной картине играл роль обычного макгаффина. Конечно, можно было порассуждать о неоднозначных отношениях государств со своими тайными солдатами, о которых никто ничего не знал, — да вот только «Племя изгоев» вовсе не было попыткой серьёзного рассказа на шпионскую тематику наподобие прошлогоднего «Самого опасного человека» Антона Корбейна. Потому и не было смысла стараться; зато обязательно стоит отметить режиссёрскую работу по созданию драйвового действия, в котором почти не было передышек для зрителя. Начиная с уже упомянутой сцены с самолётом и заканчивая финалом, зритель проносился через водоворот ярких приключений. Особняком стояли два эпизода: во-первых, снятая под водой, с использованием 70-миллиметровой плёнки и относительно длинными планами сцена, где герой Круза за ограниченное время должен был проникнуть в слишком уж охраняемый компьютерный сервер; во-вторых, напряжённая сцена, которую можно назвать многомиллионной рекламой Венского оперного театра, — там сплетались двойные агенты и наёмные убийцы, покушавшиеся на канцлера Австрии. Причём всё было виртуозно смонтировано под шедшую в тот момент на сцене оперу «Турандот» Джакомо Пуччини. Но и это не просто монтаж под музыку, а прямая цитата из хичкоковского «Человека, который слишком много знал», где уже была похожая сцена, в которой убийство было синхронизировано с партитурой таким образом, чтобы выстрел слился с музыкой. Он улетел, но обещал вернуться Хотя сильно смущали гаджеты наших героев. Ещё в предыдущем фильме они были на грани фантастики, но тут уже превратились в нечто, о чём человечество на данном техническом уровне развития может только мечтать. Подобная тяга к техногенным прибамбасам портила эффект от трюкового содержания картины. Этакое проникновение компьютерно-искусственного в чисто кинетическое по своим параметрам зрелище. Не то чтобы это разочаровывало — но сильно снижало уровень доверия к и так немного безумному действу. Рассказ о прыжке с самолёта на высоте 25 тысяч футов Неудивительно, что после «Племени изгоев» M:I6 вновь доверили Кристоферу Маккуорри. Жаль, правда, что никак не обыграли аббревиатуру, напоминавшую название британской разведки MI6. И с одной стороны, Маккуорри попытался продолжить снимать невероятные экшен-сцены, которыми так запомнилась пятая часть цикла. И опять маркетологи утверждали, что Круз самолично забирался на зависший в воздухе вертолёт и гонял по улицам Парижа на мотоцикле. Правда это или ложь, мы в ближайшее время, скорее всего, не узнаем. Но означенные сцены действительно стоят того, чтобы их увидеть. Главной же проблемой стала история. «Племя изгоев» не обладало каким-то выдающимся сценарием, но сюжет, наполненный интригами, подставами и твистами, был лихо закручен и не давал заскучать. В «Последствиях» почему-то было решено, что даже такой мало-мальски сносной истории не нужно. Вместо этого получился набор сцен, связанных друг с другом пунктирно. Причём сюжет сразу отсылает к нескольким предыдущим фильмам, что делает его ещё более трудносчитываемым. Некоторые западные критики сравнили «Последствия» с «Безумным Максом: Дорогой ярости». Пожалуй, это сравнение — перебор. Как ни крути, но и каталитическая энергетика в «Максе» была выражена гораздо сильнее, и история, хоть не верх изысканности, была рассказана внятно. Возможно, самые дорогие усы на свете Главной же загадкой для меня стали усы Генри Кавилла. Отказ их сбрить для пересъёмок «Лиги справедливости» обошёлся студии в 25 млн долларов. При этом никакой сюжетной важности данный элемент внешности не нёс. Неужели прихоть актёра (продюсеров, режиссёра?) стоила этих денег? Но уже очевидно, что Том Круз в своей борьбе против собственного возраста даже не собирается останавливаться. Так что через два-три года мы наверняка вновь услышим всем известную мелодию Лало Шифрина на больших экранах, а Итан Хант исполнит очередной невероятный трюк. Только остаётся тайной, продолжится ли всё в таком жанре «крутого» боевика, или же создатели опять решатся добавить нотки реалистичности в повествование. Время покажет.
  24. Засмотрел намедни художественный фильм «Tomb Raider: Лара Крофт», который многие поклонники серии заочно приняли в штыки. К сожалению, общественным мнением часто управляют дремучие предрассудки, а еще чаще публика принимает в штыки любые изменения в любимых произведениях. «Вот двадцать лет назад Лара была ого-го, а сейчас вместо грудастой Анджелины Джоли на роль взяли какую-то Алисию Викандер. Да у нее же сисек нет!» — твердят морально и физически неполовозрелые граждане. Засмотрел намедни художественный фильм «Tomb Raider: Лара Крофт», который многие поклонники серии заочно приняли в штыки. К сожалению, общественным мнением часто управляют дремучие предрассудки, а еще чаще публика принимает в штыки любые изменения в любимых произведениях. «Вот двадцать лет назад Лара была ого-го, а сейчас вместо грудастой Анджелины Джоли на роль взяли какую-то Алисию Викандер. Да у нее же сисек нет!» — твердят морально и физически неполовозрелые граждане. В свое время серия Tomb Raider, по сути, изобрела жанр «приключенческого экшена», но все бы вмиг забыли о достижениях Core Design, если бы не главная героиня. Статная девушка возраста «пубертат+», нарядившаяся в шортики, доводила до экстаза мальчиков схожего возраста. Они, конечно, скромно отбивались рассуждениями о том, что это «просто игры хорошие», а главная героиня так, «посмотреть приятно». Но природу не обманешь — объективизм женской натуры использовался в серии по максимуму, и до недавнего времени всех это устраивало. Мальчики смотрели на девочку, а девочка была не против показаться на глаза мальчикам в коротеньких шортиках. Голливуд вряд ли мог пройти мимо потенциально жирного пирога. Первый фильм вышел всего через пять лет после самой первой игры. Ответственные за кинокартину без труда уловили главную фишку игры и уговорили исполнить роль саму Джоли. К сожалению, параметры будущей жены Брэда Питта оказались не столь внушительными, как у ее игрового персонажа, поэтому продюсеры не просто подобрали ей строго обтягивающие костюмчики, но и налепили накладочки на грудь, чтобы мальчикам было приятно. Ставка на Джоли в целом и ее сиськи в частности оправдалась на все сто — первый Tomb Raider до сих пор числится самой кассовой экранизацией видеоигры. Хотя кино само по себе, скажем прямо, дрянь несусветная. Время шло, и взрослеющие мальчики захотели чего-то иного. Им теперь под тридцать, и просто смотреть на сиськи уже неинтересно. Новые хозяева серии быстро уловили тенденцию и принялись «перезагружать» героиню. Девушку с сиськами, по нажатию кнопки делающую кульбиты в любую сторону, сменила девушка страдающая. Ей плохо, ее постоянно бьют по морде, в живот, по голове и дают пинка под задницу. Но она, как последний герой современности, все-таки побеждает негодяев на последнем издыхании. Такой вот крен в сторону романтичного реализма. Как вы понимаете, заниматься подобным, размахивая сиськами четвертого размера, проблематично (теннисистки не дадут соврать). Поэтому гипертрофированный образ ходячей порнозвезды 90-х сменили на современную реалистичную, спортивную особу. Но и о сиськах, конечно, не забыли. Размер «на грани» как бы намекает, что дальнейшее уменьшение могло повлиять на общественное мнение и — как следствие — на доходы обладателей торговой марки. Трюк удался: о сиськах говорили не так много, и на успех отличной игры их размер никак не повлиял. К сожалению, историю, сочиненную Рианной Пратчетт для игровой дилогии, в достоинства игр записать никак нельзя. И если в 2001-м с сюжетом можно было не заморачиваться (сиськи Джоли все вытянут!), то в наше время ответственным за экранизацию пришлось основательно потрудиться, чтобы слепить из игровой каши съедобный киношный винегрет. История, конечно, хромает на обе ноги, но непосредственно сценарий у Ивэна Догерти вышел неплохим. Зажмурив один глаз и закрыв рукой второй, в приключения новой Лары Крофт даже можно поверить. Но публике все это совершенно до лампочки. Ведь у Викандер очень маленькие сиськи! Там, где Crystal Dynamics (разработчики последних частей игровой серии — прим. ред.) могли пойти на компромисс и грамотно оградить себя от волны возмущения, киношники заморачиваться не стали. Это на Джоли лепили накладочки с выпирающими сосками, а Викандер обошлась каноничной маечкой. Я специально акцентировал на этом внимание: в новом Tomb Raider вообще нет ни одного намека на сексуальность Лары Крофт! А ведь в игре таких намеков не просто много, а очень много: посмотрите внимательно на то, как Лара ходит и бегает, какие ракурсы выбирает камера в акробатических эпизодах и какие звуки при этом издает наш бывший сексуальный объект. Для исправления данного недуга героев и наделяют некими чертами, чтобы вам было не скучно за ними наблюдать. И вот у киношной Лары эти черты отсутствуют. Вообще. У нее пропал отец, и вместо того чтобы воспользоваться его деньгами для организации поисков, она... работает курьером. И сидит на попе семь лет. Она что, дура? Появилась зацепка, нужно ехать на остров. Снять денег со счета и взять с собой пару головорезов? Нет, лучше продать дорогую для нее вещь, подаренную столь горячо любимым папой, и поехать туда одной. Она что, дура? Ну и нет-нет да и проскакивает гипертрофированный образ «сильной и независимой женщины». Тут, увы, нужно свыкнуться с реалиями: раньше этим образом были огромные сиськи, а теперь у нас «всеобщее равенство». Посмотрите на старые блокбастеры: прежде даже в батальных сценах голливудские актрисы не гнушались ходить без лифчиков и с вырезами до пупа, а сейчас даже в фильмах про Джеймса Бонда можно увидеть максимум скромное вечернее платье. К слову, Викандер готовилась к роли целый год. Наработала мускулатуру, выглядит спортивно, подтянуто. Можно сказать банальность? Именно на ней и держится этот необычайно пресный образ Лары Крофт, из которого убрали вообще все, о чем можно дискутировать. Злодей выглядит неплохо, но его действия до смешного клишированы. Соратников у Лары, по сути, нет, сопереживать некому. Однако как я уже сказал, сценарий мне понравился. От него не несет глупостью, в нем почти нет пафоса, который льется на нас проливным дождем в современных блокбастерах. Наконец, у фильма отличная развязка, она оставляет то самое приятное послевкусие. Обзорщики в конце своих рецензий/мнений любят советовать или не советовать вам сходить в кино на фильм, идущий в прокате. Я стараюсь ходить в кино практически каждую неделю и могу сказать, что «Tomb Raider: Лара Крофт» — не самый плохой способ потратить два часа жизни в обмен на 200 рублей. Но если внешний вид Викандер вызывает у вас негативные эмоции — лучше воздержитесь. И даже не думайте смотреть подобное кино не на большом экране — только зря потратите время.
  25. «Последние джедаи» еще долго — возможно, десятилетия — будут камнем преткновения для всех и каждого, кому небезразлична судьба далекой-далекой галактики. Причем не важно, до какой степени вы являетесь фанатом: просто смотрели фильмы или же досконально проштудировали каждую книгу расширенной вселенной старого и нового канонов. Восьмой эпизод противоречив в своей сути. Тем и прекрасен. Прошлое должно умереть? Именно эта мысль тонкой нитью пронизывает весь фильм, все два с половиной часа хронометража. «Пробуждение Силы» было призвано напомнить людям о том, что такое «Звездные войны», в чем их суть. Потому седьмой эпизод скрупулезно следовал заветам сценария самой первой снятой части эпопеи. И действительно получился эдакий вольный ремейк «Новой надежды», что многих задело. Только вот история имеет привычку повторяться. И повторяется она ровно до вступления новой главы саги. «Последние джедаи» подхватывают повествование там, где повисла пауза в 2015 году, но не так, как вы ожидали. Первый Орден уничтожил ключевые миры Новой Республики, фактически положив конец текущему политическому строю в галактике. Еще чуть-чуть, и вселенная откатится к состоянию оригинальной трилогии. Пока ничтожные остатки флота Сопротивления пытаются скрыться от превосходящих сил противника, Рей находит Люка Скайуокера на отдаленной планете. Он живет уединенно и просто. И здесь приходит время сцены, которая является поворотным моментом для всех зрителей. Фактически от вашей реакции на нее зависит отношение ко всему фильму в целом. Предыдущий эпизод закончился тем, что Рей отправилась к Люку. Она передает ему его старый меч. Звучит возвышенный оркестр, ведь это очень важный момент. Одно «но» — так думает героиня. Рей достигла цели всего путешествия. «Последние джедаи» переключают внимание на Люка, а с его точки зрения это давно ничего не значит. Ну да, его старый световой меч, который он потерял более 30 лет назад. Какое ему дело? Он что, просто так подался в отшельники? Вы ждали, что старый джедай, потерявший веру в себя, возьмет в руки саблю и пойдет рубить злодеев? Задумайтесь. Его поступок не то что не «внезапный поворот», а вполне логичное развитие событий. Зритель здесь смотрит глазами Рей, ведь зрителю через героиню весь предыдущий эпизод показывали, как важно добраться до Скайуокера. Никто не подумал поставить себя на место оного: а ему оно надо вообще? Я не просто так уделил особое внимание этому событию, ведь оно олицетворяет подход Райана Джонсона к фильму. Он не стал идти на поводу у фанатов, показывая дальнейшие события так, как все ожидали. Даже не в плане ответов на вопросы, а в плане самих вопросов, которые он хотел задать зрителю. Его мало интересует тайна родителей главной героини или предыстория очередного древнего могущественного существа. Джонсон не игнорирует эти, без сомнения, важные с точки зрения мифологии мира детали, лишь не заостряет на них внимание. Режиссер не раз признавался в любви ко вселенной «Звездных войн», но каждого фаната волнуют разные вещи. Джонсон задался другими вопросами, более глобальными: «В чем суть джедайства как учения?» и «Действительно ли Сила делит все лишь на светлое и темное?» Ведь даже финал шестого эпизода прямо говорил, что в человеке может быть одновременно и зло, и добро. Баланс — вот центральная тема «Последних джедаев». И согласитесь, это важнее, чем родители героини. За Сноука, кстати, волноваться рано. В интервью Джонсон прямо говорил, что исследовать фигуру главного злодея он не будет. Верховный Лидер — такое же загадочное, но, по сути, абсолютное зло, каким был Император в оригинальной трилогии. Он важен как катализатор событий — и почти наверняка мы узнаем его судьбу подробнее в девятой части. Кино сосредоточено на молодом поколении персонажей и их поиске себя. Самоидентификация — еще один важный мотив фильма. Рей и Кайло Рен — оба пытаются добиться расположения наставников и понять свое место в мире. Между ними оказывается куда больше общего, чем можно было подумать. Эта связь обретает вполне буквальную форму. Особенно хочется выделить персонажа Адама Драйвера: актер, кажется, действительно очень близко к сердцу принял критику своей работы в «Пробуждении Силы» и великолепно показал себя в «Последних джедаях». Это не просто потерянное дитя, свернувшее на темную дорожку, — его лицо отображает бурю эмоций, что бушует в его душе. Порой кажется, что внутреннее сражение вот-вот разорвет его на кусочки. Он полон ярости, злобы, амбиций и обиды за предательство. Ведь прошлое Бена Соло оказалось не таким банальным, как нас пытались убедить в седьмом эпизоде. Актерские работы в «Последних джедаях» в целом на высшем уровне. Кэрри Фишер, к большому сожалению, покинула нас слишком рано. Ее Лея — сильный, волевой лидер, но чуть ли не физически ощущаешь теплоту и свет, исходящие от нее. Отдельно хочется отметить Марка Хэмилла, который одним лишь взглядом может выразить больше, чем иные — часовым монологом. Авторы не обманывали, когда сказали, что это уже не тот персонаж, которого мы запомнили в «Возвращении джедая». За тридцать лет люди сильно меняются. Пришла пора измениться и самим «Звездным войнам». Если Джей Джей Абрамс использовал аллюзии и заимствования из оригинальной трилогии в качестве верного способа вызвать ностальгию, то Джонсон пытается пустить отсылками пыль в глаза. В трейлерах можно было насчитать много сцен, так или иначе вызывавших в памяти события из пятого и шестого эпизодов. На поверку они оказались художественным приемом, благодаря которому авторы сознательно запутывали зрителей, знакомых с классикой. Вы узнаете сцены, ходы и начинаете думать, будто понимаете, к чему все идет. И в последний момент все оборачивается иначе. Благодаря такому подходу от фильма не знаешь, чего и ожидать. Нет уверенности в том, кто выживет, кто канет в лету, кто на чью сторону перейдет в конечном счете. В середине сюжет сбавляет обороты, и для кого-то это кажется проблемой, провисанием; но на мой взгляд, затишье необходимо, чтобы буря последнего часа хронометража дала нужный эффект. У фильма в целом слегка рваный ритм, сродни американским горкам: бодрое начало, а затем пауза, чтобы перевести дух и морально приготовиться к последующему спуску на безумной скорости. Джонсон упорно пытается сломать те стереотипы развития сюжета, по которым всегда работали «Звездные войны». Кажется, ради этого была введена целая сюжетная линия с планетой-казино. Оттого она кажется излишне затянутой, если не лишней вообще. Финну нашлось бы более полезное применение, в то время как Роуз — новая героиня в серии — не играет в событиях особой роли. С новичками у «Последних джедаев», увы, хуже, чем у предшественника. Может быть, потому что к Рей, Финну и По мы успели привыкнуть, а тот же вор-взломщик в исполнении Бенисио Дель Торо появляется как черт из табакерки и уходит в никуда. Но одну важную деталь с помощью новых героев авторы сумели показать, ступив на территорию «Изгоя-один»: мир не поделен на хороших и плохих. Они все — просто люди, со своими мотивами и страхами. Кто-то готов погибнуть за общее дело, другой же может пожертвовать и собой, и еще кем-то ради одного-единственного близкого. В конечном счете у каждого есть свой момент в «Последних джедаях», но не всегда это момент славы. Персонажи могут ошибаться в суждениях и поступках, даже из лучших побуждений. Особенно из лучших побуждений. Таковы люди. Порой кажется, что фильм бросает вызов зрителю. Имеет ли он право вообще так легко обращаться с вещами культовыми, незыблемыми ранее? Ведь он не только продолжает историю, но и переосмысляет ее, подвергает сомнению. Поэтому и реакция зрителей так разнится. Уже на выходе из кинотеатра начинаются ярые споры, худший ли это фильм для франчайза и гвоздь в крышку ее гроба, или же глоток свежего воздуха для порядком застоявшейся серии. В ближайшие месяцы интернет точно будет полыхать. Ведь даже, казалось бы, сформировавшиеся лагеря поклонников снова разрозненны. Из толпы фанатов слышны диаметрально противоположные мнения — как и из группы тех, кто со «Звездными войнами» почти не знаком. О сценарно-смысловой нагрузке можно спорить долго. Зато с точки зрения постановки, визуального и аудиального исполнения фильм однозначно прекрасен. Создатели мастерски используют цветовую палитру, в которой холодные тона контрастируют с разными оттенками красного. И чем ближе к финалу, тем более «алой» становится картинка. Космические баталии и поединки ближнего боя поставлены умело и изобретательно, хотя и не сказать что они особенно выделяются на фоне прочих частей саги. Музыка Джона Уильямса в очередной раз показывает себя бессмертной. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ «Последние джедаи» уникальны стилистически. Это фильм со своим собственным лицом, умеющий мастерски обмануть. Перед нами кино авторское. Создатели творили так, как считают нужным, и не шли на поводу у фанатов или студии. Оно смелое, порой даже дерзкое — и оттого противоречивое. Его будут долго обсуждать и нескоро забудут. Кино соединило старое и новое и открыло тропу в неизведанные края «Звездных войн». Впервые за очень долгое время мы вообще не знаем, куда дальше может свернуть серия. А значит, будем удивлены в любом случае. За это восьмой эпизод многим полюбится. По той же причине многие его будут ненавидеть. Итоговая оценка — 8,5. P.S. В данном случае текст как никогда важнее оценки. Поэтому убедительно прошу вас, ознакомьтесь с рецензией целиком.
Zone of Games © 2003–2021 | Реклама на сайте.

Система Orphus

×